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Bookworm

Libros de Irma Boom,

Libros de Irma Boom

Libros de Irma Boom

La diseñadora holandesa es uno de los referentes del diseño editorial contemporáneo. Desde el inicio de su carrera a mediados de la década de 1980, Irma Boom ha contribuido a la revalorización del libro como objeto, cuestionando la primacía del formato electrónico que algunos vaticinaban. Sus libros tienen una cualidad material que se proyecta más allá del contenido.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

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Conferencia

Julia Born,

Julia Born

Title of the Talk

El diseño de un libro y el de una exposición son dos prácticas distintas pero interrelacionadas. Aunque ambos son conceptos espaciales a través de los cuales se articulan y muestran narrativas, se manifiestan en condiciones físicas y disciplinarias diferentes. La práctica de Julia Born encierra una investigación sobre estos formatos, desafiándolos y ampliando la noción de diseño a través de medios y disciplinas. El lenguaje y sus cualidades ambiguas están en el centro de su proyecto, que explora a través de encargos y trabajos independientes, como su reciente exposición individual All Capitals en el MACRO de Roma, o varias colaboraciones con la coreógrafa Alexandra Bachzetsis.

Julia Born es una diseñadora y educadora afincada en Zúrich. Su trabajo se centra en el diseño editorial, el diseño de exposiciones y las identidades gráficas para diversas instituciones culturales, como el Stedelijk Museum y la Rijksakademie van beeldende kunsten de Ámsterdam; el Kunsthalle y el Kunstmuseum de Basilea; el Museo Guggenheim de Nueva York; el HKW y el Brücke-Museum de Berlín; y la documenta 14 de Atenas/Kassel.

Ha diseñado monografías para artistas como Michel Auder, Miriam Cahn, Vivian Suter y Elisabeth Wild. Born imparte clases de diseño editorial en el Master Type Design de la ECAL, École cantonale d’art de Lausanne, y es profesora invitada en institutos internacionales de arte y diseño. Entre sus exposiciones individuales destacan All Capitals (MACRO-Museo d’Arte Contemporanea di Roma, 2022) y Title of the Show (Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig, 2009). Born ha recibido el Gran Premio Suizo de Diseño, concedido por la Oficina Federal de Cultura de Suiza en 2021.

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Conferencia

Julie Peeters,

Julie Peeters

En mi trabajo como diseñadora gráfica independiente siempre me he centrado mucho en las imágenes y en cómo la imagen impresa puede comunicar ideas y ser leída. En mi conferencia me gustaría centrarme más en este tema y explicar cómo lo he explorado a lo largo de diferentes proyectos. Desde algunos encargos hasta mi propio trabajo con la revista BILL y publicaciones relacionadas, así como con MMDC, una serie de publicaciones que retratan bibliotecas.

Hablaré de mi papel como diseñadora gráfica en proyectos por encargo, de cómo estos proyectos contribuyen a la edición de BILL, de la importancia del papel y la exploración del proceso de impresión offset y de cómo distribuyo mis propias publicaciones a través de eventos y encuentros.

Julie Peeters (Hasselt, BE) es diseñadora y editora afincada en Bruselas. Estudió diseño gráfico en Sint Lukas, Gante, fue investigadora en Jan Van Eyck Academy y se graduó en Werkplaats Typografie en 2009. Trabajar en estrecha colaboración con artistas, fotógrafos y comisarios en torno a la impresión es el núcleo de su práctica. En 2021, presentó su primera exposición individual, Daybed, en el MACRO de Roma. Julie ha trabajado en libros de artista con Linder Sterling, Silke Otto Knapp, Rosalind Nashashibi, Yuji Agematsu, Thomas Demand entre muchos otros.

Julie es fundadora y directora creativa de BILL, una revista anual de relatos fotográficos y editora de material visual pausado. Peeters ha impartido clases en la Academia Gerrit Rietveld de Ámsterdam y actualmente enseña en la Escuela de Arte KASK de Gante.

Superponiendo el diseño y las artes visuales con una práctica de edición, publicación y educación, mi trabajo explora las posibilidades del material impreso como medio y lo que significa editar a través del diseño. En 2017 fundé BILL, una publicación periódica anual que adopta la forma de una revista brillante sin palabras, presentando una colección de ensayos visuales de colaboradores invitados que exploran el potencial de las imágenes impresas en una era digital.

Mi trabajo cuestiona y celebra el poder de la impresión. Combinando las funciones de redactora jefe y directora artística, utilizo BILL como herramienta para investigar formas de crear y presentar contenidos, así como vehículo para investigar las posibilidades de la impresión.

Una vez impreso, BILL se convierte en un estímulo para debatir sobre la distribución y el consumo de imágenes, cómo se leen las imágenes en una página y qué significa publicar un objeto impreso en una época de colapso climático y comunicación digital.

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Masters' Talks

Irma Boom,

Irma Boom

Irma Boom es una bookmaker afincada en Ámsterdam. Ha creado más de quinientos libros. Su enfoque experimental desafía a menudo las convenciones de los libros tradicionales, tanto en el diseño físico como en el contenido impreso. Desde 1992, Boom ejerce como crítica en la Universidad de Yale, en New Haven (Connecticut), e imparte conferencias y talleres en todo el mundo. Ha recibido numerosos premios por el diseño de sus libros y, en 2001, fue la persona más joven en recibir el Premio Gutenberg.

Los libros de Boom forman parte de las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Instituto de Arte de Chicago, la Biblioteca Vaticana y el Centro Pompidou de París, entre otras instituciones. Las Colecciones Especiales de la Universidad de Ámsterdam recogen su obra completa. En 2014, Boom recibió el Premio Johannes Vermeer, el premio estatal holandés para las artes. En 2019, recibió el doctorado honoris causa del Royal College of Art de Londres.

La supervivencia del libro o ¡el renacimiento del libro! La distribución de la información siempre ha dependido de su forma cambiante. El libro clásico no puede escapar a ello y ahora lo está sintiendo de forma aguda. El libro digital está decididamente en alza. Pero su aparición en forma de imágenes planas y digitales no tiene por qué amenazar al libro tridimensional. La nueva competencia nos anima incluso a explorar más intensamente las características intrínsecas del libro impreso.

 

Creo que estamos a las puertas de un nuevo florecimiento del libro clásico. Tal vez incluso haya comenzado ya: el Renacimiento del libro. Para el libro impreso, los diseños preconcebidos son cosa del pasado. El diseñador de libros debe familiarizarse con el contenido antes de iniciar la tarea de concebir una estructura y una forma. Se puede comparar el diseño de un libro con la interpretación de una pieza musical: un director explora la música y la interpreta. El diseñador de libros es un editor y director de textos e imágenes.

El resultado de este esfuerzo es la congelación del tiempo y la información, que es un medio de reflexión; compárese con una fotografía o un cuadro. Una imagen en un momento dado que sirve de referencia de tiempo y lugar. El flujo inherente a Internet no permite ese tipo de tiempo. El libro impreso es definitivo y, por tanto, inmutable. Además, el uso adicional de materiales de base y de horas de trabajo (con la impresión y la encuadernación) te obliga, hasta cierto punto, a tomar decisiones conscientes.

Hago libros en los que el contenido y la forma están estrechamente relacionados. El contenido del material determina en gran medida el diseño. Esto hace que cada libro sea único: nunca el resultado de un tratamiento rutinario. Mis libros tienen presencia física por sus dimensiones, escala y peso. Su forma puede ser rotunda, pero siempre está determinada por el contenido. La necesidad de la intimidad del libro -el papel, el olor a tinta- no es nostalgia ni falso sentimiento.

El libro impreso es una parte fundamental e integral de nuestra tradición y cultura, del conocimiento y la sabiduría publicados y públicos. El libro ha muerto. ¡Viva el libro!

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Conferencia

Samar Maakaroun, Pentagram

Samar Maakaroun

Aristóteles exploró por primera vez la idea de llegar a ser haciendo, dice ‘llegamos a ser justos haciendo cosas justas, moderados haciendo cosas moderadas, valientes haciendo cosas valientes’. Esa misma idea se traduce hoy en día en el dicho «Fíngelo hasta que lo consigas». 

Pero, ¿cuándo lo conseguimos? ¿Cómo lo hacemos? ¿Es un sentimiento externo o interno?  

¿Alguien nos lo ha dicho alguna vez: ‘Lo has conseguido. Bien hecho. Has llegado’?

En esta charla, Samar Maakaroun compartirá historias, proyectos, momentos de su carrera que se sitúan de algún modo entre el fingimiento y la realización, y a qué se reduce todo ello.

Árabe y británica a partes iguales, Samar Maakaroun es una diseñadora y directora creativa conocida por su enfoque multilingüe y creativo del diseño.

Creció en Beirut y se trasladó a Londres en 2005, por lo que domina tres idiomas y dos culturas. A lo largo de más de 20 años de experiencia en branding, narrativa digital, escenografía y tipografía, su carrera se ha centrado en equilibrar la estética, el contexto y el patrimonio con la voz y el propósito de la marca.

En un mundo globalizado con florecientes comunidades diaspóricas en todas las ciudades, Samar cree en la fluidez y los matices de la identidad, y ve la complejidad como una fuente de inspiración creativa y poder narrativo. Su trabajo explora el espacio intermedio, donde las culturas y las lenguas se cruzan, se integran, se alinean o divergen.

Samar fundó Right to Left en 2021, una agencia de diseño a caballo entre culturas y tradiciones tipográficas. Especializado en el diseño de marcas híbridas, el equipo multidisciplinar habla siete idiomas y atraviesa tres generaciones, trabajando para integrar con fluidez mundos, culturas y lenguajes a través del naming, la estrategia de marca, los sistemas de marca y las identidades.

El proyecto tipográfico 29 Words for 29 Letters, que explora el lenguaje, la traducción y la fluidez del significado a través del diseño, es un ejemplo de su enfoque de salto lingüístico y cruce de culturas.

En 2023, Samar llevó su equipo Right to Left a la oficina londinense de Pentagram, donde se incorporó como uno de los once socios.

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Bookworm

La revista Emigre,

La revista Emigre

La revista Emigre
Emigre fue una revista de tipografía que tuvo una trascendencia considerable a finales del siglo pasado ya que cuestionó el cánon moderno en cuanto a retícula, composición y legibilidad. Sus editores y diseñadores, Rudy Vanderlans y Zuzana Licko, iniciaron un debate que popularizó el hecho tipográfico a través de la publicidad y el diseño gráfico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varias revistas icónicas que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos las revistas en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

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Workshop

Veronika Gryshchuk & Thinh Truong,

Veronika Gryshchuk & Thinh Truong

Únete a nosotros en un curso de inmersión de una semana a medida para diseñadores, en el que exploraremos la integración de la IA en el proceso creativo. Este taller ofrece una experiencia práctica con las últimas herramientas de IA, lo que le permite innovar y elevar tu trabajo de diseño. Perfecto para aquellos que buscan mantenerse al día en el siempre cambiante mundo del diseño, nuestro curso es una mezcla de habilidades prácticas y conocimientos de vanguardia. Porque todo el mundo tiene miedo de perder su trabajo a manos de la IA.

Conoce al dúo dinámico Thinh Truong (Artificial) y Vero Gryshchuk (Inteligencia) en el mundo del diseño y la educación en IA. Vero, licenciada en diseño gráfico por Elisava y aficionada al diseño especulativo. Thinh Truong, diseñador multidisciplinar juguetón y perspicaz, graduado en Motion Graphics por el IED Barcelona. Juntos, sus destinos se cruzaron en Domestic Data Streamers, donde iniciaron el viaje de la IA profundizando en la investigación de la IA y su aplicación en la industria creativa.

No son sólo profesores, sino buscadores de diversión, mezclando su experiencia en diseño con la IA generativa. ¿Sus clases? Un viaje creativo en la apasionante encrucijada del diseño y el estímulo experimental.

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Workshop

Victor Guerithault, KiteLab

Victor Guerithault

Continuando con el juego de construcción, el objetivo del taller es imaginar un sistema sencillo para construir cometas celulares. Estas cometas tendrán que ser plegables y relativamente grandes cuando estén construidas. Al final del taller, todas las cometas se colgarán en el vestíbulo de la escuela. Deben ser estéticas y poéticas pero también bien pensadas en el sistema de construcción. El objetivo del taller es explorar formas geométricas repetitivas con materiales específicos de cometas como el spinnaker o las estructuras.

Victor Guerithault (1993, París) es un diseñador especializado en cometas y estructuras aéreas graduado en EESAB Rennes en 2018. Apasionado por las estructuras ligeras, las arquitecturas y las cometas, encontró una manera de desempolvar los sistemas aerodinámicos de una manera divertida. Las cometas son objetos milenarios que tienen el poder de crear interacciones, vínculos sociales, sueños y recuerdos. El objetivo no es simplemente hacer volar tus cometas, sino construirla de la A a la Z y además poder transformarla en pocos minutos.

Guiados por geometrías básicas pero igualmente complejas, estos aerodinos son 100% personalizables, lo que los convierte en su primera cualidad.
De hecho, todos los proyectos, colaboraciones o encargos en los que he trabajado han visto la luz gracias a este sistema. Ya he trabajado para Louis Vuitton, Hermès, Le Coq Sportif y Burberry. Este juego de construcción me permite trabajar con diferentes estructuras como escuelas, marcas y festivales.

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Workshop

Christoph Brach, Raw Color

Christoph Brach

El objetivo del taller es crear un objeto gráfico que interactúe con el viento y sea capaz de generar energía. Durante el taller, los participantes desarrollarán su propia Wind Thing. Estos objetos deberán aunar la apariencia artística de un objeto cinético con la función de un aerogenerador a pequeña escala.
Empezaremos a hacer pruebas sencillas con el color, el dibujo, las formas y la rotación. Deberán influirse mutuamente para crear una unidad. A partir de ahí elegirás el diseño que mejor funcione.

Juntos desarrollaremos un prototipo funcional capaz de girar y generar electricidad. El mundo busca soluciones en las transiciones energéticas. Los aerogeneradores de gran tamaño son a menudo indeseados debido a su tamaño y apariencia. Los aerogeneradores a pequeña escala bellamente diseñados podrían convertirse en un complemento de energía eólica para el contexto privado.

El trabajo de Raw Color refleja un sofisticado tratamiento del material y el color mezclando los campos del diseño gráfico y la fotografía. Esto se plasma a través de la investigación y la experimentación, construyendo su lenguaje visual. Daniera ter Haar y Christoph Brach trabajan en proyectos propios y por encargo en su estudio de Eindhoven.

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Workshop

Stummerer & Hablesreiter, Honey and Bunny

Stummerer & Hablesreiter

Honey & bunny debate los objetivos y métodos del diseño del futuro con la ayuda de objetos comestibles y actividades relacionadas con la alimentación. Presentarán una visión general del food design y el diseño resiliente. Con los estudiantes, diseñarán objetos comestibles, debatirán sobre ellos y harán una presentación de estos procesos de diseño. El 30% de las emisiones climáticas proceden de la producción de alimentos y en las zonas meridionales de la UE trabajan más de 150.000 esclavos en los campos para alimentar a Europa – ¿más preguntas?

Sonja Stummerer y Martin Hablesreiter fundaron el estudio interdisciplinar honey & bunny en Viena en 2003. Desarrollaron y construyeron varios loft, tiendas y apartamentos, dirigieron «food design – the film», crearon las exposiciones «food design» para el Designforum MQ de Viena, «food | design | humanity» en Lodz y «eat | body | design» en Zúrich, entre otras. Su instalación «EAT DESIGN» forma parte de la colección permanente del Museo de Artes Aplicadas de Viena.

Honey & bunny han participado en numerosas exposiciones internacionales individuales y colectivas como diseñadores y artistas de Eat Art. Recientemente, han creado las instalaciones «room 333» para el Museo de la Imagen de Breda/ NL, «food design objects» para la Triennale de Milán, «table manners» para la Bienal de Gwangju y «eat VALUE design» para el V&A de Londres. Honey & bunny desarrolló y presentó performances de diseño y arte de comer en la Design Week de París 2015, la Expo de Milán 2015 y la Republic de Salzburgo, entre otras.

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Masters' Talks

BIG-GAME, Elric Petit & Augustin Scott de Martinville

BIG-GAME

Los fundadores de BIG-GAME eligieron estudiar diseño porque querían crear objetos que formaran parte de la vida cotidiana de la gente. Casi 20 años después de fundar el estudio, transformar una idea en un producto sigue siendo la parte más emocionante de su trabajo. El diseño no es una ciencia exacta, no existe lo correcto o lo incorrecto. Hay muchas maneras de pasar de una idea a un producto acabado. A veces se inspiran en lugares insólitos y utilizan sus propios métodos para crear modelos y prototipos.

 

Augustin Scott de Martinville, Grégoire Jeanmonod y Elric Petit son BIG-GAME. El estudio describe su trabajo como sencillo, funcional y optimista. Realiza diversos productos y accesorios para empresas como Alessi, Hay, Karimoku New Standard, Muji, Magis o Muuto. El trabajo de BIG-GAME suele ser accesible, encantador y, sobre todo, útil.

El estudio ha recibido numerosos premios, como el Swiss Design Award, el iF design award, el Wallpaper Design Award, el Good Design Award, el Hublot Design Award y el Design Preis Schweiz. Las obras de BIG-GAME forman parte de las colecciones del Museum fur Gestaltung, el Vitra Design Museum, el Centre Georges Pompidou y el MoMA. El estudio tiene su sede en Lausana (Suiza). Además de dedicarse al diseño, los tres fundadores de BIG-GAME son profesores en la ECAL / Universidad de Artes y Diseño de Lausana.

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Bookworm

La revista The Face,

La revista The Face

La revista The Face
Las revistas constituyen un documento único del espíritu de su época. The Face, diseñada por Neville Brody entre 1981 y 1986, es un buen ejemplo de obra gráfica total. Centrada en la música y la moda, su estilo tuvo una gran influencia y definió en gran manera la estética de los años 80 del siglo XX.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varias revistas icónicas que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos las revistas en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

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Conferencia

Giliane Cachin,

Giliane Cachin

Restricciones positivas y negativas en el diseño gráfico.

¿Cuándo las restricciones en el diseño ayudan a la creatividad y cuándo nos obligan a encontrar nuevas soluciones? Bajo el prisma de esta pregunta, cada componente de un diseño se revisará durante esta conferencia y se analizará desde diferentes ángulos (sistema de cuadrícula, bloque de texto, tipo de letra y materialidad).

Nacida en 1990 en la parte francófona de Suiza, Giliane Cachin es una diseñadora gráfica independiente con sede en Zúrich. Después de graduarse de ECAL en 2014, trabajó para el estudio NORM, así como para la fundición Lineto y su fundador Cornel Windlin. Hoy en día, además de dirigir su propio estudio, enseña diseño editorial en ECAL y tipografía en ZHdK, junto con David Keshavjee y Marietta Eugster.

Cuando era niña, Giliane Cachin acompañó a su padre ingeniero a las ferias de la industria de la impresión y estaba fascinada por todo tipo de visualización de datos, como dibujos técnicos, tablas de información, pruebas de impresión en color, etc. Hoy en día, en su práctica, le gusta trabajar en torno a la densidad de la información y la implementación de sistemas de cuadrícula para hacer que el contenido sea claro y accesible, mientras deja que los datos disponibles guíen sus diseños.

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Case studies

Albert Folch & Rafa Martínez, Folch

Albert Folch & Rafa Martínez

Proyectos recientes

En un mundo acelerado, cada aspecto de nuestras vidas está en constante cambio. Desde Folch reunimos distintas disciplinas para responder a un encargo, buscando siempre tener una visión atípica. Cada proyecto es una oportunidad para diseñar conceptos, marcas, narrativas y eventos digitales, alcanzando e involucrando a las audiencias a este nuevo paradigma líquido.

Folch Ecosistema creativo. Acid House (centro de innovación creativa y empresarial en Barcelona y Madrid), White Horse (producción creativa), Avanti Studio (city branding & way finding ), NOW (innovación y transformación digital), Creative Services (fashion y e-commerce), PILLS (educación digital), Gallery Studio (nuevos formatos musicales), G.Records (sello discográfico), Gallery (innovación musical), Eldorado Agency (agencia creativa outdoor), J.Franc (visualización 3D y soluciones AR/VR), FFF (fundición tipográfica digital) y Self (gestión del talento).

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Masters' Talks

Kaave Pour, SPACE10

Kaave Pour

The New Home

Esta sesión destacará el papel del hogar en la próxima década del diseño y la tecnología. También se debatirá cómo las industrias estarán más conectadas e influenciadas por nuestros espacios vitales.

Kaave comparte una década de ideas de SPACE10, imaginando nuevas posibilidades en las que el diseño y la tecnología fomenten una sociedad más sana, sostenible e integradora.

 

Kaave Pour es cofundador, consejero delegado y director creativo de SPACE10, un laboratorio de investigación y diseño cuya misión es crear una vida cotidiana mejor para las personas y el planeta. Trabajando en la intersección del diseño, la tecnología y la empresa, se esfuerza por crear soluciones radicales a los retos sociales y medioambientales. El trabajo de Kaave incluye colaboraciones con IKEA, Apple, la ONU, Harvard y el MIT, entre otros.

Gran parte de él ha sido reconocido en la prensa de todo el mundo y ha ganado numerosos premios, entre ellos D&AD, Webby, Dezeen y Fast Company. Además, es ponente y conferenciante invitado con frecuencia, y comparte sus ideas y experiencias con marcas, universidades, organizaciones y medios de comunicación de todo el mundo para fomentar un enfoque curioso, lúdico y con visión de futuro a la hora de hacer negocios.

SPACE10 fue un laboratorio de investigación y diseño con la misión de crear una vida cotidiana mejor para las personas y el planeta, que cerró con éxito en septiembre de 2023 tras casi una década de trabajo.
Investigamos y diseñamos soluciones innovadoras para algunos de los principales cambios sociales que se espera afecten a las personas y al planeta en los próximos años.

En esencia, dimos prioridad a un enfoque colaborativo y nos esforzamos por rodearnos de personas más inteligentes que nosotros. Trabajamos con una red cada vez mayor de especialistas y creativos con visión de futuro de todo el mundo y compartimos públicamente nuestras investigaciones e ideas. Además, organizamos con regularidad exposiciones, charlas, cenas y proyecciones para conectar con la gente, provocar la imaginación, diversificar nuestra perspectiva y avanzar en nuestra misión.

SPACE10 contó con el apoyo y la dedicación exclusiva de IKEA y funcionó como un laboratorio independiente de investigación y diseño. Aportamos nuevas perspectivas y diseñamos nuevas soluciones que permitieron a IKEA cumplir su promesa original de crear una vida cotidiana mejor para muchas personas.

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Bookworm

Libros premiados,

Libros premiados

¿Qué aspecto tiene un libro bien diseñado? En esta primera sesión veremos algunos libros que han sido premiados recientemente en certámenes como “The Most Beautiful Swiss Books”, la Feria del Libro de Frankfurt o los Premios Laus. A través del veredicto de un jurado de expertos, analizaremos cuáles son actualmente los factores que determinan la excelencia en el diseño de un libro.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

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Masters' Talks

Yazmany Arboleda,

Yazmany Arboleda

En el corazón de la práctica de Yazmany Arboleda está la idea de que el arte es un verbo, no un sustantivo. Es algo que hacemos y algo que vemos. Cree que el arte es un lenguaje universal de invención y acción, a través del cual definimos y redefinimos la cultura, expresamos nuestras experiencias compartidas e imaginamos todas las posibilidades. Su práctica, impulsada por valores, se centra en la colaboración y la interdependencia como práctica de creación de futuro. La charla explorará una serie de proyectos que muestran la evolución de su obra.

 

Yazmany Arboleda (1981, colombiano-estadounidense) es el primer ‘Artista del Pueblo de Nueva York en la Comisión de Compromiso Cívico’ y el fundador del ‘People’s Creative Institute’. Arquitecto de formación, la práctica artística de Yazmany fomenta las conexiones comunitarias a través de amplias iniciativas de arte público. También es asesor artístico principal de la Community Art Network. Ha recibido encargos del Carnegie Hall, la Yale School of Management y las Naciones Unidas.

Su práctica artística está arraigada en el trauma que sufrió cuando su padre y sus tíos fueron asesinados en Medellín, Colombia, a los 11 años. Para él, el arte se convirtió en un santuario para la exploración y el autodescubrimiento. Le ha dado los medios para captar su propia identidad en evolución como individuo en continuo cambio. Su misión es transmitir que el arte puede funcionar como un espacio de descubrimiento y transformación para los demás. Se esfuerza por inspirar a la gente  el potencial del arte para el crecimiento personal y la comprensión colectiva.

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Case studies

Natalia Santolaria, Domestic Data Streamers

Natalia Santolaria

A nosotros, los humanos, nos cuesta crear empatía hacia grandes cantidades de información. ¿Cómo resolvemos estos retos cuando los problemas a los que nos enfrentamos hoy en día son tan intrínsecamente grandes, interconectados, perversos y globalizados? En esta charla, exploraremos algunos humildes experimentos realizados para superar esta falta de empatía a través del arte, la tecnología y las experiencias participativas.

Natalia Santolaria es directora creativa en Domestic Data Streamers, una contadora de historias que usa los datos como materia prima. Formada en periodismo y humanidades, trabaja con un equipo de 25 diseñadores, arquitectos y tecnólogos para crear conexiones entre la información y las personas que disparen conversaciones y cambios de perspectiva. Centrada en proyectos con impacto social, ha dirigido campañas e instalaciones para organizaciones como las Naciones Unidas, gobiernos locales u OXFAM.

Domestic Data Streamers es un estudio premiado que explora cómo expresar los datos a través del cine, la robótica, el código, el teatro o la arquitectura en escuelas, prisiones, cines, las calles de muchas ciudades e incluso la sede de las Naciones Unidas. Trabajan para marcas comerciales y todo tipo de instituciones de la vieja y la nueva escuela. Creen de verdad que los datos pueden ser un verdadero desencadenante del cambio y tender puentes en una sociedad polarizada.

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Workshop

Martin Lorenz, TwoPoints.Net

Martin Lorenz

Systemic Type Design

Vivimos en una (nueva) edad de oro del diseño de sistemas tipográficos. Las nuevas tecnologías y los programas fáciles de usar han nivelado el campo de juego para los diseñadores emergentes y les han dado la oportunidad de experimentar con nuevas ideas. El mundo de las fuentes para pantalla ha sido testigo de muchos impulsos nuevos en los últimos años. Las tipografías se han vuelto más flexibles, variables y cinéticas que nunca, ajustándose eficiente y efectivamente a los nuevos canales de comunicación.

Systemic Type Design es más que diseñar fuentes. Un sistema de tipos es una herramienta de diseño eficiente que ayuda a los diseñadores a diseñar. Si se hace bien, el acto de escribir equivale al acto de diseñar. En este curso desarrollaremos un sistema de tipografía experimental que generará por sí mismo aplicaciones interesantes.

Martin Lorenz

bien podría haberse convertido en cocinero, dibujante de cómics o arquitecto, de no haber sido por unas prácticas en el estudio de diseño Müller + Volkmann. Lorenz estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Darmstadt y en la Real Academia de las Artes (KABK) de La Haya. Tras trabajar cuatro años en el estudio Hort, se trasladó a Barcelona para fundar TwoPoints.Net con Lupi Asensio y realizó su Máster y Doctorado en Investigación en Diseño en la UB. Lorenz da clases en Elisava desde 2006 y todavía le gusta cocinar.

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Case studies

Anna Berbiela, Pràctica

Anna Berbiela

Pràctica: Graphic Hunting

Examinar la realidad nos permite entender el potencial creativo que puede haber detrás de cualquier cosa que nos envuelve; En esta sesión analizaremos, a partir de una serie de case studies de los últimos proyectos de Pràctica, como todo lo que nos rodea puede llegar a ser una fuente inagotable de inspiración si nos prestamos y prestamos atención.

Anna Berbiela

Diseñadora gráfica, directora creativa e ilustradora afincada en Barcelona. Anna Berbiela es cofundadora, junto a Javier Arizu, Carlos Bermúdez y Albert Porta, del estudio de diseño Pràctica. Con sede en Barcelona y Nueva York, Pràctica es un estudio que cree que el diseño es un proceso que implica investigar, pensar, compartir, desafiar… y luego darle forma a todo esto.

Pràctica es un estudio de diseño e identidad con sede en Barcelona y Nueva York que busca revelar la verdad particular de cada marca. Al simplificar la complejidad y dar forma a los conceptos, crea un trabajo que busca tener sentido.

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Case studies

Daniel Ayuso, Clase

Daniel Ayuso

Enea
En esta sesión podremos ver a través del case study de un proyecto real del estudio cómo se desarrolla una identidad de marca y como ésta se traduce estratégicamente a los distintos elementos de comunicación on y offline para definir una personalidad reconocible y transversal.

Daniel Ayuso es socio y director creativo del estudio Clase. Desde 2016 hasta 2021 fue Presidente de la asociación de Diseñadores de arte y Diseño Gráfico ADG FAD. Es profesor adjunto en la escuela Elisava y en la UPF. Su trayectoria se ha ampliado desde la formación de diseño gráfico más puro hasta el desarrollo de identidades visuales más complejas en las que la comunicación y el lenguaje visual construyen un discurso de marca a través de del propio diseño, la dirección de arte en fotografía o el audiovisual.

Clase es un estudio de diseño y dirección creativa que toma la cultura como base para la creación de marca y el desarrollo de comunicación visual.

Crean voces y lenguajes únicos partiendo de la esencia de cada proyecto para construir su propio universo particular. Desde la estrategia inicial hasta el desarrollo final, conciben soluciones que son conceptual y formalmente ricas.

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Masters' Talks

Alice Rawsthorn,

Alice Rawsthorn

¿Qué significa diseño para nosotros ahora? ¿Qué significará en un futuro próximo? Cómo puede ayudar a afrontar los retos de esta época turbulenta y aterradora: de la emergencia climática a la crisis de refugiados, la lucha contra la desigualdad, la intolerancia y la violencia, garantizando que las nuevas y potentes tecnologías se utilicen para mejorar nuestras vidas, no para empeorarlas. Alice Rawsthorn describirá cómo la nueva generación de «diseñadores de actitud» está reinventando la práctica del diseño utilizando sus habilidades, redes e ingenio para abordar estos problemas y fomentar un cambio positivo.

 

Alice Rawsthorn es una galardonada crítica de diseño y autora de libros como Design as an Attitude (El diseño como actitud) y, más recientemente, Design Emergency: Building a Better Future, escrito en colaboración con Paola Antonelli, conservadora jefe de diseño del MoMA de Nueva York. Su columna semanal sobre diseño en The New York Times se difundió por todo el mundo durante más de una década. En todos sus trabajos, Alice defiende el potencial del diseño como herramienta social, política y ecológica para fomentar el cambio positivo.

Nacida en Manchester y afincada en Londres, es miembro fundador de la campaña por los derechos humanos Writers for Liberty y cofundadora, junto a Paola, de Design Emergency, un podcast y plataforma de investigación que indaga en el papel del diseño para forjar un futuro más justo.

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Showcase

Mela Dávila Freire, Artfile

Mela Dávila Freire

Hacer un libro significa emprender una tarea compleja y eminentemente colectiva. En ella, además de quienes crean contenido, lo diseñan y lo imprimen, deben implicarse otros roles y saberes cuya participación no siempre resulta visible desde fuera. Durante la sesión se repasarán los agentes implicados en la producción editorial, y también los distintos equilibrios que pueden establecerse entre ellos a lo largo del proceso de trabajo.  

En su trayectoria profesional, Mela Dávila Freire ha compaginado el trabajo institucional –en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y el Museo Reina Sofía, entre otros museos– con la investigación, la escritura, la edición y el comisariado. Entre los temas objeto de su interés se cuentan las superposiciones teóricas y prácticas entre archivo y colección de arte, los sesgos ideológicos en las estructuras archivísticas y la revisión feminista del género de las publicaciones de artista.

 

Su libro más reciente, Mission and Commission: documenta and the Art Market, 1955 – 1968, versa sobre la relación de las primeras documentas con el incipiente mercado del arte a través de la edición de múltiples y obra gráfica.

1 — Damián Ucieda, Camiño negro, 2022. Diseño de Luis Llorens Pendás, A Coruña / Hamburgo. / 2 — Ensayo 2: We Want to Know, 2022. Diseño de Todojunto, Barcelona. / 3 — Mission and Commission: documenta and the Art Market 1955 – 1968, 2022. Diseño de Cosmic, Barcelona. / 4 — La publicación My Holy Nacho (2015) en la instalación de Jamie Allen y Bernhard Garnicnic Sectioning: My Holy Nacho, Nikolaj Kunsthal, Copenhague, 2016. Diseño de Cosmic, Barcelona. / 5 — Cartel para una presentación en la Escuela Superior de Bellas Artes de Hamburgo (HfbK), 2019. Diseño de Luis Lloréns Pendás, A Coruña / Hamburgo.
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Showcase

Clara Layti, LLOS&

Clara Layti

Tras más de 10 años colaborando con diseñadores para la creación de proyectos digitales analizaremos trabajos relevantes de nuestra trayectoria, compartiremos experiencias y pondremos ejemplos de cómo preparar el hand off ideal para el desarrollo de una página web facilitando la vida al desarrollador y minimizando el feedback y los imprevistos posteriores.

Clara Layti es programadora web en LLOS& desde 2020. Ha liderado el desarrollo de proyectos web producidos por estudios como Folch, Hey, Affaire o Proxi, entre otros. Trabajando con las últimas tecnologías de desarrollo web busca adaptarse a las necesidades de cada proyecto para ofrecer la mejor experiencia de usuario. Estudió Creación y Desarrollo de Actividades Digitales, especializándose en diseño UX y programación web.

LLOS& es un estudio de desarrollo web de Barcelona especializado en acabados pixel-perfect de front-end.

Nuestros proyectos están programados desde cero con énfasis en la estética, las animaciones y las interacciones, casi siempre ejecutados de la mano de profesionales de la dirección de arte y el diseño.

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Conferencia

Martin Lorenz, TwoPoints.Net

Martin Lorenz

Diseño de sistemas flexibles, la habilidad del siglo XXI

En un mundo en constante cambio, todo lo rígido se romperá. Tenemos que desaprender los enfoques estáticos y aprender a ver, comprender y diseñar sistemas flexibles. Martin Lorenz hablará sobre los principales cambios que debemos realizar en el diseño de sistemas si queremos estar preparados para un futuro mejor.

Dr. Martin Lorenz (1977, Hannover, Alemania) se licenció en Diseño Gráfico en la KABK tras haber estudiado previamente diseño de comunicación en Darmstadt, Alemania. Fundó el estudio TwoPoints.Net con Lupi Asensio y realizó un máster y un doctorado en la UB, España, escribiendo una tesis doctoral sobre sistemas visuales flexibles en el diseño de comunicación. 

Desde 2003 ha enseñado en diversas universidades europeas. Actualmente imparte clases en Elisava, Barcelona, y flexiblevisualsystems.info.

El estudio de diseño TwoPoints.Net se fundó en 2007 con el objetivo de realizar un trabajo de diseño excepcional. Un trabajo que se adapte a las necesidades del cliente, un trabajo que emocione a los clientes del cliente, un trabajo que no se haya hecho antes.

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Conferencia

Fanette Mellier,

Fanette Mellier

Printed stuff

Fanette Mellier trabaja de forma artesanal en su estudio de París. Practica un diseño gráfico radical y colorista. En esta conferencia presentará sus últimos proyectos: identidades visuales para estructuras culturales, cuadros tipográficos y libros experimentales producidos en paralelo. ¡Mucho material impreso!

Especializada en diseño gráfico, Fanette Mellier (1977) crea principalmente obras atípicas en el ámbito cultural. Además de los trabajos por encargo, con los que aborda diversos temas, Mellier se involucra en proyectos experimentales que barajan libremente aspectos fundamentales del diseño gráfico: la tipografía, el color, el proceso de impresión y la relación con los espacios públicos.

Sus obras se han expuesto en numerosos museos y centros de arte contemporáneo, como el Centro Pompidou de París, el Stedelijk Museum de Ámsterdam y el Cooper-Hewitt Smithsonian Design Museum de Nueva York.

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Masters' Talks

Gail Bichler, The New York Times Magazine

Gail Bichler

Design for the Times

La revista The New York Times Magazine es conocida por aunar un periodismo ambicioso, unos visuales potentes y unos sistemas tipográficos atrevidos. La directora creativa, Gail Bichler, hablará de cómo su equipo aborda el diseño de la diversa gama de contenidos que publica la revista, incluido el diseño de acontecimientos actuales en tiempo real.

Hablará del papel actual de la revista dentro del contexto más amplio del Times, dará una mirada entre bastidores a cómo se hacen sus portadas conceptuales, y compartirá sus pensamientos sobre el papel de la experimentación en todo, desde los números especiales de la revista hasta su presencia digital, pasando por algunas de sus incursiones en otros medios como el audio y las secciones sólo impresas del periódico.

Gail Bichler es la directora creativa de The New York Times Magazine, donde dirige el equipo creativo responsable del diseño y la dirección artística de la revista y sus suplementos. Ella y su equipo han ganado numerosos premios por su diseño impreso e interactivo de organizaciones como el Art Directors Club, la Society of Publication Designers, D&AD, el American Institute for Graphic Arts, el Type Directors Club y Creative Review, entre otros. Gail ha dado clases y conferencias a nivel internacional. Es miembro de la AGI y ex miembro de la junta directiva de la SPD.

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Conferencia

Jonathan Hares,

Jonathan Hares

Is it better than a Tree?

Diseñar libros en 2023

Jonathan Hares es un diseñador británico que vive y trabaja en Suiza, donde se trasladó tras conocer a su mujer, Nicole Udry, en el RCA de Londres. Desde 2018, trabaja con Cornel Windlin en Lineto.com en Zúrich. Además, sigue diseñando libros y exposiciones en su estudio de Lausana. Trabaja principalmente para un pequeño círculo de clientes basado en relaciones a largo plazo. Actualmente diseña libros para Isamu Noguchi para la galería White Cube y la segunda edición de Museum is not Enough para el CCA de Montreal. Es profesor en la ECAL de Lausana.  

Lineto.com es la primera fundición digital suiza que inició una tendencia de fuentes creadas por diseñadores, reuniendo a una generación de diseñadores europeos que creaban tipos como subproducto de su proceso de trabajo. Jonathan es el diseñador de la actual página web de Lineto, junto con Jürg Lehni y Cornel Windlin. (Studio) Jonathan Hares es el nombre informal de lo que ocurra en los días restantes de la semana. Sobre todo libros. A menudo trabaja con Amaury Hamon y Jonas Marguet. Jonathan Hares imparte clases en el curso editorial de ECAL con Gilles Gavillet.

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Conferencia

Guido de Boer & Ivo Brouwer, High on Type

Guido de Boer & Ivo Brouwer

High on Type es un colectivo de cinco calígrafos, artistas y/o diseñadores. La escritura es la base de todo lo que hacen. Organizan un festival, hacen una residencia, crean una exposición o dan una conferencia. En esta conferencia, que impartirán Ivo y Guido, mostrarán por qué es tan importante seguir jugando en un proceso de creación, utilizando principalmente dos grandes proyectos recientes.

Guido de Boer, nacido en 1988, es un artista visual independiente con formación como diseñador. Su obra consiste en imágenes que se pueden leer y textos que se pueden experimentar visualmente. Su obra es grande, monumental y hecha a mano, por lo que es expresiva, pero también gráfica. Además de su práctica artística, Guido es profesor en la Real Academia de Arte de La Haya.

Ivo Brouwer, nacido en 1992, es un artista tipográfico y gráfico afincado en La Haya. Su obra se compone de patrones tipográficos y gráficos experimentales realizados mediante la traslación de métodos táctiles a entornos digitales y viceversa. Tiene un máster en diseño tipográfico por la Real Academia de Artes de La Haya KABK. En 2022, recibió un fondo para el desarrollo de talentos del Creative Industries Fund NL.

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Bookworm

Libros de Irma Boom,

Libros de Irma Boom

En la última sesión veremos una selección de libros diseñados por Irma Boom, una de las grafistas más reconocidas del momento. Podremos hacer un recorrido desde sus primeros diseños en la década de 1980 hasta ejemplos recientes tomando como hilo conductor la tercera edición del catálogo retrospectivo en miniatura que ella misma se ocupa de actualizar periódicamente. 

La obra de Irma Boom es un homenaje a la historia y a la actualidad del libro, una celebración de su poderosa presencia como objeto y un testimonio de su pervivencia en tiempos de publicaciones electrónicas.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

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Masters' Talks

Lev Manovich,

Lev Manovich

En un artículo sobre el uso de herramientas de síntesis de imágenes de IA, FT lo calificó como «un momento crucial en la historia del arte». (10/27/2022). WSJ comparó su llegada con otra gran revolución tecnológica en el arte: la adopción de la fotografía en el siglo XIX (19/8/2022). El NYT escribió que «los generadores de imágenes basados en IA, como DALL-E 2, Midjourney y Stable Diffusion, han hecho posible que cualquiera pueda crear imágenes únicas e hiperrealistas con sólo teclear unas palabras en un cuadro de texto.» (10/21/2022)

 

¿Estamos viviendo realmente una gran revolución en la cultura visual? ¿Es cierto que «cualquiera» puede crear imágenes «únicas» utilizando esta tecnología? En mi charla evaluaré críticamente algunas de las afirmaciones que se hacen sobre la síntesis de imágenes con IA, y sugeriré formas alternativas de entenderla. La charla se basa en el último capítulo del libro «Artificial Aesthetics: a Critical Guide to AI, Design and Media» (Manovich y Arielli, 2021-) que se publica en línea en manovich.net

Lev Manovich es el autor más citado del mundo en los campos de la cultura digital, el arte digital y los nuevos medios; uno de los tres más citados en teoría de los medios y humanidades digitales. Fue incluido en la lista de «25 personas que moldean el futuro del diseño» y en la de «50 personas más interesantes que construyen el futuro». Profesor Presidencial en The Graduate Center, CUNY, y Director del Cultural Analytics Lab. Autor de The Language of New Media, descrito como «la historia de los medios más sugerente y de mayor alcance desde Marshall McLuhan».

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Masters' Talks

Jesper Kouthoofd, Teenage Engineering

Jesper Kouthoofd

Teenage Engineering está desarrollando el futuro alternativo de la electrónica de consumo, cada invento diseñado para durar. Desde la reimaginación de la creación musical con el icónico sintetizador portátil OP-1 y el crecimiento de la población de sintetizadores con la asequible serie pocket operator, hasta el replanteamiento de la escucha con el altavoz ortodireccional OD-11 y la radio mágica OB-4, han aplicado su mentalidad característica a un nuevo legado de tecnologías perdurables.

 

Sus creaciones han atraído colaboraciones con conocidos artistas y marcas, que comparten su visión de integrar la creatividad en lo cotidiano. Teenage Engineering se fundó en 2007 y tiene su sede en Estocolmo (Suecia).

Jesper Kouthoofd es jefe de diseño, fundador y CEO de teenage engineering. Su trabajo personal ha sido reconocido en revistas como New York Times, Vanity Fair, GQ, Vogue, Wall Street Journal, Wallpaper, Wired, Popular Mechanics, G3 y muchas más en todo el mundo. Junto con sus 40 ingenieros de teenage engineering ha lanzado productos como el ya legendario sintetizador OP-1, operadores de bolsillo y ha rediseñado el clásico OD-11 (de Stig Carlsson). Cree en la creación de productos para todos, sin importar dónde vivas o qué idioma hables.

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Workshop

Cyrus Highsmith, Occupant fonts

Cyrus Highsmith

Las letras pueden dibujarse de muchas maneras diferentes. El enfoque de Cyrus Highsmith se basa en gran medida en la importancia del espacio en blanco y la sensibilidad a las formas. Es un método que aplica tanto al diseño tipográfico como a la creación de imágenes de todo tipo. Para Highsmith, es una forma de ver el mundo. Este taller será una exploración desordenada, práctica y sin ordenador del dibujo, la creación y la reflexión sobre las letras.

El objetivo de este taller es pasar una semana memorable dibujando letras y haciendo arte.

Cada día habrá una serie de demostraciones y conversaciones con mucho tiempo entre ellas para trabajar de forma independiente. Experimentaremos y jugaremos con diferentes formas de dibujar y pensar sobre las letras. Las técnicas pueden incluir plantillas, impresión de baja tecnología, collage y pintura. Los participantes deben estar dispuestos a vivir nuevas experiencias, experimentar, jugar y fracasar.

Cyrus Highsmith es un dibujante de letras, profesor, autor y artista gráfico. Enseña diseño tipográfico en la Rhode Island School of Design (RISD). Escribió e ilustró la aclamada guía Inside Paragraphs: Typographic Fundamentals. En 2015, recibió el Premio Gerrit Noordzij por sus extraordinarias contribuciones en los campos del diseño tipográfico, la tipografía y la educación tipográfica. En 2017, se convirtió en Director Creativo de Desarrollo de Tipos Latinos en Morisawa USA. Se acuesta muy temprano.

 

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Bookworm

Libros de Joost Grootens,

Libros de Joost Grootens

En esta sesión nos centraremos en la figura de Joost Grootens, un grafista holandés especializado en el diseño de libros sobre arquitectura, urbanismo y arte. Su trabajo se caracteriza por el manejo de gran cantidad de información en forma de datos estadísticos, mapas y diagramas. Su habilidad para la visualización de datos lo ha convertido en un referente en el ámbito de la comunicación visual.

Tomando como punto de partida un libro retrospectivo de su propia obra titulado «I swear I use no art at all» podremos conocer su filosofía de diseño y algunos ejemplos notables de su producción editorial.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

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Conferencia

Tim Rodenbröker, trcc

Tim Rodenbröker

Nuestro mundo está cambiando a un ritmo vertiginoso. El progreso tecnológico conduce continuamente a transformaciones significativas. Ya es hora de que nosotros, como diseñadores, nos comprometamos de forma valiente y crítica con las tecnologías que conforman nuestra vida cotidiana. Para ello es necesario que nos involucremos consecuentemente con las estructuras ocultas que se esconden tras las superficies visibles. Un método que lo hace posible se llama Programación Creativa.

 

Tim Rodenbröker es diseñador, emprendedor y creador de comunidades. Después de varios años dirigiendo su propio estudio y enseñando en varias universidades internacionales, fundó su propia plataforma de aprendizaje, alrededor de 2019, que ahora dirige a tiempo completo. Como tecnólogo creativo, ha trabajado para clientes como nytimes.com, IBM, CCCB, ZKM Karlsruhe, Slate+Ash, Holo Magazine, DEMO Festival y Springer Science and Business Media.

trcc (tim rodenbröker creative coding) es una plataforma internacional de aprendizaje en línea con una comunidad asociada para la codificación creativa en el ámbito del diseño gráfico. Con unos 800 estudiantes activos de todo el mundo y una amplia red de expertos de universidades y agencias, festivales y conferencias, la plataforma, financiada por Patreon, es una institución de renombre mundial en el panorama actual de la enseñanza de la codificación creativa.

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Masters' Talks

Amical Dall, Assemble

Amical Dall

Amica reflexionará sobre cómo las prácticas arquitectónicas y creativas pueden alejarse de la invención y la innovación para acercarse al paciente y lento trabajo de reparación, y considerar el trabajo que se basa en la adopción de compromisos personales o éticos a largo plazo con los lugares, las situaciones y los contextos sociales. La autora abordará algunos de los primeros trabajos de Assemble, antes de hablar de un conjunto de proyectos que reorientaron su actitud y la del estudio hacia la ciudad y el campo, la ética material y la justicia intergeneracional. 

Amica Dall es una profesional interdisciplinar centrada en la arquitectura y la cultura de la ciudad y el derecho de los niños a la ciudad. Es miembro fundador de Assemble, donde ha realizado más de 15 grandes proyectos a lo largo de diez años. Su trabajo como escritora y cineasta ha sido emitido por la BBC, expuesto en la Bienal de Venecia y publicado en E-Flux, entre otros muchos. Recientemente ha coescrito un libro sobre el futuro post-carbono de la arquitectura en el Reino Unido con el estudio de arquitectura Material Cultures, publicado por Mack Books.

Assemble es un colectivo multidisciplinar que trabaja en arquitectura, diseño y arte. Fundado en 2010 para llevar a cabo un único proyecto de autoconstrucción, han realizado desde entonces un conjunto de obras diversas y premiadas, manteniendo un método de trabajo democrático y cooperativo que permite realizar trabajos de construcción, sociales y de investigación a distintas escalas. Galardonados con el Premio Turner en 2016, y nominados en 2022 a la Royal Academy en reconocimiento a su contribución colectiva a la cultura de la creación de ciudades.

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Conferencia

Peter Biľak, Typotheque

Peter Biľak

Giving voice to People

Peter hablará de las razones para diseñar tipos hoy en día, desde la búsqueda de nuevas posibilidades dentro de la escritura latina, pasando por el uso de la investigación cognitiva para alimentar el proyecto de diseño, hasta el diseño de tipos para lenguas minoritarias.

Peter Biľak trabaja en el campo del diseño editorial, gráfico y tipográfico. En 1999 puso en marcha la fundición tipográfica Typotheque, en 2000 cofundó junto a Stuart Bailey la revista de arte y diseño Dot Dot Dot, en 2012 puso en marcha Works That Work, una revista de creatividad inesperada, en 2015 cofundó junto a Andrej Krátky Fontstand.com, una plataforma de alquiler de fuentes. Colabora con el coreógrafo Lukas Timulak en la creación de espectáculos de danza moderna.

Typotheque es una empresa tipográfica que da forma al lenguaje, diseñando para la comunicación en un mundo cada vez más digital y multicultural.

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Bookworm

Libros contemporáneos,

Libros contemporáneos

En esta segunda sesión nos centraremos en libros contemporáneos, analizando algunos ejemplos que han sido premiados en los últimos años.

¿Qué se considera actualmente un libro bien diseñado?

A través del veredicto del jurado de los premios LAUS y del «Best Book Design From All Over The World» podremos hacer un recorrido por el diseño editorial reciente y detectar cuáles son las tendencias en ese ámbito. Podremos valorar la adecuación entre forma y contenido y explorar el rol del diseñador en el proceso de creación de un libro.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

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Masters' Talks

Luna Maurer, Moniker

Luna Maurer

Rewind and fastforward

Luna Maurer explicará la relación de Moniker con la tecnología en los últimos 20 años y su impacto en su práctica. Actualmente, Moniker está desarrollando una nueva visión y perspectiva de la tecnología, provocada por la rápida evolución reciente en este campo. La web pasó de ser una red democratizadora emancipadora a una infraestructura para el gran capital, la pantalla pasó de ser una interfaz de autoedición a una extensión fundamental de nuestra identidad. Luna compartirá sus últimos experimentos.

Luna Maurer es una artista de la interacción y el diseño de medios. Originaria de Stuttgart (Alemania), completó sus estudios en Rietveld Academie y Sandberg Instituut de Ámsterdam. Junto con Roel Wouters, dirige el estudio Moniker, con sede en Ámsterdam. Moniker es conocido por ser el autor del Manifiesto de Diseño Condicional (junto con Edo Paulus y Jonathan Puckey). Luna Maurer ha impartido cursos sobre medios de comunicación en Rietveld Academie, Sandberg Instituut, KABK, HfG de Karlsruhe y Yale University School of Art.

Moniker explora las características de la tecnología y su influencia en nuestra vida cotidiana. Han diseñado numerosos proyectos participativos (online y offline), así como otros proyectos web, películas y actuaciones. Sus clientes van desde instituciones culturales como el Stedelijk Museum de Ámsterdam y la Fondation Beyeler de Basilea hasta clientes más orientados a la tecnología como la Fundación Mozilla, Unity 3D y Google. Han ganado muchos premios, entre ellos un British Music Video Award, un Webby, varios Dutch Design Awards y el Amsterdam Prijs voor de Kunst.

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Conferencia

Dahyun Hwang, HHHA

Dahyun Hwang

Dahyun hablará de cómo podemos convertir lo analógico en digital y explorar las posibilidades de la web. Además, ¿cómo podemos crear sitios web emocionantes de formas inesperadas? ¿Y cómo podemos utilizar las herramientas en línea para mejorar la comunicación hoy en día?

Dahyun Hwang es diseñadora gráfica. Estudió Comunicación Visual en la Universidad de Seúl (Corea) y terminó su máster en la Universidad Bauhaus de Weimar (Alemania). Piensa en cómo podemos conectar lo analógico y lo digital. También es co-iniciadora de HHHA, un colectivo de código creativo. Ha participado en la exposición «Post Modern Child», en el MoCA de Busan, y en la exposición «Post IT», en Tokio. Sus obras han aparecido en Monthly Design, It’s Nice That, CA Magazine, etc.

HHHA (Hej Hello Hallo Annyeong) es un colectivo de código creativo en el que creadoras se reúnen para compartir y explorar obras basadas en la web. Dahyun Hwang co-inició HHHA con Naree Shin, y reunieron a otras compañeras de equipo que viven en diversos lugares como Alemania, Dinamarca y Corea.

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Masters’ Talks

Viviane Stappmanns, Vitra Design Museum

Viviane Stappmanns

Conservar significa cuidar. Literalmente. En el caso del diseño, estos objetos -y las exposiciones en las que aparecen- hablan del impulso humano hacia el progreso, del liderazgo creativo, de las economías materiales y de las innovaciones tecnológicas. Pero, ¿qué significa el comisariado en el ámbito del diseño en el siglo XXI? ¿Cómo pueden las exposiciones y los libros contribuir a fomentar sociedades más justas, social y ecológicamente sostenibles? En su conferencia, ofrecerá una visión de la práctica del comisariado y de las cuestiones más amplias que pueden influir en la forma de presentar, debatir y practicar el diseño en el futuro.

Viviane Stappmanns es conservadora del Vitra Design Museum de Weil am Rhein. Está interesada en explorar la contribución que los comisarios pueden hacer para repensar el diseño como una práctica preocupada por la sostenibilidad ecológica y social. En su trabajo de exposición y docencia, experimenta con nuevos enfoques colaborativos de comisariado y exposición. Ha impartido clases en diferentes escuelas y universidades, entre ellas la Escuela de Arquitectura y Diseño Urbano de la Universidad RMIT de Melbourne (Australia) y, más recientemente, la Universidad de Arte y Diseño de Karlsruhe.

Antes de trabajar en el Vitra Design Museum, Viviane ha trabajado como editora y comisaria en contextos de arquitectura y diseño en Australia y Alemania, y es licenciada en Diseño de Interiores y Periodismo.
La exposición «¡Aquí estamos! Mujeres en el diseño 1900 – ¡Hoy!» (2021) se inaugurará en el Museo del Diseño de Barcelona en octubre de 2023. Actualmente está trabajando en la exposición itinerante internacional «Garden Futures», que se inaugurará en el Vitra Design Museum en la primavera de 2023.

1 & 2 — Exposición «Typology. An ongoing study of everyday items», 2020 / 3 — Exposición «Beyond the Surface», 2018 / 4 — Instalación de la exposición «Better Nature», 2019 / 5 & 6 — Exposición «Here We Are! Women in Design», 2021 / 7 — Preparando la exposición «Here We Are! Women in Design», 2021
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Case studies

Albert Folch & Rafa Martínez, Folch

Albert Folch & Rafa Martínez

Proyectos recientes

En un mundo acelerado, cada aspecto de nuestras vidas está en constante cambio. Desde Folch reunimos distintas disciplinas para responder a un encargo, buscando siempre tener una visión atípica. Cada proyecto es una oportunidad para diseñar conceptos, marcas, narrativas y eventos digitales, alcanzando e involucrando a las audiencias a este nuevo paradigma líquido.

Folch Ecosistema creativo. Acid House (centro de innovación creativa y empresarial en Barcelona y Madrid), White Horse (producción creativa), Avanti Studio (city branding & way finding ), NOW (innovación y transformación digital), Creative Services (fashion y e-commerce), PILLS (educación digital), Gallery Studio (nuevos formatos musicales), G.Records (sello discográfico), Gallery (innovación musical), Eldorado Agency (agencia creativa outdoor), J.Franc (visualización 3D y soluciones AR/VR), FFF (fundición tipográfica digital) y Self (gestión del talento).

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Case studies

Pablo Juncadella, Mucho

Pablo Juncadella

¿Decrecer o crecer de otra manera?

El valor de un proyecto no se puede medir únicamente en términos monetarios. Y eso, lo tenemos claro.

Para nosotros es importante desarrollar ideas y conceptos que aportan a la sociedad, que ayudan a cumplir una finalidad y que nos llevan a pensar más allá de los límites. A estos proyectos los llamamos ‘pro-bono’ y son parte del compromiso que tenemos con los demás y con la sociedad pero, especialmente, con nuestra comunidad de diseñadores.

¿Cómo organizamos los proyectos pro-bono? ¿Cómo limitamos la colaboración para que resulte sostenible para ambas partes? ¿Cómo mantenemos la relación con cliente durante el tiempo?

Pablo Juncadella

Co-fundador y director creativo de Mucho. Gracias a su constante búsqueda de nuevos desafíos, Pablo ascendió al puesto de Director Creativo del periódico inglés The Observer después de trabajar como diseñador gráfico para gráfica y Pentagram. Su visión global y su gran interés por el conocimiento visual, han sido aportes fundamentales para el crecimiento del estudio. Hoy, junto a su equipo en Mucho, trabaja con la meta de encontrar soluciones que encajen en el posicionamiento de las marcas aportando ideas originales.

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Case studies

Robbie Whitehead, Apartamento Magazine

Robbie Whitehead

Título

Descripción de la sesión

Robbie Whitehead (Londres, 1988) es el director editorial de la revista Apartamento. En 2010, al terminar sus estudios de diseño gráfico en Sídney, Australia, vino a Barcelona para trabajar en la publicación. En ella, junto a sus fundadores Nacho Alegre, Omar Sosa y Marco Velardi, se encarga de la dirección editorial de la revista y del resto de proyectos editoriales de la marca, dirigiendo de forma cercana a una red de fotógrafos, escritores e ilustradores de reconocimiento internacional.

Apartamento es ampliamente reconocida como la revista de interiores más influyente, inspiradora y honesta de la actualidad. Internacional, bien diseñada, redactada con sencillez y comisariada con buen gusto desde 2008, es un recurso indispensable para los apasionados de la forma de vivir. La publicación se edita semestralmente desde su sede en Barcelona. También tiene oficinas en Nueva York, Milán y Berlín.

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Showcase

Clara Layti, LLOS&

Clara Layti

Tras más de 10 años colaborando con diseñadores para la creación de proyectos digitales analizaremos trabajos relevantes de nuestra trayectoria, compartiremos experiencias y pondremos ejemplos de cómo preparar el hand off ideal para el desarrollo de una página web facilitando la vida al desarrollador y minimizando el feedback y los imprevistos posteriores.

Clara Layti es programadora web en LLOS& desde 2020. Ha liderado el desarrollo de proyectos web producidos por estudios como Folch, Hey, Affaire o Proxi, entre otros. Trabajando con las últimas tecnologías de desarrollo web busca adaptarse a las necesidades de cada proyecto para ofrecer la mejor experiencia de usuario. Estudió Creación y Desarrollo de Actividades Digitales, especializándose en diseño UX y programación web.

LLOS& es un estudio de desarrollo web de Barcelona especializado en acabados pixel-perfect de front-end.

Nuestros proyectos están programados desde cero con énfasis en la estética, las animaciones y las interacciones, casi siempre ejecutados de la mano de profesionales de la dirección de arte y el diseño.

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Bookworm

Desde 1900 hasta la Postmodernidad,

Desde 1900 hasta la Postmodernidad

Presentación del Fondo de Reserva Enric Bricall, una colección de libros que por su diseño y tipografía, representa la excelencia en el diseño editorial del siglo XX. Haremos un recorrido histórico desde el 1900 hasta la Postmodernidad, pasando por las vanguardias de entreguerras, la Nueva Tipografía y la gráfica suiza.

Veremos algunos libros representativos de cada época y analizaremos sus características. Trataremos de comprender dónde reside su importancia y porqué han pasado a la historia del diseño gráfico convirtiéndose en ejemplos canónicos del diseño editorial del siglo pasado.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

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Case studies

Pau Garcia, Domestic Data Streamers

Pau Garcia

A nosotros, los humanos, nos cuesta crear empatía hacia grandes cantidades de información. ¿Cómo resolvemos estos retos cuando los problemas a los que nos enfrentamos hoy en día son tan intrínsecamente grandes, interconectados, perversos y globalizados? En esta charla, exploraremos algunos humildes experimentos realizados para superar esta falta de empatía a través del arte, la tecnología y las experiencias participativas.

Pau Garcia es diseñador de medios y cofundador de Domestic Data Streamers, un estudio de 25 personas que desde 2013 se centra en la creación de infoexperiencias. También dirige el Master in Data Design en Elisava. Es profesor invitado en The New School (NYC), Hong Kong Design Institute, el Royal College of Arts (Londres), el Politécnico de Milán y la Escuela de Economía de Barcelona. Construyó y vive permanentemente en la residencia para artistas HeyHuman! y forma parte del Colectivo Posttraumatic. No suele hablar en tercera persona.

Domestic Data Streamers es un estudio premiado que explora cómo expresar los datos a través del cine, la robótica, el código, el teatro o la arquitectura en escuelas, prisiones, cines, las calles de muchas ciudades e incluso la sede de las Naciones Unidas. Trabajan para marcas comerciales y todo tipo de instituciones de la vieja y la nueva escuela. Creen de verdad que los datos pueden ser un verdadero desencadenante del cambio y tender puentes en una sociedad polarizada.

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Case studies

Anna Berbiela, Pràctica

Anna Berbiela

Pràctica: Graphic Hunting

Examinar la realidad nos permite entender el potencial creativo que puede haber detrás de cualquier cosa que nos envuelve; En esta sesión analizaremos, a partir de una serie de case studies de los últimos proyectos de Pràctica, como todo lo que nos rodea puede llegar a ser una fuente inagotable de inspiración si nos prestamos y prestamos atención.

Anna Berbiela

Diseñadora gráfica, directora creativa e ilustradora afincada en Barcelona. Anna Berbiela es cofundadora, junto a Javier Arizu, Carlos Bermúdez y Albert Porta, del estudio de diseño Pràctica. Con sede en Barcelona y Nueva York, Pràctica es un estudio que cree que el diseño es un proceso que implica investigar, pensar, compartir, desafiar… y luego darle forma a todo esto.

Pràctica es un estudio de diseño e identidad con sede en Barcelona y Nueva York que busca revelar la verdad particular de cada marca. Al simplificar la complejidad y dar forma a los conceptos, crea un trabajo que busca tener sentido.

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Showcase

Mela Dávila Freire, Artfile

Mela Dávila Freire

Hacer un libro significa emprender una tarea compleja y eminentemente colectiva. En ella, además de quienes crean contenido, lo diseñan y lo imprimen, deben implicarse otros roles y saberes cuya participación no siempre resulta visible desde fuera. Durante la sesión se repasarán los agentes implicados en la producción editorial, y también los distintos equilibrios que pueden establecerse entre ellos a lo largo del proceso de trabajo.  

En su trayectoria profesional, Mela Dávila Freire ha compaginado el trabajo institucional –en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y el Museo Reina Sofía, entre otros museos– con la investigación, la escritura, la edición y el comisariado. Entre los temas objeto de su interés se cuentan las superposiciones teóricas y prácticas entre archivo y colección de arte, los sesgos ideológicos en las estructuras archivísticas y la revisión feminista del género de las publicaciones de artista.

 

Su libro más reciente, Mission and Commission: documenta and the Art Market, 1955 – 1968, versa sobre la relación de las primeras documentas con el incipiente mercado del arte a través de la edición de múltiples y obra gráfica.

1 — Damián Ucieda, Camiño negro, 2022. Diseño de Luis Llorens Pendás, A Coruña / Hamburgo. / 2 — Ensayo 2: We Want to Know, 2022. Diseño de Todojunto, Barcelona. / 3 — Mission and Commission: documenta and the Art Market 1955 – 1968, 2022. Diseño de Cosmic, Barcelona. / 4 — La publicación My Holy Nacho (2015) en la instalación de Jamie Allen y Bernhard Garnicnic Sectioning: My Holy Nacho, Nikolaj Kunsthal, Copenhague, 2016. Diseño de Cosmic, Barcelona. / 5 — Cartel para una presentación en la Escuela Superior de Bellas Artes de Hamburgo (HfbK), 2019. Diseño de Luis Lloréns Pendás, A Coruña / Hamburgo.
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Conferencia

Thierry Brunfaut, Base

Thierry Brunfaut

Blanding, The Branding Paradox

Las marcas son como las personas. Algunas son discretas, otras ruidosas, otras divertidas. Unas se comunican ¡exclamando!, otras tienen una gramática terrible. Las marcas no se crean en el vacío, son producto del mundo que las rodea. En relación a los puntos fuertes y débiles de la competencia, una marca es tanto lo que no es como lo que es. El punto es la diferenciación; eso es la marca. Me desconcierta la epidemia actual de lo que yo llamo «blanding», es decir, marcas diseñadas no para destacar, sino para integrarse. Con resultados anodinos.

Thierry Brunfaut es director creativo y uno de los socios fundadores de Base Design, la red internacional de estudios de branding con sede en Bruselas, Nueva York, Ginebra y Melbourne. Es autor de la conocida serie 5–Minute poster, profesor y ponente habitual en conferencias de diseño y branding en todo el mundo. Thierry tiene un sorprendente y aparentemente contradictorio parecido con Moby y con la rana Gustavo.

Base Design crea marcas con impacto cultural. Nuestro equipo de creativos, estrategas y expertos digitales diseñan y desarrollan marcas simples pero poderosas, y construyen personalidades únicas.

Base sabe que el branding tiene que ver sobre todo con las personas, por lo que se especializa en ayudar a las empresas -ya sean nuevas o establecidas; grandes o pequeñas- a convertirse en marcas centradas en el ser humano con visión, claridad y empatía. La empresa ha evolucionado a lo largo de los años y ahora está dirigida por socios de los cuatro estudios.