Giving voice to People
Peter hablará de las razones para diseñar tipos hoy en día, desde la búsqueda de nuevas posibilidades dentro de la escritura latina, pasando por el uso de la investigación cognitiva para alimentar el proyecto de diseño, hasta el diseño de tipos para lenguas minoritarias.
Peter Biľak trabaja en el campo del diseño editorial, gráfico y tipográfico. En 1999 puso en marcha la fundición tipográfica Typotheque, en 2000 cofundó junto a Stuart Bailey la revista de arte y diseño Dot Dot Dot, en 2012 puso en marcha Works That Work, una revista de creatividad inesperada, en 2015 cofundó junto a Andrej Krátky Fontstand.com, una plataforma de alquiler de fuentes. Colabora con el coreógrafo Lukas Timulak en la creación de espectáculos de danza moderna.
Typotheque es una empresa tipográfica que da forma al lenguaje, diseñando para la comunicación en un mundo cada vez más digital y multicultural.
Evento en el COA, Plaça Nova 5
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Amica reflexionará sobre cómo las prácticas arquitectónicas y creativas pueden alejarse de la invención y la innovación para acercarse al paciente y lento trabajo de reparación, y considerar el trabajo que se basa en la adopción de compromisos personales o éticos a largo plazo con los lugares, las situaciones y los contextos sociales. La autora abordará algunos de los primeros trabajos de Assemble, antes de hablar de un conjunto de proyectos que reorientaron su actitud y la del estudio hacia la ciudad y el campo, la ética material y la justicia intergeneracional.
Amica Dall es una profesional interdisciplinar centrada en la arquitectura y la cultura de la ciudad y el derecho de los niños a la ciudad. Es miembro fundador de Assemble, donde ha realizado más de 15 grandes proyectos a lo largo de diez años. Su trabajo como escritora y cineasta ha sido emitido por la BBC, expuesto en la Bienal de Venecia y publicado en E-Flux, entre otros muchos. Recientemente ha coescrito un libro sobre el futuro post-carbono de la arquitectura en el Reino Unido con el estudio de arquitectura Material Cultures, publicado por Mack Books.
Assemble es un colectivo multidisciplinar que trabaja en arquitectura, diseño y arte. Fundado en 2010 para llevar a cabo un único proyecto de autoconstrucción, han realizado desde entonces un conjunto de obras diversas y premiadas, manteniendo un método de trabajo democrático y cooperativo que permite realizar trabajos de construcción, sociales y de investigación a distintas escalas. Galardonados con el Premio Turner en 2016, y nominados en 2022 a la Royal Academy en reconocimiento a su contribución colectiva a la cultura de la creación de ciudades.
Solo para estudiantes del MDE
En esta sesión nos centraremos en la figura de Joost Grootens, un grafista holandés especializado en el diseño de libros sobre arquitectura, urbanismo y arte. Su trabajo se caracteriza por el manejo de gran cantidad de información en forma de datos estadísticos, mapas y diagramas. Su habilidad para la visualización de datos lo ha convertido en un referente en el ámbito de la comunicación visual.
Tomando como punto de partida un libro retrospectivo de su propia obra titulado «I swear I use no art at all» podremos conocer su filosofía de diseño y algunos ejemplos notables de su producción editorial.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.
fanettemellier.com
@fanettemellier
Abierto al público
Printed stuff
Fanette Mellier trabaja de forma artesanal en su estudio de París. Practica un diseño gráfico radical y colorista. En esta conferencia presentará sus últimos proyectos: identidades visuales para estructuras culturales, cuadros tipográficos y libros experimentales producidos en paralelo. ¡Mucho material impreso!
Especializada en diseño gráfico, Fanette Mellier (1977) crea principalmente obras atípicas en el ámbito cultural. Además de los trabajos por encargo, con los que aborda diversos temas, Mellier se involucra en proyectos experimentales que barajan libremente aspectos fundamentales del diseño gráfico: la tipografía, el color, el proceso de impresión y la relación con los espacios públicos.
Sus obras se han expuesto en numerosos museos y centros de arte contemporáneo, como el Centro Pompidou de París, el Stedelijk Museum de Ámsterdam y el Cooper-Hewitt Smithsonian Design Museum de Nueva York.
Solo para estudiantes del MDE
En la última sesión veremos una selección de libros diseñados por Irma Boom, una de las grafistas más reconocidas del momento. Podremos hacer un recorrido desde sus primeros diseños en la década de 1980 hasta ejemplos recientes tomando como hilo conductor la tercera edición del catálogo retrospectivo en miniatura que ella misma se ocupa de actualizar periódicamente.
La obra de Irma Boom es un homenaje a la historia y a la actualidad del libro, una celebración de su poderosa presencia como objeto y un testimonio de su pervivencia en tiempos de publicaciones electrónicas.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.
Evento en el COA, Plaça Nova 5
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En un artículo sobre el uso de herramientas de síntesis de imágenes de IA, FT lo calificó como «un momento crucial en la historia del arte». (10/27/2022). WSJ comparó su llegada con otra gran revolución tecnológica en el arte: la adopción de la fotografía en el siglo XIX (19/8/2022). El NYT escribió que «los generadores de imágenes basados en IA, como DALL-E 2, Midjourney y Stable Diffusion, han hecho posible que cualquiera pueda crear imágenes únicas e hiperrealistas con sólo teclear unas palabras en un cuadro de texto.» (10/21/2022)
¿Estamos viviendo realmente una gran revolución en la cultura visual? ¿Es cierto que «cualquiera» puede crear imágenes «únicas» utilizando esta tecnología? En mi charla evaluaré críticamente algunas de las afirmaciones que se hacen sobre la síntesis de imágenes con IA, y sugeriré formas alternativas de entenderla. La charla se basa en el último capítulo del libro «Artificial Aesthetics: a Critical Guide to AI, Design and Media» (Manovich y Arielli, 2021-) que se publica en línea en manovich.net
Lev Manovich es el autor más citado del mundo en los campos de la cultura digital, el arte digital y los nuevos medios; uno de los tres más citados en teoría de los medios y humanidades digitales. Fue incluido en la lista de «25 personas que moldean el futuro del diseño» y en la de «50 personas más interesantes que construyen el futuro». Profesor Presidencial en The Graduate Center, CUNY, y Director del Cultural Analytics Lab. Autor de The Language of New Media, descrito como «la historia de los medios más sugerente y de mayor alcance desde Marshall McLuhan».
Is it better than a Tree?
Diseñar libros en 2023
Jonathan Hares es un diseñador británico que vive y trabaja en Suiza, donde se trasladó tras conocer a su mujer, Nicole Udry, en el RCA de Londres. Desde 2018, trabaja con Cornel Windlin en Lineto.com en Zúrich. Además, sigue diseñando libros y exposiciones en su estudio de Lausana. Trabaja principalmente para un pequeño círculo de clientes basado en relaciones a largo plazo. Actualmente diseña libros para Isamu Noguchi para la galería White Cube y la segunda edición de Museum is not Enough para el CCA de Montreal. Es profesor en la ECAL de Lausana.
Lineto.com es la primera fundición digital suiza que inició una tendencia de fuentes creadas por diseñadores, reuniendo a una generación de diseñadores europeos que creaban tipos como subproducto de su proceso de trabajo. Jonathan es el diseñador de la actual página web de Lineto, junto con Jürg Lehni y Cornel Windlin. (Studio) Jonathan Hares es el nombre informal de lo que ocurra en los días restantes de la semana. Sobre todo libros. A menudo trabaja con Amaury Hamon y Jonas Marguet. Jonathan Hares imparte clases en el curso editorial de ECAL con Gilles Gavillet.
Design for the Times
La revista The New York Times Magazine es conocida por aunar un periodismo ambicioso, unos visuales potentes y unos sistemas tipográficos atrevidos. La directora creativa, Gail Bichler, hablará de cómo su equipo aborda el diseño de la diversa gama de contenidos que publica la revista, incluido el diseño de acontecimientos actuales en tiempo real.
Hablará del papel actual de la revista dentro del contexto más amplio del Times, dará una mirada entre bastidores a cómo se hacen sus portadas conceptuales, y compartirá sus pensamientos sobre el papel de la experimentación en todo, desde los números especiales de la revista hasta su presencia digital, pasando por algunas de sus incursiones en otros medios como el audio y las secciones sólo impresas del periódico.
Gail Bichler es la directora creativa de The New York Times Magazine, donde dirige el equipo creativo responsable del diseño y la dirección artística de la revista y sus suplementos. Ella y su equipo han ganado numerosos premios por su diseño impreso e interactivo de organizaciones como el Art Directors Club, la Society of Publication Designers, D&AD, el American Institute for Graphic Arts, el Type Directors Club y Creative Review, entre otros. Gail ha dado clases y conferencias a nivel internacional. Es miembro de la AGI y ex miembro de la junta directiva de la SPD.
Solo para estudiantes del MDE
En esta segunda sesión nos centraremos en libros contemporáneos, analizando algunos ejemplos que han sido premiados en los últimos años.
¿Qué se considera actualmente un libro bien diseñado?
A través del veredicto del jurado de los premios LAUS y del «Best Book Design From All Over The World» podremos hacer un recorrido por el diseño editorial reciente y detectar cuáles son las tendencias en ese ámbito. Podremos valorar la adecuación entre forma y contenido y explorar el rol del diseñador en el proceso de creación de un libro.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.
Rewind and fastforward
Luna Maurer explicará la relación de Moniker con la tecnología en los últimos 20 años y su impacto en su práctica. Actualmente, Moniker está desarrollando una nueva visión y perspectiva de la tecnología, provocada por la rápida evolución reciente en este campo. La web pasó de ser una red democratizadora emancipadora a una infraestructura para el gran capital, la pantalla pasó de ser una interfaz de autoedición a una extensión fundamental de nuestra identidad. Luna compartirá sus últimos experimentos.
Luna Maurer es una artista de la interacción y el diseño de medios. Originaria de Stuttgart (Alemania), completó sus estudios en Rietveld Academie y Sandberg Instituut de Ámsterdam. Junto con Roel Wouters, dirige el estudio Moniker, con sede en Ámsterdam. Moniker es conocido por ser el autor del Manifiesto de Diseño Condicional (junto con Edo Paulus y Jonathan Puckey). Luna Maurer ha impartido cursos sobre medios de comunicación en Rietveld Academie, Sandberg Instituut, KABK, HfG de Karlsruhe y Yale University School of Art.
Moniker explora las características de la tecnología y su influencia en nuestra vida cotidiana. Han diseñado numerosos proyectos participativos (online y offline), así como otros proyectos web, películas y actuaciones. Sus clientes van desde instituciones culturales como el Stedelijk Museum de Ámsterdam y la Fondation Beyeler de Basilea hasta clientes más orientados a la tecnología como la Fundación Mozilla, Unity 3D y Google. Han ganado muchos premios, entre ellos un British Music Video Award, un Webby, varios Dutch Design Awards y el Amsterdam Prijs voor de Kunst.
dahyunhwang.com
hhha.online
@da_hyonni
@hejhellohalloannyeong
Abierto al público
Dahyun hablará de cómo podemos convertir lo analógico en digital y explorar las posibilidades de la web. Además, ¿cómo podemos crear sitios web emocionantes de formas inesperadas? ¿Y cómo podemos utilizar las herramientas en línea para mejorar la comunicación hoy en día?
Dahyun Hwang es diseñadora gráfica. Estudió Comunicación Visual en la Universidad de Seúl (Corea) y terminó su máster en la Universidad Bauhaus de Weimar (Alemania). Piensa en cómo podemos conectar lo analógico y lo digital. También es co-iniciadora de HHHA, un colectivo de código creativo. Ha participado en la exposición «Post Modern Child», en el MoCA de Busan, y en la exposición «Post IT», en Tokio. Sus obras han aparecido en Monthly Design, It’s Nice That, CA Magazine, etc.
HHHA (Hej Hello Hallo Annyeong) es un colectivo de código creativo en el que creadoras se reúnen para compartir y explorar obras basadas en la web. Dahyun Hwang co-inició HHHA con Naree Shin, y reunieron a otras compañeras de equipo que viven en diversos lugares como Alemania, Dinamarca y Corea.
Conservar significa cuidar. Literalmente. En el caso del diseño, estos objetos -y las exposiciones en las que aparecen- hablan del impulso humano hacia el progreso, del liderazgo creativo, de las economías materiales y de las innovaciones tecnológicas. Pero, ¿qué significa el comisariado en el ámbito del diseño en el siglo XXI? ¿Cómo pueden las exposiciones y los libros contribuir a fomentar sociedades más justas, social y ecológicamente sostenibles? En su conferencia, ofrecerá una visión de la práctica del comisariado y de las cuestiones más amplias que pueden influir en la forma de presentar, debatir y practicar el diseño en el futuro.
Viviane Stappmanns es conservadora del Vitra Design Museum de Weil am Rhein. Está interesada en explorar la contribución que los comisarios pueden hacer para repensar el diseño como una práctica preocupada por la sostenibilidad ecológica y social. En su trabajo de exposición y docencia, experimenta con nuevos enfoques colaborativos de comisariado y exposición. Ha impartido clases en diferentes escuelas y universidades, entre ellas la Escuela de Arquitectura y Diseño Urbano de la Universidad RMIT de Melbourne (Australia) y, más recientemente, la Universidad de Arte y Diseño de Karlsruhe.
Antes de trabajar en el Vitra Design Museum, Viviane ha trabajado como editora y comisaria en contextos de arquitectura y diseño en Australia y Alemania, y es licenciada en Diseño de Interiores y Periodismo.
La exposición «¡Aquí estamos! Mujeres en el diseño 1900 – ¡Hoy!» (2021) se inaugurará en el Museo del Diseño de Barcelona en octubre de 2023. Actualmente está trabajando en la exposición itinerante internacional «Garden Futures», que se inaugurará en el Vitra Design Museum en la primavera de 2023.
Solo para estudiantes MDV
Proyectos recientes
En un mundo acelerado, cada aspecto de nuestras vidas está en constante cambio. Desde Folch reunimos distintas disciplinas para responder a un encargo, buscando siempre tener una visión atípica. Cada proyecto es una oportunidad para diseñar conceptos, marcas, narrativas y eventos digitales, alcanzando e involucrando a las audiencias a este nuevo paradigma líquido.
Folch Ecosistema creativo. Acid House (centro de innovación creativa y empresarial en Barcelona y Madrid), White Horse (producción creativa), Avanti Studio (city branding & way finding ), NOW (innovación y transformación digital), Creative Services (fashion y e-commerce), PILLS (educación digital), Gallery Studio (nuevos formatos musicales), G.Records (sello discográfico), Gallery (innovación musical), Eldorado Agency (agencia creativa outdoor), J.Franc (visualización 3D y soluciones AR/VR), FFF (fundición tipográfica digital) y Self (gestión del talento).
Solo para estudiantes MDV
¿Decrecer o crecer de otra manera?
El valor de un proyecto no se puede medir únicamente en términos monetarios. Y eso, lo tenemos claro.
Para nosotros es importante desarrollar ideas y conceptos que aportan a la sociedad, que ayudan a cumplir una finalidad y que nos llevan a pensar más allá de los límites. A estos proyectos los llamamos ‘pro-bono’ y son parte del compromiso que tenemos con los demás y con la sociedad pero, especialmente, con nuestra comunidad de diseñadores.
¿Cómo organizamos los proyectos pro-bono? ¿Cómo limitamos la colaboración para que resulte sostenible para ambas partes? ¿Cómo mantenemos la relación con cliente durante el tiempo?
Pablo Juncadella
Co-fundador y director creativo de Mucho. Gracias a su constante búsqueda de nuevos desafíos, Pablo ascendió al puesto de Director Creativo del periódico inglés The Observer después de trabajar como diseñador gráfico para gráfica y Pentagram. Su visión global y su gran interés por el conocimiento visual, han sido aportes fundamentales para el crecimiento del estudio. Hoy, junto a su equipo en Mucho, trabaja con la meta de encontrar soluciones que encajen en el posicionamiento de las marcas aportando ideas originales.
Título
Descripción de la sesión
Robbie Whitehead (Londres, 1988) es el director editorial de la revista Apartamento. En 2010, al terminar sus estudios de diseño gráfico en Sídney, Australia, vino a Barcelona para trabajar en la publicación. En ella, junto a sus fundadores Nacho Alegre, Omar Sosa y Marco Velardi, se encarga de la dirección editorial de la revista y del resto de proyectos editoriales de la marca, dirigiendo de forma cercana a una red de fotógrafos, escritores e ilustradores de reconocimiento internacional.
Apartamento es ampliamente reconocida como la revista de interiores más influyente, inspiradora y honesta de la actualidad. Internacional, bien diseñada, redactada con sencillez y comisariada con buen gusto desde 2008, es un recurso indispensable para los apasionados de la forma de vivir. La publicación se edita semestralmente desde su sede en Barcelona. También tiene oficinas en Nueva York, Milán y Berlín.
Tras más de 10 años colaborando con diseñadores para la creación de proyectos digitales analizaremos trabajos relevantes de nuestra trayectoria, compartiremos experiencias y pondremos ejemplos de cómo preparar el hand off ideal para el desarrollo de una página web facilitando la vida al desarrollador y minimizando el feedback y los imprevistos posteriores.
Clara Layti es programadora web en LLOS& desde 2020. Ha liderado el desarrollo de proyectos web producidos por estudios como Folch, Hey, Affaire o Proxi, entre otros. Trabajando con las últimas tecnologías de desarrollo web busca adaptarse a las necesidades de cada proyecto para ofrecer la mejor experiencia de usuario. Estudió Creación y Desarrollo de Actividades Digitales, especializándose en diseño UX y programación web.
LLOS& es un estudio de desarrollo web de Barcelona especializado en acabados pixel-perfect de front-end.
Nuestros proyectos están programados desde cero con énfasis en la estética, las animaciones y las interacciones, casi siempre ejecutados de la mano de profesionales de la dirección de arte y el diseño.
Solo para estudiantes del MDE
Presentación del Fondo de Reserva Enric Bricall, una colección de libros que por su diseño y tipografía, representa la excelencia en el diseño editorial del siglo XX. Haremos un recorrido histórico desde el 1900 hasta la Postmodernidad, pasando por las vanguardias de entreguerras, la Nueva Tipografía y la gráfica suiza.
Veremos algunos libros representativos de cada época y analizaremos sus características. Trataremos de comprender dónde reside su importancia y porqué han pasado a la historia del diseño gráfico convirtiéndose en ejemplos canónicos del diseño editorial del siglo pasado.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.
A nosotros, los humanos, nos cuesta crear empatía hacia grandes cantidades de información. ¿Cómo resolvemos estos retos cuando los problemas a los que nos enfrentamos hoy en día son tan intrínsecamente grandes, interconectados, perversos y globalizados? En esta charla, exploraremos algunos humildes experimentos realizados para superar esta falta de empatía a través del arte, la tecnología y las experiencias participativas.
Pau Garcia es diseñador de medios y cofundador de Domestic Data Streamers, un estudio de 25 personas que desde 2013 se centra en la creación de infoexperiencias. También dirige el Master in Data Design en Elisava. Es profesor invitado en The New School (NYC), Hong Kong Design Institute, el Royal College of Arts (Londres), el Politécnico de Milán y la Escuela de Economía de Barcelona. Construyó y vive permanentemente en la residencia para artistas HeyHuman! y forma parte del Colectivo Posttraumatic. No suele hablar en tercera persona.
Domestic Data Streamers es un estudio premiado que explora cómo expresar los datos a través del cine, la robótica, el código, el teatro o la arquitectura en escuelas, prisiones, cines, las calles de muchas ciudades e incluso la sede de las Naciones Unidas. Trabajan para marcas comerciales y todo tipo de instituciones de la vieja y la nueva escuela. Creen de verdad que los datos pueden ser un verdadero desencadenante del cambio y tender puentes en una sociedad polarizada.
Pràctica: Graphic Hunting
Examinar la realidad nos permite entender el potencial creativo que puede haber detrás de cualquier cosa que nos envuelve; En esta sesión analizaremos, a partir de una serie de case studies de los últimos proyectos de Pràctica, como todo lo que nos rodea puede llegar a ser una fuente inagotable de inspiración si nos prestamos y prestamos atención.
Anna Berbiela
Diseñadora gráfica, directora creativa e ilustradora afincada en Barcelona. Anna Berbiela es cofundadora, junto a Javier Arizu, Carlos Bermúdez y Albert Porta, del estudio de diseño Pràctica. Con sede en Barcelona y Nueva York, Pràctica es un estudio que cree que el diseño es un proceso que implica investigar, pensar, compartir, desafiar… y luego darle forma a todo esto.
Pràctica es un estudio de diseño e identidad con sede en Barcelona y Nueva York que busca revelar la verdad particular de cada marca. Al simplificar la complejidad y dar forma a los conceptos, crea un trabajo que busca tener sentido.
Hacer un libro significa emprender una tarea compleja y eminentemente colectiva. En ella, además de quienes crean contenido, lo diseñan y lo imprimen, deben implicarse otros roles y saberes cuya participación no siempre resulta visible desde fuera. Durante la sesión se repasarán los agentes implicados en la producción editorial, y también los distintos equilibrios que pueden establecerse entre ellos a lo largo del proceso de trabajo.
En su trayectoria profesional, Mela Dávila Freire ha compaginado el trabajo institucional –en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y el Museo Reina Sofía, entre otros museos– con la investigación, la escritura, la edición y el comisariado. Entre los temas objeto de su interés se cuentan las superposiciones teóricas y prácticas entre archivo y colección de arte, los sesgos ideológicos en las estructuras archivísticas y la revisión feminista del género de las publicaciones de artista.
Su libro más reciente, Mission and Commission: documenta and the Art Market, 1955 – 1968, versa sobre la relación de las primeras documentas con el incipiente mercado del arte a través de la edición de múltiples y obra gráfica.
Blanding, The Branding Paradox
Las marcas son como las personas. Algunas son discretas, otras ruidosas, otras divertidas. Unas se comunican ¡exclamando!, otras tienen una gramática terrible. Las marcas no se crean en el vacío, son producto del mundo que las rodea. En relación a los puntos fuertes y débiles de la competencia, una marca es tanto lo que no es como lo que es. El punto es la diferenciación; eso es la marca. Me desconcierta la epidemia actual de lo que yo llamo «blanding», es decir, marcas diseñadas no para destacar, sino para integrarse. Con resultados anodinos.
Thierry Brunfaut es director creativo y uno de los socios fundadores de Base Design, la red internacional de estudios de branding con sede en Bruselas, Nueva York, Ginebra y Melbourne. Es autor de la conocida serie 5–Minute poster, profesor y ponente habitual en conferencias de diseño y branding en todo el mundo. Thierry tiene un sorprendente y aparentemente contradictorio parecido con Moby y con la rana Gustavo.
Base Design crea marcas con impacto cultural. Nuestro equipo de creativos, estrategas y expertos digitales diseñan y desarrollan marcas simples pero poderosas, y construyen personalidades únicas.
Base sabe que el branding tiene que ver sobre todo con las personas, por lo que se especializa en ayudar a las empresas -ya sean nuevas o establecidas; grandes o pequeñas- a convertirse en marcas centradas en el ser humano con visión, claridad y empatía. La empresa ha evolucionado a lo largo de los años y ahora está dirigida por socios de los cuatro estudios.
Solo para estudiantes del MDE
La obra de las diseñadoras Muriel Cooper e Irma Boom sirve para reflexionar sobre el fenómeno del diseñador como autor. Learning from Las Vegas fue uno de los textos seminales de la arquitectura posmoderna, pero el diseño del libro fue motivo de enfrentamiento entre sus autores y Muriel Cooper debido a la falta de adecuación entre fondo y forma. Un caso similar es el de Irma Boom, que reivindica su autonomía creativa en el proceso de creación del libro. Dos personalidades muy fuertes que refutan la imagen del «diseñador invisible».
Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.
Muriel Cooper. Learning from Las Vegas. Cambridge, Mass.: MIT Press, 1972
Irma Boom. The architecture of the book. Eindhoven: Lecturis, 2013
Off track
En esta conferencia, Vrints-Kolsteren te adentrará en su proceso creativo. Desde sus fuentes de inspiración hasta la forma de construir sistemas visuales.
Como un juego, una identidad visual se construye a partir de un conjunto de reglas. La forma de aplicar estas reglas determinará el resultado final. El truco es navegar libremente dentro del juego, como un viajero que se desvía del camino pero tiene un mapa para sentirse seguro.
Vrints-Kolsteren es un estudio de diseño con sede en Amberes fundado por Vincent Vrints y Naomi Kolsteren en 2015, que trabaja tanto a nivel local como internacional. El sello del estudio es el desarrollo de identidades visuales con un claro y fuerte enfoque en la tipografía. Al trabajar en una identidad, crean un sistema, un conjunto de reglas, que puede evolucionar con el tiempo.
Además, el tratamiento de lo orgánico frente a las formas rudimentarias y las líneas rectas es una narrativa recurrente dentro de su práctica.
Vrints-Kolsteren hace hincapié en la colaboración y le gusta trabajar estrechamente con sus clientes. No quieren ver al cliente como un cliente, en el sentido estricto de la palabra, sino que consideran que todas las partes son iguales.
Vrints-Kolsteren está influenciada por el periodo modernista, con claras referencias a esa época, a sus diseñadores y artistas, lo que puede apreciarse pronto en su atención por la forma, el trazado de líneas y, sobre todo, el uso de cuadrículas y conjuntos de reglas.
Solo para estudiantes del MDE
En los años sesenta se empezó a cuestionar el canon moderno. El malestar social y los movimientos contraculturales se trasladaron al diseño gráfico. Una nueva estética alejada de la retícula suiza dio paso a composiciones tipográficas lúdicas que conectaban con las «palabras en libertad» de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, especialmente el Futurismo y el Dadaísmo. Robert Massin, en Francia, y Corita Kent, en Estados Unidos, dominaron con maestría el uso de la palabra impresa en sus creaciones.
Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.
Massin. La cantatrice chauve. Paris: Gallimard, 1964
Sister Corita. Footnotes and headlines: a play-pray book. New York: Herder and Herder, 1967
En esta charla, la artista y diseñadora, Sarah Boris, hablará sobre su cambio de práctica, desde ser diseñadora interna y directora de arte para algunas de las principales instituciones de arte en el Reino Unido, hasta crear su propio estudio en 2015. Presentará algunos de sus proyectos personales y no comerciales que han dado forma a su práctica y están informando de nuevas direcciones, incluyendo proyectos autopublicados como ‘Global Warming Anyone?’, o su libro de artista ‘Le Théâtre Graphique’ y su último diseño escultórico de banco en forma de corazón.
Sarah Boris es una artista y diseñadora gráfica afincada en Londres. Después de trabajar durante más de diez años para organizaciones como Phaidon, el Barbican Centre y el Institute of Contemporary Arts, se estableció por su cuenta en 2015, centrándose en las identidades visuales, el diseño editorial y el desarrollo de su práctica artística personal. Entre sus clientes se encuentran The Photographers’ Gallery, Tate, The National Gallery y Christie’s, entre otros.
Paralelamente a los proyectos por encargo, Sarah crea obras de arte serigrafiadas durante las residencias de artistas. Su obra fue adquirida por el Museo Stedelijk de Ámsterdam y se expuso en el Museo del Diseño de Londres y en Une Saison Graphique, en Le Havre (Francia). Fue presidenta del jurado de diseño de libros del D&AD en 2016 y forma parte del jurado de diseño gráfico de los Premios Latinoamericanos de Diseño 2022.
Solo para estudiantes del MDE
La gráfica suiza lideró la escena internacional después de la Segunda Guerra Mundial. En los años 50 y 60, el estilo suizo, una versión refinada de la Nueva Tipografía, se convirtió en la solución universal para cualquier necesidad de comunicación visual, desde el diseño de libros hasta el de carteles, pasando por la publicidad y la imagen corporativa. Max Bill y Karl Gerstner, entre otros muchos, crearon un sofisticado lenguaje enraizado en la vanguardia para comunicar con la sociedad de consumo.
Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.
Max Bill. Form. Basel: Karl Werner, 1952
Karl Gerstner. Geigy heute. Basel: Birkhäuser, 1958
Influenciada tanto por el feminismo como por la tipografía suiza, Lucienne compartirá su viaje por el diseño gráfico desde el afán utópico hasta el dilema distópico. Siempre ha considerado el diseño gráfico como un acto político. Al principio este mensaje fue recibido con incredulidad, pero cuando su libro Good: An Introduction to Ethics in Graphic Design salió a la calle, el tema fue entrando en la agenda. Desde entonces, ella y sus colegas han comisariado y diseñado exposiciones sobre el diseño gráfico en la salud y la política (Can Graphic Design Save Your Life?
y Hope to Nope: Graphic Design and Politics 2008-18) y han trabajado en múltiples campañas de ONGs, han ayudado a difundir el cambio climático y, más recientemente, han desarrollado la instalación Perhaps it’s not you, it’s me. en la que Lucienne contempla la posibilidad de «dejar» a su pareja de toda la vida, el diseño gráfico. Aquí explica por qué el divorcio era una opción, defiende el valor del diseño gráfico y reflexiona sobre lo que todos debemos hacer a continuación.
Lucienne Roberts es fundadora del estudio de diseño LR+ y cofundadora de la iniciativa de reivindicación GD&. Graduada por la Central Saint Martins, la práctica de Lucienne se caracteriza por su permanente interés en el diseño ético. El trabajo de LR+ abarca el diseño de exposiciones, libros e identidad corporativa. GD& crea libros y exposiciones vívidas que exploran cómo el diseño gráfico se conecta con todas las demás cosas. Sus proyectos incluyen la creación y la co-curación de dos exposiciones aclamadas por la crítica en Londres.
Solo para estudiantes del MED
Lost in Translation
En el camino para convertirse en diseñador editorial, te enfrentas a la exploración y producción de formatos comunes como libros, revistas o sitios web. Desde hace algún tiempo, el abanico de trabajos de esta disciplina no deja de ampliarse; las exigencias están cambiando. La colaboración con otras disciplinas y el trabajo con nuevos formatos son hoy más necesarios y emocionantes que nunca.
¿Cómo pueden surgir novedades en el intercambio con otros especialistas? ¿Cómo nos acercamos a formatos desconocidos y cuáles son sus características? Esta semana de workshop nos dará tiempo para desafiarnos a nosotros mismos y explorar nuestras habilidades como autores y productores de formatos no convencionales o incluso de formatos desconocidos.
Serge Rompza
Después de graduarse en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam, Serge Rompza cofundó el estudio de diseño NODE en Berlín y Oslo en 2003, junto con Anders Hofgaard. Las dos oficinas trabajan de manera colaborativa en identidad, editorial, exposiciones y proyectos interactivos. La lista de clientes incluye Haus der Kulturen der Welt Berlin, Vitra, MIT Program in Art, Culture and Technology (ACT), Pabellón de Lituania / La Bienal de Venecia, Office for Metropolitan Architecture (OMA). Desde 2004, ha enseñado regularmente en academias de arte y diseño en toda Europa.
Solo para estudiantes del MDV
Systemic Type Design
Vivimos en una (nueva) edad de oro del diseño de sistemas tipográficos. Las nuevas tecnologías y los programas fáciles de usar han nivelado el campo de juego para los diseñadores emergentes y les han dado la oportunidad de experimentar con nuevas ideas. El mundo de las fuentes para pantalla ha sido testigo de muchos impulsos nuevos en los últimos años. Las tipografías se han vuelto más flexibles, variables y cinéticas que nunca, ajustándose eficiente y efectivamente a los nuevos canales de comunicación.
Systemic Type Design es más que diseñar fuentes. Un sistema de tipos es una herramienta de diseño eficiente que ayuda a los diseñadores a diseñar. Si se hace bien, el acto de escribir equivale al acto de diseñar. En este curso desarrollaremos un sistema de tipografía experimental que generará por sí mismo aplicaciones interesantes.
Martin Lorenz
bien podría haberse convertido en cocinero, dibujante de cómics o arquitecto, de no haber sido por unas prácticas en el estudio de diseño Müller + Volkmann. Lorenz estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Darmstadt y en la Real Academia de las Artes (KABK) de La Haya. Tras trabajar cuatro años en el estudio Hort, se trasladó a Barcelona para fundar TwoPoints.Net con Lupi Asensio y realizó su Máster y Doctorado en Investigación en Diseño en la UB. Lorenz da clases en Elisava desde 2006 y todavía le gusta cocinar.
Solo para estudiantes del MDE
Dos obras cruciales de la Nueva Tipografía, el movimiento de vanguardia que revolucionó el diseño gráfico del periodo de entreguerras. La disponibilidad cada vez mayor de la imagen fotográfica jugó un papel fundamental en este nuevo enfoque al diseño editorial. Moholy-Nagy, un miembro de la mítica Bauhaus, y Jan Tschichold, autor del libro de referencia Die neue Typographie, cambiaron radicalmente el aspecto de la página impresa produciendo un impacto duradero cuyos efectos continúan hasta el día de hoy.
Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.
László Moholy-Nagy. Malerei, Fotografie, Film. München: Albert Langen, 1925
Jan Tschichold. Foto-Auge. Stuttgart: Akademischer Verlag Dr. Fritz Wedekind, 1929
La conferencia habla de las diversas pruebas a las que nos enfrentamos cuando intentamos ampliar el alcance de nuestra capacidad dentro de los entornos web cuestionando las plantillas de diseño estándar. La charla presenta Anti-User-Friendly, un proyecto en curso que desafía el concepto de facilidad de uso mediante la creación de un sitio centrado en el contenido. Las herramientas web funcionan como un puente que conecta al usuario y al dispositivo-sitio web para reducir la world wide web a una «village wide web» y transformar la web en un espacio ampliado.
Yehwan Song es diseñadora gráfica de páginas web.
Dirige su propio estudio de diseño independiente centrado en el uso estratégico de las tecnologías. Su trabajo incluye proyectos con múltiples organizaciones culturales, como ifa, LIMA Media Art, Rhizome, Typojanchi y el Museo de Arte de Seúl.
Ha participado en varias exposiciones: la Bienal de Venecia (pabellón coreano), la Bienal de Seúl (SBAU) y otras, y sus trabajos han aparecido en revistas como Étapes, Monthly DESIGN y It’s Nice That, entre otras.
Yehwan Song Studio es un estudio de diseño y desarrollo web que cuestiona las convenciones de diseño e interfaz estandarizadas que enmarcan el comportamiento de los usuarios y las plantillas que les hacen perder la conciencia del contenido y acostumbrarse a la simplificación. Construimos dispositivos e interfaces fuera del marco para desafiar la noción de facilidad de uso. Perseguimos la diversidad y la variedad en el entorno web por encima de la eficiencia.
Reflexionaremos a partir de algunos proyectos elaborados en 131 durante los últimos años, en los que partiendo de la tipografía se trabaja para recuperar la memoria local y colectiva.
Esteve Padilla.
Barcelona, 1983
Diseñador gráfico, mitad del estudio 131 y docente ocasional en diversas universidades. Licenciado en diseño gráfico en Eina (UAB).
131
(Pau Llop, Esteve Padilla) es una oficina de diseño gráfico con sede en Barcelona y Lleida. La tipografía entendida como imagen, forma o letra resulta un elemento sustancial en todos los proyectos que realizamos. Nuestro trabajo incluye dirección de arte, identidades, proyectos editoriales, sitios web y tipografía.
Pràctica: Proceso
Pràctica no tiene un estilo, pero sigue un proceso; En esta sesión, analizaremos, a través de los casos de estudio de los últimos proyectos del estudio, el proceso que sigue Pràctica para desarrollar su trabajo.
Anna Berbiela
Diseñadora gráfica afincada en Barcelona. Anna fundó el estudio Pràctica junto a Javier Arizu, Carlos Bermúdez y Albert Porta en 2018. Con oficinas en Barcelona y Nueva York, Pràctica es un estudio que trabaja para clientes institucionales, culturales y comerciales, desarrollando proyectos de comunicación en materia impresa, digital y medioambiental.
Pràctica es un estudio de diseño integral con sede en Barcelona y Nueva York. Trabajando para clientes institucionales, culturales y comerciales, siempre busca conceptos potentes, códigos visuales audaces y soluciones personalizadas para cada proyecto. Esto se traduce en un trabajo muy ecléctico; su estilo es la falta de uno, es encontrar la mejor solución para cada proyecto.
The act of making something public
Esta sesión aborda los métodos, herramientas e implicaciones de las actividades de publicación.
– ¿Qué hace/significa la publicación? ¿Y cómo va a existir/circular?
– ¿Cómo logra sus aspiraciones a través de la forma?
– ¿Cómo se unen el contenido, el concepto editorial y el diseño?
– ¿Cómo pensar la publicación como complemento y suplemento de las prácticas de trabajo?
– ¿En qué términos puede «hacer público» actuar como herramienta para poner en común intereses y preocupaciones?
Book Bindery
La BB permite la producción de libros y publicaciones en pequeñas ediciones y manipulaciones específicas de papel y cartón. Todos los procesos se realizan siempre de forma totalmente manual y ampliando los límites de lo posible.
Además de ser un taller técnico, la BB funciona como un punto interdepartamental en nuestra institución. Creemos que la práctica editorial es un proceso emancipador. Apoyamos proyectos como PUB.sandberg.nl, Radio Rietveld y Rietveld Journal.
Miquel Hervás Gómez
(Terrassa, 19 de abril de 1985). Diseñador gráfico autónomo afincado en la www. Funcionando como jefe de taller en la BB. Tutor de Disarming Design en el Sandberg Instituut y del Curso Preparatorio en la Gerrit Rietveld Academie, a la vez que miembro de fanfare y Carne Kids.
Solo para estudiantes del MDV
fanfare se creó al observar un contexto, una red, en la que las interacciones entre el diseño y el arte dieron lugar a proyectos que no encajaban en las plataformas de presentación existentes. fanfare crea un marco para conectar las estructuras ya existentes. Lo que ocurrió orgánicamente en este contexto fue la creación de nuevas estructuras, nuevas redes, nuevas iniciativas. En el contexto actual nos permitimos hablar de fanfare como marco para la publicación (no) física.
fanfare es una plataforma y un estudio de diseño para la colaboración interdisciplinar y la comunicación visual. A través de un programa activo, fanfare genera, explora y comisaría entornos para interacciones visuales.
Desde sus inicios en 2014, fanfare ha creado un espacio único para experimentos, exploraciones y colaboraciones en el ámbito del diseño gráfico y disciplinas afines. A través de su investigación y práctica de diseño, fanfare agudiza y desafía la noción de comunicación visual.
Miquel Hervás Gómez
(Terrassa, 19 de abril de 1985). Diseñador gráfico autónomo afincado en la www. Funcionando como jefe de taller en la BB. Tutor de Disarming Design en el Sandberg Instituut y del Curso Preparatorio en la Gerrit Rietveld Academie, a la vez que miembro de fanfare y Carne Kids.
Ruben Pater (1977, NL) trabaja entre el periodismo y el diseño gráfico. Bajo el nombre de Untold Stories, Pater crea narrativas visuales que apoyan la solidaridad, la justicia y la igualdad. Pater se siente diseñador en una época en la que el diseño es lo último que necesita el mundo. Hasta que se presenten enfoques más éticos, diseña, escribe y enseña. Es tutor de grado en diseño gráfico y del MA Non Linear Narrative de la KABK. The Politics of Design, es su primer libro sobre el sesgo cultural en el diseño gráfico. Su segundo libro CAPS LOCK analiza el papel del diseño gráfico en el capitalismo.
CAPS LOCK El capitalismo no podría existir sin las monedas, los billetes, los documentos, los gráficos, las interfaces, las marcas y los anuncios; artefactos que han sido creados (en parte) por los diseñadores gráficos. Incluso las estrategias anticonsumistas, como el diseño social y el diseño especulativo, se están apropiando en las sociedades capitalistas para servir al crecimiento económico. Parece que el diseño está atrapado en un sistema de explotación y beneficio, un ciclo que fomenta la desigualdad y el agotamiento de los recursos naturales.
CAPS LOCK utiliza un lenguaje claro y llamativos ejemplos visuales para mostrar cómo el diseño gráfico y el capitalismo están inextricablemente unidos. El libro contiene muchos estudios de casos de objetos diseñados relacionados con sociedades y culturas capitalistas, y también examina cómo la educación y la práctica profesional de los diseñadores (gráficos) apoyan la economía de mercado y cómo la práctica del diseño está atrapada dentro de ese mismo sistema.
Dos horas de semántica, política y diseño gráfico, debidamente ilustradas con trabajos de Bendita Gloria.
Santi Fuster
Diseñador gráfico.
50% de Bendita Gloria.
Bendita Gloria es un estudio de diseño formado por Alba Rosell y Santi Fuster. Centrado en proyectos editoriales y de identidad, su trabajo ha despertado cierto interés a raíz de su particular enfoque conceptual. Desde 2007 Bendita Gloria persigue que sus proyectos devengan un interesante material de lectura.
MUTUO
Méndez Núñez, 7
08003 Barcelona
A lo largo de nuestra vida, las mujeres, o personas con vagina, visitaremos múltiples veces una consulta ginecológica. La recomendación de Sanidad Pública es hacerlo cada 1-3 años, dependiendo de las circunstancias individuales, sin embargo, más del 50% de las mujeres no seguirán esta recomendación. No es novedad que a casi ninguna mujer le gusta ir al ginecólogo. Desgraciadamente, sentir ansiedad, miedo, vulnerabilidad, vergüenza e incomodidad son parte de la experiencia común de muchas mujeres al visitar este especialista. Pero, ¿por qué lo vivimos de esta forma?
La falta de sensibilidad y empatía hacia una paciente en una posición extremadamente vulnerable, el juicio, la infantilización, el paternalismo, la falta de avance científico, la desinformación, el tabú o la normalización del dolor femenino son algunas de las formas sutiles de violencia patriarcal que sufrimos las mujeres con relación a nuestra salud íntima. Una violencia que ocurre en un contexto médico donde aparentemente imperan los valores del cuidado y la atención, y dónde precisamente se espera todo lo contrario a violencia.
La violencia ginecológica afecta a la mitad de la población, es un problema sistémico y complejo en el que intervienen multitud de factores y del que todos participamos de forma más o menos consciente. Esta exposición busca detectar y desnormalizar estas situaciones como primer paso indispensable hacia una mejora.
1. El trato
La visita ginecológica se diferencia de cualquier otra revisión médica por el alto nivel de vulnerabilidad al cual se exponen las pacientes. Claro está que no es lo mismo hablar con un médico estando vestida y sentada en una mesa, que hacerlo desnuda, con las piernas abiertas y sin ver cómo un extraño manipula herramientas en tu vagina.
La vulnerabilidad despierta en nuestra mente la misma respuesta que una amenaza física; interpretamos la falta de control de la situación como un peligro y nos volvemos extremadamente sensibles. Por esta razón, la revisión ginecológica requiere de un alto grado de empatía, respeto y cuidado por parte de los profesionales, para evitar herir o incomodar a la persona atendida.
Sin embargo, demasiado a menudo, las mujeres experimentan una falta de sensibilidad por parte de sus doctores, un trato juicioso, de menosprecio y hasta discriminatorio por según qué prácticas o orientaciones sexuales.
El momento más incómodo
Esta primera pieza te invita a sentarte, abrir las piernas en posición de exploración ginecológica y, desde esa posición, leer los testimonios que aparecen en la pantalla. Estos son testimonios reales recogidos en una investigación donde participaron 82 mujeres, las cuales relatan algunos de los momentos más incómodos que han vivido en una consulta ginecológica relacionados con el trato recibido.
2. El instrumento
El espéculo vaginal es un instrumento utilizado para las exploraciones ginecológicas que permite, mediante la dilatación de las paredes de la vagina, observar el cérvix. Esta característica herramienta, con aspecto similar a un arma de tortura, fue inventada hace menos de 200 años por Marion Sims, conocido como “padre de la ginecología moderna”. A pesar de todos sus beneficios, el espéculo tiene un origen oscuro, conectado a la autoridad patriarcal y al racismo institucional, ya que Sims utilizó durante años a esclavas negras para realizarles cirugías experimentales sin anestesia. Desde el primer modelo utilizado por Sims y posteriormente perfeccionado por Thomas Graves en 1870, el instrumento apenas ha cambiado.
Actualmente, respecto a su función más práctica, el espéculo es un utensilio que hace su trabajo y lo hace bien, permitiendo realizar la citología (una prueba que en los últimos años ha permitido reducir hasta un 70-80% la incidencia y mortalidad por cáncer de cérvix). Sin embargo, el espéculo apenas ha cambiado en sus 200 años de historia y mantiene un diseño poco adecuado al confort de la paciente.
Revisión del espéculo
Este capítulo de la exposición se fija en la ideología y política que esconden los objetos detrás de su diseño, más allá de su carácter utilitario. A través de bocetos especulativos, se reflexiona sobre el espéculo y cómo este materializa una visión patriarcal que no prioriza el confort de la paciente, un objeto falto de evolución que en manos de doctores representa autoridad y poder.
Reacción al espéculo
El diseño y aspecto del espéculo, así como la propia experiencia de pacientes en quienes lo han utilizado, lo convierte en uno de los instrumentos más odiados. Esta pieza visualiza de forma interactiva las reacciones más comunes al ver este aparato. Al abrir los espéculos verás una palabra acompañada del número de personas que la escribieron como respuesta a la pregunta de campo abierto: “¿Qué palabra te viene a la cabeza al ver este aparato? (seguido de una imagen de un espéculo).”
Estas son algunas de las otras palabras indicadas:
Ansiedad, anticuado, autoconocimiento, abrir, control, deshumanizador, facilitador, exploración, herramienta, horror, introspección, invasión, miedo, molestia, monstruo, mosquito, obsolescencia, pánico, papanicolau, parto, presión, revisión, ruido, tensión, violencia.
3. La píldora
La píldora anticonceptiva ha sido uno de los fármacos más populares y revolucionarios de las últimas décadas, así como uno de los más sujetos a controversia. El primer medicamento de uso masivo para personas no enfermas tiene también un origen sórdido ligado al colonialismo. Los primeros ensayos de la píldora americana en los años 50 se hicieron en Costa Rica con fines eugénicos de control de la población en mujeres pobres que aceptaron tomar la píldora y sufrieron graves efectos secundarios, sin ser conscientes de que formaban parte de un experimento farmacológico.
Desde entonces, millones y millones de mujeres han tomado este fármaco hormonal combinado de progesterona y estrógeno, actualmente 150 millones de personas a nivel mundial. A pesar de su efecto positivo en los movimientos de liberación sexual y emancipación femenina, la historia de esta píldora sigue estando marcada por una falta de consentimiento, de divulgación completa, de una verdadera elección informada, así como de investigación clínicamente relevante respecto al riesgo y posibles alternativas.
Los efectos secundarios
Según un estudio hecho en EEUU, tres de cada cinco mujeres dejan de tomar la píldora durante el primer año de uso debido a sus efectos secundarios. Unos efectos sobre los cuales, mayoritariamente, las pacientes no son informadas. Unos efectos secundarios que se ignoran por parte de todos, al contrario que en otros fármacos. Por ejemplo, el riesgo a trombosis de la píldora es de 0,1% (1 de cada 1000), lo cual no ha supuesto ningún impedimento para su comercialización, por el contrario, el riesgo de trombosis en la vacuna contra el Covid-19 Astra Zeneca que solo es de 0,0006% (30 de cada 5 millones) supuso
frenar la vacunación a nivel mundial durante unas semanas.
Motivos para tomar la píldora
Independientemente de las virtudes o defectos de la píldora anticonceptiva, en las últimas décadas ésta se ha recetado masivamente por profesionales médicos, existiendo en la actualidad un debate sobre si en algunos casos se da una sobre-prescripción innecesaria. Sin embargo, hoy en día, la píldora anticonceptiva sigue siendo el único “remedio” o “recurso” de la medicina occidental para tratar ciertos problemas ginecológicos como el Síndrome del Ovario Poliquístico o la Endometriosis. En datos, esto se traduce a que más de la mitad de personas (58%) que usan anticonceptivos hormonales lo hagan con fines distintos a la prevención del embarazo.
La pared de recetas visualiza los siguientes datos:
— El 42% de personas que usan un anticonceptivo hormonal lo hace exclusivamente con fines anticonceptivos
— El 44% de personas que usan un anticonceptivo hormonal lo hace por algún otro motivo además de la anticoncepción.
— El 14% de personas que usan un anticonceptivo hormonal lo hace exclusivamente con fines distintos a la anticoncepción
Estos son porcentajes totales de personas que usan anticonceptivos hormonales según motivo:
— Anticonceptivo: 86%
— Dolor menstrual: 31%
— Regulación menstrual: 28%
— Acné: 14%
— Endometriosis: 4%
4. La normalización
Ignorar y normalizar el dolor de las mujeres es otra forma de violencia ginecológica. En un estudio de 1974 estudiantes de medicina contaron que habían recibido instrucciones de sus profesores para asumir que las dolencias de las mujeres son psicosomáticas hasta que se demuestre lo contrario. Desgraciadamente, en la actualidad aún quedan trazas de ese pensamiento que menosprecia el dolor proveniente de una mujer.
En el caso del dolor menstrual, la normalización de éste se extiende también fuera de laconsulta ginecológica, en la sociedad general. El 51% de mujeres y 52% de hombres creen que el dolor menstrual es algo con lo que las mujeres tienen que lidiar. Sin embargo, menstruar es una necesidad fisiológica igual por ejemplo que comer y no debería doler.
Dolor menstrual
El silencio, la normalización y el desconocimiento del dolor menstrual son profundos y tienen graves consecuencias. A pesar de que menstruar no debería suponer dolor, los datos muestran como un alto porcentaje de mujeres sufren dolores menstruales periódicamente. Esta pieza visualiza y contrapone unos hechos reales – los porcentajes de mujeres que sufren dismenorrea y endometriosis – con la normalización de este dolor – representada a través de objetos utilizados comúnmente como “remedio” para el dolor. Al levantar estos objetos, descubrimos las consecuencias de tal normalización.
5. El paternalismo
La fuerte tradición paternalista de la medicina occidental se acentúa en la ginecología. Que las pacientes seamos mujeres y la desinformación extendida sobre nuestros propios cuerpos debido a una falta de educación, hace que esta forma de autoritarismo esté muy presente. A día de hoy sigue existiendo una fuerte relación jerárquica entre doctor y paciente, donde muchas veces el primero impone y decide por el segundo, sin dar explicaciones. De esta forma, se sigue perpetuando la figura del médico salvador y la infantilización de la mujer ignorante.
Este paternalismo es una consecuencia directa del sistema patriarcal y se extiende más allá de la actitud individual de los profesionales médicos, pues también se ejerce por parte del Estado a través de leyes y políticas.
Espera impuesta
La ley de salud sexual y reproductiva sobre la interrupción voluntaria del embarazo es un claro ejemplo del paternalismo del sistema. En España, según esta ley, toda mujer que decida abortar durante las primeras catorce semanas de gestación deberá esperar un plazo de al menos tres días, desde que acuda al centro médico y reciba información, hasta que pueda abortar. Este tiempo de espera impuesto conocido como “periodo de reflexión” es un claro cuestionamiento de la capacidad ética de las mujeres para decidir. En España, no existe ninguna otra intervención que por ley requiera algo parecido.
Esta pieza reflexiona sobre el paternalismo en el ámbito de la ginecología a través de la propia experiencia. La grabación muestra este experimento en el que me senté a esperar durante tres días. El vídeo lo acompañan dos peanas que exponen y contraponen una pistola y una medicación para abortar, haciendo referencia al periodo de reflexión impuesto para abortar en España y el mínimo de 3 días de espera obligados en EEUU para comprar un arma.
Conclusión
La violencia ginecológica es una realidad extendida de formas muy distintas; a través de dinámicas sutiles como el trato juicioso y carente de empatía, la falta de investigación y avance científico, la patologización de procesos naturales, la falta de educación e información, la invisibilización y menosprecio al dolor o la normalización de una sistema sanitario paternalista.
La violencia ginecológica es un problema sistémico, no tiene individuos culpables porque todos formamos parte de este sistema. En gran parte, dicha violencia se ejerce de forma involuntaria o inconsciente y es normalizada por todos y todas: ginecólogos, pacientes, industria y estado. Una consecuencia o materialización más del sistema patriarcal que aún sufrimos a día de hoy. Por lo tanto, todas somos víctimas a la vez que agentes de cambio.
Acabar con la violencia ginecológica pasa por revisar nuestras propias vivencias desde una perspectiva crítica, por contar y hablar de ello y por aprender sobre nuestros propios cuerpos. Detectar, desnormalizar y denunciar situaciones que nos hacen sentir incómodas o violentadas es el primer paso para conseguir una ginecología respetuosa y una reconciliación entre doctores y pacientes.
MUTUO
Méndez Núñez, 7
08003 Barcelona
Vivimos en una sociedad «fit», donde los gimnasios son templos de transformación hacia un estereotipo globalizado. El culto al cuerpo planifica y controla nuestras rutinas diarias y acaba moldeando nuestra identidad, alimentando la industria del fitness, que no hace más que crecer.
Al mismo tiempo estamos en la era de la información, de los datos; se dice que tener información es poder, y podemos aplicarlo también a este paradigma. Diseñamos nuestro cuerpo en los gimnasios introduciendo datos (15 repeticiones de sentadillas durante 3 series, 100 gramos de arroz…) para construir el cuerpo ideal y al mismo tiempo ganar poder individual. La belleza acaba siendo algo medido, pesado, equiparado y comparado.
Los cuerpos que visualizan esto de forma más extrema son los culturistas. Cuerpo de masa, cuerpo corporal y de datos, que representa un ideal corporal de poder. Todos vemos a este grupo social alejado de nuestra realidad, pero los culturistas del pasado son los seguidores del fitness del presente.
El deporte actual se ha convertido en una compleja actividad comercial, política y social. El cuerpo sano acaba confundiéndose con el cuerpo estético, moldeando a su antojo los cánones de belleza y nuestra autoestima. Y nosotros acabamos enredándonos siguiendo estos estos rituales de datos.
The body on display
Exhibimos un cuerpo construido con esfuerzo y sacrificio. Y con él, un sentimiento de autosatisfacción nos llena. En el pasado, cultivar la fuerza muscular tenía un sentido práctico: transportar troncos para encender hogueras, defender nuestro hogar, etc. La era contemporánea trabaja la fuerza para ensanchar músculos con un objetivo estético y estático, cuya finalidad única es la exhibición.
“¿Qué sientes al subirte a la tarima como culturista?”
El audio corresponde al testimonio de mi propio entrenador del gimnasio.
High extreme power bodypuzzle workout
El cuerpo se convierte en proporciones, la belleza clásica procede del equilibrio de las partes, de la mesura perfecta con que se trabaja cada uno de los detalles. Por tanto, el culturista, igual que el escultor, disecciona el cuerpo en pequeños fragmentos, que deben ser perfectos en su concepción, pero también en su montaje. El cuerpo-culturista es un cuerpo-puzzle; pero también un “cuerpo de firma”, ya que cada uno de sus fragmentos se moldea a “la manera de”. El cuerpo perfecto se vende a “trozos” y se compra a “plazos”, y algunos de estos tardarán años en cumplirse, incluso es posible que nunca se alcancen.
Seguimos referentes corporales para transformar nuestro cuerpo, y mayoritariamente acaban siendo los famosos que vemos en los medios de comunicación. Esta rutina ha sido creada recogiendo datos de personas que han adquirido poder social y se han convertido en referentes gracias a una parte de su cuerpo. Esta encuesta se ha realizado por instagram y en gimnasios donde nos han dado estas respuestas.
Data body trophies
Para conseguir poder parece imprescindible tener un cuerpo fornido y musculoso, este se ha utilizado como un símbolo y por tanto como una forma de comunicación. Por ello, cuando nos proponemos “mejorar nuestro físico” o “empezar con la operación bikini” en el fondo perseguimos la idea autoimpuesta de éxito en la era contemporánea.
Acabamos en los gimnasios transformando el cuerpo de una masa informe a un cuerpo esculpido y a la vez construyendo una iconografía del supermúsculo que significa “poder”.
A partir de las preguntas “¿qué parte de tu cuerpo te hace sentir poder?” y “¿qué parte de tu cuerpo te hace sentir inseguridad?” se esculpen y moldean estos cuerpos. Las respuestas de poder dan volumen y las de inseguridad lo desinflan. La encuesta fue realizada de manera digital y también analógica en distintos gimnasios . La separación entre sexos responde a la propia distinción que se hace en estos centros deportivos.
Community control scale
El cuerpo fitness existe porque otro lo mira. Esta transformación hacia el poder no tiene sentido si no se puede ser observado, ¿seguiríamos deseando estos cuerpos si viviéramos solos en el mundo?
Nos examinamos, juzgamos y comparamos, reflejamos nuestro cuerpo en el de los demás. Acudir al gimnasio implica someterse a un bombardeo de miradas evaluativas, implica adentrarnos en el nuevo panóptico contemporáneo.
La salud se ha convertido en una cuestión de clase, donde juzgamos a los que no encajan en este modelo tomando valores superficiales, como el peso y las medidas. Controlamos al individuo fitness a través de números hasta tal punto que 3 de cada 4 personas en España reconoce no estar contento con su peso actual.
En este modelo social el cuerpo es un símbolo identitario, y cómo lo trabajamos refleja lo que queremos ser:
Dime cómo trabajas tu cuerpo y te diré quién eres. ¡Pésate y así nos conocemos!
Esta balanza no da el peso personal, sino que visualiza el total de todos los que hemos pasado por aquí, reforzando el sentimiento de comunidad y control que se establece en los gimnasios.
Viral bench press
Pero no solo nos miramos, también buscamos la aprobación exterior. Nos subimos a nuestra propia tarima en las redes sociales, exponemos con poses y nos valoran con likes. Nuestra competición se traduce en el feed de instagram. Producimos nuestro cuerpo para inmortalizarlo en una foto, sin esta imagen no tiene sentido nuestro sacrificio. Los gimnasios se han convertido en los centros donde más selfies nos tomamos, actualmente el hashtag #gym tiene 208.566.606 publicaciones de las cuales 9 de 10 son selfies. Ante un mundo de imágenes, nuestro esfuerzo adquiere valor cuando se traduce en una fotografía posteable.
¿Quieres ser viral? Con esta máquina conseguirás que los followers se te tripliquen en cada serie de ejercicios. Sube el peso en relación al impacto en redes que quieras conseguir, ¡cuanto más peso más likes!
Narcissus machine
Pero en los gimnasios no solo nos observamos entre nosotros, pasamos la mayoría del tiempo mirándonos y buscando nuestra propia aprobación: estamos en la era del yoísmo y del continuo culto al ego.
En los espejos diseñamos el ego como si fuéramos escultores, utilizamos los datos para saber como ganar el volumen o para reducirlo. Ganamos poder en cada serie, en cada repetición, subimos el peso… Calculamos nuestros movimientos para producir la imagen que queremos ser, siguiendo las mismas leyes que rigen al consumo: la inmediatez y la utilidad.
Actualmente el 30% de los españoles afirma controlar las porciones que come, contando las calorías y el 71% sigue rutinas fitness diariamente desde el smartphone.
Ahora, Narciso no sólo se ha enamorado de su imagen, sino que la ha producido, necesitando exhibirla.
La máquina Narciso te permite trabajar el culto al cuerpo y el culto al ego al unísono. ¡No dejes de mirarte mientras piensas en quién quieres ser!
Prayers for mass fitness
En España operan más de 4000 instalaciones deportivas y generan un negocio de 2291 millones de euros. Actualmente hay inscritos en los gimnasios más de 5,5 millones de usuarios, quintuplican los usuarios inscritos en clubes de fútbol. En youtube hay más de 30 million fitness videos y el challenge #fittok en Tiktok supera los 2 billones de repeticiones que ni en 900 mil años acabaríamos de verlo todo. Se ha construido una comunidad desmedida que se comunica por revistas, redes sociales, blogs y gimnasios. Nos hemos acostumbrado a un bombardeo de mensajes que se alejan del sentido sano del deporte y que ya hemos normalizado, creando todo un imaginario moral. Queremos destacar entre la multitud y conseguir confianza en nosotros mismos, pero en realidad acabamos por convertirnos en masa.
Esta masa habita en los gimnasios, y se han convertido en los nuevos templos donde se va en busca de desconexión, paz y placer. Lugares donde hablar parece que esté prohibido y donde la imagen saludable se ha convertido en un principio divino. Seguimos rutinas donde el sacrificio personal se traduce en forma de sudor y tiempo, con rituales altamente programado con el deseo de mejoramiento constante de uno mismo; Separamos la comida entre “pura”, como el arroz con atún, e “impuras”, como la pizza; buscamos lo “high protein” o “no sugar added” cómo evangelios en nuestros supermercados; Y entonces acabamos cegados en un hedonismo corporal, pero ¿realmente este esfuerzo produce una vida más satisfactoria? Bienvenido a la nueva religión contemporánea: We are bodybuilders.
Los mensajes del culto al cuerpo se nos inculcan diariamente como si fueran plegarias. Estos 120 son mensajes reales de revistas, cuentas de instagram, webs de entrenamiento y gimnasios que nos hacen cuestionarnos el papel de la libertad personal sobre el cuerpo.
La exposición recorre el trabajo como director de arte de Vogue España de Óscar Germade, entre los años 2017 y 2021. El espacio está dividido en cuatro partes: Dirección de Arte, vinculada a la parte visual y la dirección de diseño de la revista. Portadas, con un repaso del trabajo en cubiertas de los últimos cuatro años. “Making of”, done se muestra el proceso de diseño de cada una de las partes de la revista, desde un punto de vista técnico y específico.
Tipografía, con una retrospectiva puramente visual del diseño de Chamberí, tipografía ad-hoc diseñada por Íñigo Jerez para la revista, la cual Eugenia de la Torriente, directora de la revista entre enero de 2017 y diciembre de 2020, describe “Chamberí es una combinación aparentemente irreconciliable de racionalidad y exuberancia. Parte de un esqueleto muy cartesiano, pero tiene una parte visual final de espíritu más folclórico, si se puede calificar así, gracias a una serie de detalles que remiten a la tradición española como acentos, travesaños y curvas ascendentes. Cuando crece, es juguetona, alegre y cálida y se aleja tanto de su base racional que cuesta reconocerla.”
La suma de estos espacios supone una inmersión completa en el trabajo que supone la dirección de arte de una revista de moda en la actualidad, con la complejidad que supone heredar la historia de una cabecera como Vogue, vinculada a personajes de enorme trascendencia como Alexander Liberman: “director de arte de Vogue en EEUU y director editorial de Condé Nast, y quien en sus más de 50 años en la compañía sentó las bases de esta cabecera y muchas otras. Las maquetas de Liberman eran muy sencillas porque hacía un uso muy directo de la maquetación, con pocas florituras en el texto. En las últimas décadas, la tendencia en las revistas de moda ha sido precisamente la contraria: muchos elementos por página, cajas con formas…” (Eugenia de la Torriente).
Esta labor de diseño y dirección de arte, no solo es consciente de la parte histórica sino del complejo momento que viven las grandes cabeceras editoriales, adaptadas a una realidad digital donde conviven con nuevas propuestas visuales. El recorrido finaliza con un extenso repaso a las portadas de Vogue de estos último cuatro años que, de manera orgánica, muestra una evolución definitiva y una dirección clara de la apuesta por portadas icónicas, basadas en la imagen y memorables para la audiencia.
Vistas de la exposición de Óscar Germade en el Àgora de Elisava
MUTUO
Méndez Núñez, 7
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Población
La población mundial se enfrentó a un tremendo cambio con la revolución industrial: hasta 1800 se había necesitado toda la existencia humana para que la población mundial alcanzara el millardo. El segundo millardo se alcanzó en sólo 130 años (1930), el tercer millardo en 30 años (1960), el cuarto millardo en 15 años (1974) y el quinto millardo sólo en 13 años (1987). Esto significa que, sólo durante el siglo XX, la población ha pasado de 1.600 millones a 6.000 millones. Y hace sólo 50 años, había aproximadamente la mitad de personas en el mundo que ahora.
Nuestro mundo está hecho de personas. Personas que viven en territorios. Cada humano es importante y debería ser igual. Sin embargo, tendemos a definirnos a nosotros mismos, nuestros valores y nuestros puntos de vista con una perspectiva corta, limitada a nuestro propio contexto nacional. La bandera del mundo es una bofetada a la realidad. El propio mundo es esta bandera, compleja y nada occidental. ¿Se adapta la realidad del mundo a su representación simbólica?
Índice de pasaportes
En 1920, después de la Primera Guerra Mundial, la Liga de las Naciones se reunió en Francia en un encuentro que daría forma a los viajes modernos. Facilitar el cruce de fronteras por tren era una prioridad, pero la falta de un diseño de pasaporte estandarizado suponía «un serio obstáculo para la reanudación de las relaciones normales y para la recuperación económica del mundo». Durante la reunión, los miembros llegaron a un acuerdo sobre el tamaño, la disposición y el diseño de los documentos de viaje para 42 naciones.
Desde Desde ese momento, cada nación «soberana» ha diseñado y creado su propio pasaporte.
El índice de pasaportes muestra lo poderoso que puede ser tu pasaporte dependiendo de dónde seas. Cuantos más países sin visado puedas entrar, más poderoso es tu pasaporte. El pasaporte se ha convertido en una representación de poder.
Estos globos terráqueos representan lo diferente que puede parecer la libre circulación según el lugar de donde se proceda. Mientras que hay países que pueden percibir su mundo como un espacio abierto e ilimitado, hay otros que perciben su mundo disponible como un simple archipiélago de 26 islas. ¿Cómo de abierto está el mundo para ti?
El precio de los pasaportes
Acceder a un pasaporte representa una inversión de tiempo y económica. Esta inversión difiere de un país a otro y, si se tienen en cuenta los salarios locales, el proceso de poseer un primer documento necesario para viajar puede ser un verdadero lujo para ciertas nacionalidades.
Somos conscientes de que la libertad tiene un coste, pero ¿podemos ponerle precio? Los precios de los pasaportes revelan lo volátil y valiosa que se ha vuelto la libertad y la movilidad en nuestro mundo globalizado. ¿De dónde vienen estos precios? – ¿Son precios impuestos por factores externos?
Los precios de los pasaportes deberían estar relacionados con la renta media de sus ciudadanos, y normalmente las oficinas de pasaportes cobran entre un 2% y un 4% por un pasaporte en comparación con la renta media. Pero hay casos en los que el precio puede llegar al 12%. Los pasaportes son un gran negocio. El mercado mundial de pasaportes electrónicos está valorado en 24 mil millones de dólares. La gente necesita pasaportes, pero ¿a qué precio?
Golden Visas – Viaje de los refugiados
Los Golden Visas son programas en los que se puede pagar por la ciudadanía y el pasaporte. Están diseñados para atraer dinero y empresas a los países. 22 países de todo el mundo ofrecen este tipo de programas. ¿Debe cualquier pasaporte tener un precio? ¿Cuál es el precio real de su pasaporte? ¿Deben los millonarios tener derecho a comprar nacionalidades?
En Portugal se han invertido unos 2.700 millones de euros en el país a través del programa de visados de oro, 2.400 millones de ellos mediante la compra de inmuebles. En Marvila (Lisboa), más de 600 residentes tuvieron que trasladarse a otro lugar después de que los precios de las viviendas subieran un 88% en dos años.
Pero mientras que algunas personas pueden comprar nacionalidades y ser bienvenidas en cualquier lugar, otras deben abandonar su propio país por la pobreza, los disturbios políticos u otras circunstancias graves que existen en él. Y aquí viene incluso un error de léxico, ¿por qué llamamos a los primeros los expatriados, y a los segundos inmigrantes?
Tratamientos en los aeropuertos
Como nacionalidades, el espacio aduanero de los aeropuertos es algo a lo que todo ciudadano del mundo que viaja tiene que enfrentarse. En estos no-lugares de tránsito, las personas son procesadas de forma puramente objetiva. Con microagresiones burocráticas y prejuiciosas. Las aduanas y el control de seguridad de los aeropuertos no están diseñados para hacer o recibir, sino para ser impotentes e indefensos y estas situaciones pueden intensificarse dependiendo del origen de tu pasaporte, desde divisiones, hasta dobles y triples controles, pasando por entrevistas.
¿Cuál es tu peor experiencia en el control de seguridad de un aeropuerto?
Países de acogida – Países de refugiados
¿Adónde van los migrantes y por qué? En 2015, más de un millón de personas huyeron a Europa, convirtiéndose en un año récord de migración. Pero mucho ha cambiado desde entonces. Hoy en día, cada vez menos personas intentan llegar a Europa por medios irregulares. La principal causa de la migración forzada sigue siendo la guerra y la violencia. Más de la mitad de los refugiados del mundo proceden de regiones en conflicto. Otro motivo de la huida son las violaciones de los derechos humanos. En al menos diez países del mundo, la homosexualidad y la transexualidad se castigan con la pena de muerte. En muchos otros países la pena es de prisión de larga duración. Además, las consecuencias del cambio climático -como la falta de alimentos y agua- obligan a la gente a abandonar sus hogares.
La mayoría de los refugiados no son acogidos por Europa, los países en vías de desarrollo acogen el 85% de los refugiados del mundo. Turquía es el principal país de acogida, con un total de 3,5 millones de migrantes, refugiados y solicitantes de asilo. Pakistán y Uganda han acogido a 1,4 millones de personas cada uno. Alemania ocupa el sexto lugar con 930.400.
Type Mistery Tunnel
Sobre la forma variable de trabajar y del uso de herramientas de diseño internas como método para explorar nuevas estéticas y el potencial gestual de los tipos. Qué consideraciones influyeron en la creación de sus recientes tipos de letra ABC Arizona o ABC Gravity, o los proyectos a medida para la SF Symphony, Goat, ON y Rimowa. Para los empresarios, echaremos un vistazo a un año de estadísticas de ventas recopiladas que han llevado a crear y ofrecer un nuevo modelo de licencia, e intentaremos adivinar hacia dónde puede ir todo esto.
Johannes Breyer es un diseñador gráfico alemán / chileno con sede en Berlín. ‘Se habla un poco de español’. Estudió en Zúrich y trabajó para el estudio de diseño NORM antes de graduarse en la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam. Junto con Fabian Harb, dirige el estudio suizo de diseño tipográfico DINAMO.
Dinamo es una plataforma suiza de diseño que ofrece tipos al por menor y a medida, software de diseño, investigación y consultoría. Fundada en Basilea, opera a través de una red de miembros en todo el mundo. Dinamo son profesores visitantes en varias academias de arte y han sido invitados a impartir talleres y conferencias en una lista internacional de instituciones educativas. Los clientes van desde la editorial cultural de 1 persona hasta el Comité Olímpico Internacional. Dinamo ganó el Swiss Design Awards 2017 y es miembro de la AGI desde 2018.
Job Title: Art Director
En 2017, Vogue España tomó una nueva dirección editorial que propició una nueva dirección de arte de la mano de Óscar Germade. Este proceso sigue vivo hoy gracias a un proyecto que otorga tanta importancia a la imagen como a la letra. Una historia por capítulos de cómo, cuándo y dónde uno acepta el reto de diseñar una revista sobre lo que se ha dicho, escrito, oído, visto, criticado y alabado todo. Un repaso visual sobre la relación de Vogue con el diseño y la dirección de arte, sobre el diálogo entre moda y tipografía, sobre la tradición y la novedad.
Óscar Germade
(A Coruña, 1983) funda Solo en 2011, un estudio de diseño especializado en identidad de marca y diseño editorial. Ese proyecto le permite adentrarse en diferentes ámbitos culturales, como la moda y los medios de comunicación. Acaso la mayor fortaleza del proyecto –desde el que ha colaborado con marcas como Simon Miller, Nike, Oysho y El País– es el uso preciso y contundente de la tipografía y la fotografía, combinando técnicas digitales y analógicas.
En 2017, asume la dirección de arte de Vogue España, revista líder del mercado editorial nacional.
A lo largo de toda su trayectoria profesional, compagina la labor del diseño y la dirección de arte con diversas actividades docentes: ha ejercido como profesor de proyectos editoriales en el Máster en diseño editorial de Elisava, fue director de tesis y coordinador de grado en IED Barcelona y, desde 2020, ejerce como profesor de tipografía en IE School of Architecture and Design.
Solo para estudiantes del MADD
Diseño crítico
¿Cómo podemos ser buenos diseñadores sin cuestionar el mundo en el que vivimos? Creemos firmemente en el gran valor de ser críticos, no de una manera destructiva sino siempre tratando de encontrar los porqués detrás de las certezas y a través de la búsqueda constante de una manera de hacerlo mejor.
Diseñadores que observan, adoptan una postura, colaboran, se comprometen, adaptan, escriben y debaten a la hora de crear propuestas. Diseñadores con pensamiento crítico, buscando problemas, al servicio de la sociedad, satíricos y provocadores que nos hagan pensar en cómo podría ser el mundo. En este taller trabajaremos el posicionamiento del diseñador del futuro y su papel social como emisor de mensajes.
Raúl Goñi
Navarro, diseñador y docente, en ese orden. Formado como diseñador gráfico en Pamplona y Barcelona. Cartelista de profesión es miembro fundador de la FestadelGrafisme.org y de los nuevos TallersdelaFesta.org en Portbou, un evento transdisciplinar que pone el foco las personas y su vinculación con el diseño desde un aspecto lúdico y una condición transfronteriza. Docente desde el 2006 en Dirección de Arte y en el desarrollo de Proyectos de Final de Grado en diversas escuelas.
Solo para estudiantes del MDE
