Past events
+

Workshop

Martin Lorenz, TwoPoints.Net

Martin Lorenz

Systemic Type Design

Vivimos en una (nueva) edad de oro del diseño de sistemas tipográficos. Las nuevas tecnologías y los programas fáciles de usar han nivelado el campo de juego para los diseñadores emergentes y les han dado la oportunidad de experimentar con nuevas ideas. El mundo de las fuentes para pantalla ha sido testigo de muchos impulsos nuevos en los últimos años. Las tipografías se han vuelto más flexibles, variables y cinéticas que nunca, ajustándose eficiente y efectivamente a los nuevos canales de comunicación.

Systemic Type Design es más que diseñar fuentes. Un sistema de tipos es una herramienta de diseño eficiente que ayuda a los diseñadores a diseñar. Si se hace bien, el acto de escribir equivale al acto de diseñar. En este curso desarrollaremos un sistema de tipografía experimental que generará por sí mismo aplicaciones interesantes.

Martin Lorenz

bien podría haberse convertido en cocinero, dibujante de cómics o arquitecto, de no haber sido por unas prácticas en el estudio de diseño Müller + Volkmann. Lorenz estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Darmstadt y en la Real Academia de las Artes (KABK) de La Haya. Tras trabajar cuatro años en el estudio Hort, se trasladó a Barcelona para fundar TwoPoints.Net con Lupi Asensio y realizó su Máster y Doctorado en Investigación en Diseño en la UB. Lorenz da clases en Elisava desde 2006 y todavía le gusta cocinar.

+

Bookworm

Max Bill + Karl Gerstner,

Max Bill + Karl Gerstner

La gráfica suiza lideró la escena internacional después de la Segunda Guerra Mundial. En los años 50 y 60, el estilo suizo, una versión refinada de la Nueva Tipografía, se convirtió en la solución universal para cualquier necesidad de comunicación visual, desde el diseño de libros hasta el de carteles, pasando por la publicidad y la imagen corporativa. Max Bill y Karl Gerstner, entre otros muchos, crearon un sofisticado lenguaje enraizado en la vanguardia para comunicar con la sociedad de consumo.

Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

+

Bookworm

Massin + Sister Corita,

Massin + Sister Corita

En los años sesenta se empezó a cuestionar el canon moderno. El malestar social y los movimientos contraculturales se trasladaron al diseño gráfico. Una nueva estética alejada de la retícula suiza dio paso a composiciones tipográficas lúdicas que conectaban con las «palabras en libertad» de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, especialmente el Futurismo y el Dadaísmo. Robert Massin, en Francia, y Corita Kent, en Estados Unidos, dominaron con maestría el uso de la palabra impresa en sus creaciones.

Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

+

Bookworm

Muriel Cooper + Irma Boom,

Muriel Cooper + Irma Boom

La obra de las diseñadoras Muriel Cooper e Irma Boom sirve para reflexionar sobre el fenómeno del diseñador como autor. Learning from Las Vegas fue uno de los textos seminales de la arquitectura posmoderna, pero el diseño del libro fue motivo de enfrentamiento entre sus autores y Muriel Cooper debido a la falta de adecuación entre fondo y forma. Un caso similar es el de Irma Boom, que reivindica su autonomía creativa en el proceso de creación del libro. Dos personalidades muy fuertes que refutan la imagen del «diseñador invisible».

Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

Past events
+

Bookworm

László Moholy-Nagy + Jan Tschichold,

László Moholy-Nagy + Jan Tschichold

Dos obras cruciales de la Nueva Tipografía, el movimiento de vanguardia que revolucionó el diseño gráfico del periodo de entreguerras. La disponibilidad cada vez mayor de la imagen fotográfica jugó un papel fundamental en este nuevo enfoque al diseño editorial. Moholy-Nagy, un miembro de la mítica Bauhaus, y Jan Tschichold, autor del libro de referencia Die neue Typographie, cambiaron radicalmente el aspecto de la página impresa produciendo un impacto duradero cuyos efectos continúan hasta el día de hoy.

Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

+

Conferencia

Yehwan Song, Experimental Websites

Yehwan Song

La conferencia habla de las diversas pruebas a las que nos enfrentamos cuando intentamos ampliar el alcance de nuestra capacidad dentro de los entornos web cuestionando las plantillas de diseño estándar. La charla presenta Anti-User-Friendly, un proyecto en curso que desafía el concepto de facilidad de uso mediante la creación de un sitio centrado en el contenido. Las herramientas web funcionan como un puente que conecta al usuario y al dispositivo-sitio web para reducir la world wide web a una «village wide web» y transformar la web en un espacio ampliado.

Yehwan Song es diseñadora gráfica de páginas web.
Dirige su propio estudio de diseño independiente centrado en el uso estratégico de las tecnologías. Su trabajo incluye proyectos con múltiples organizaciones culturales, como ifa, LIMA Media Art, Rhizome, Typojanchi y el Museo de Arte de Seúl.
Ha participado en varias exposiciones: la Bienal de Venecia (pabellón coreano), la Bienal de Seúl (SBAU) y otras, y sus trabajos han aparecido en revistas como Étapes, Monthly DESIGN y It’s Nice That, entre otras.

Yehwan Song Studio es un estudio de diseño y desarrollo web que cuestiona las convenciones de diseño e interfaz estandarizadas que enmarcan el comportamiento de los usuarios y las plantillas que les hacen perder la conciencia del contenido y acostumbrarse a la simplificación. Construimos dispositivos e interfaces fuera del marco para desafiar la noción de facilidad de uso. Perseguimos la diversidad y la variedad en el entorno web por encima de la eficiencia.

+

Showcase

Esteve Padilla, 131

Esteve Padilla

Reflexionaremos a partir de algunos proyectos elaborados en 131 durante los últimos años, en los que partiendo de la tipografía se trabaja para recuperar la memoria local y colectiva.

Esteve Padilla.

Barcelona, 1983
Diseñador gráfico, mitad del estudio 131 y docente ocasional en diversas universidades. Licenciado en diseño gráfico en Eina (UAB).

131

(Pau Llop, Esteve Padilla) es una oficina de diseño gráfico con sede en Barcelona y Lleida. La tipografía entendida como imagen, forma o letra resulta un elemento sustancial en todos los proyectos que realizamos. Nuestro trabajo incluye dirección de arte, identidades, proyectos editoriales, sitios web y tipografía.

+

Case studies

Anna Berbiela, Pràctica

Anna Berbiela

Pràctica: Proceso

Pràctica no tiene un estilo, pero sigue un proceso; En esta sesión, analizaremos, a través de los casos de estudio de los últimos proyectos del estudio, el proceso que sigue Pràctica para desarrollar su trabajo.

Anna Berbiela
Diseñadora gráfica afincada en Barcelona. Anna fundó el estudio Pràctica junto a Javier Arizu, Carlos Bermúdez y Albert Porta en 2018. Con oficinas en Barcelona y Nueva York, Pràctica es un estudio que trabaja para clientes institucionales, culturales y comerciales, desarrollando proyectos de comunicación en materia impresa, digital y medioambiental.

Pràctica es un estudio de diseño integral con sede en Barcelona y Nueva York. Trabajando para clientes institucionales, culturales y comerciales, siempre busca conceptos potentes, códigos visuales audaces y soluciones personalizadas para cada proyecto. Esto se traduce en un trabajo muy ecléctico; su estilo es la falta de uno, es encontrar la mejor solución para cada proyecto.

+

Showcase

Miquel Hervás, Book Bindery Rietveld Academy

Miquel Hervás

The act of making something public

Esta sesión aborda los métodos, herramientas e implicaciones de las actividades de publicación.

– ¿Qué hace/significa la publicación? ¿Y cómo va a existir/circular?

– ¿Cómo logra sus aspiraciones a través de la forma?

– ¿Cómo se unen el contenido, el concepto editorial y el diseño?

– ¿Cómo pensar la publicación como complemento y suplemento de las prácticas de trabajo?

– ¿En qué términos puede «hacer público» actuar como herramienta para poner en común intereses y preocupaciones?

Book Bindery

La BB permite la producción de libros y publicaciones en pequeñas ediciones y manipulaciones específicas de papel y cartón. Todos los procesos se realizan siempre de forma totalmente manual y ampliando los límites de lo posible.

Además de ser un taller técnico, la BB funciona como un punto interdepartamental en nuestra institución. Creemos que la práctica editorial es un proceso emancipador. Apoyamos proyectos como PUB.sandberg.nl, Radio Rietveld y Rietveld Journal.

Miquel Hervás Gómez

(Terrassa, 19 de abril de 1985). Diseñador gráfico autónomo afincado en la www. Funcionando como jefe de taller en la BB. Tutor de Disarming Design en el Sandberg Instituut y del Curso Preparatorio en la Gerrit Rietveld Academie, a la vez que miembro de fanfare y Carne Kids.

+

Case studies

Miquel Hervás, fanfare

Miquel Hervás

fanfare se creó al observar un contexto, una red, en la que las interacciones entre el diseño y el arte dieron lugar a proyectos que no encajaban en las plataformas de presentación existentes. fanfare crea un marco para conectar las estructuras ya existentes. Lo que ocurrió orgánicamente en este contexto fue la creación de nuevas estructuras, nuevas redes, nuevas iniciativas. En el contexto actual nos permitimos hablar de fanfare como marco para la publicación (no) física.

fanfare es una plataforma y un estudio de diseño para la colaboración interdisciplinar y la comunicación visual. A través de un programa activo, fanfare genera, explora y comisaría entornos para interacciones visuales.
Desde sus inicios en 2014, fanfare ha creado un espacio único para experimentos, exploraciones y colaboraciones en el ámbito del diseño gráfico y disciplinas afines. A través de su investigación y práctica de diseño, fanfare agudiza y desafía la noción de comunicación visual.

Miquel Hervás Gómez

(Terrassa, 19 de abril de 1985). Diseñador gráfico autónomo afincado en la www. Funcionando como jefe de taller en la BB. Tutor de Disarming Design en el Sandberg Instituut y del Curso Preparatorio en la Gerrit Rietveld Academie, a la vez que miembro de fanfare y Carne Kids.

+

Conferencia

Ruben Pater, CAPS LOCK

Ruben Pater

Ruben Pater (1977, NL) trabaja entre el periodismo y el diseño gráfico. Bajo el nombre de Untold Stories, Pater crea narrativas visuales que apoyan la solidaridad, la justicia y la igualdad. Pater se siente diseñador en una época en la que el diseño es lo último que necesita el mundo. Hasta que se presenten enfoques más éticos, diseña, escribe y enseña. Es tutor de grado en diseño gráfico y del MA Non Linear Narrative de la KABK. The Politics of Design, es su primer libro sobre el sesgo cultural en el diseño gráfico. Su segundo libro CAPS LOCK analiza el papel del diseño gráfico en el capitalismo.

CAPS LOCK El capitalismo no podría existir sin las monedas, los billetes, los documentos, los gráficos, las interfaces, las marcas y los anuncios; artefactos que han sido creados (en parte) por los diseñadores gráficos. Incluso las estrategias anticonsumistas, como el diseño social y el diseño especulativo, se están apropiando en las sociedades capitalistas para servir al crecimiento económico. Parece que el diseño está atrapado en un sistema de explotación y beneficio, un ciclo que fomenta la desigualdad y el agotamiento de los recursos naturales. 

CAPS LOCK utiliza un lenguaje claro y llamativos ejemplos visuales para mostrar cómo el diseño gráfico y el capitalismo están inextricablemente unidos. El libro contiene muchos estudios de casos de objetos diseñados relacionados con sociedades y culturas capitalistas, y también examina cómo la educación y la práctica profesional de los diseñadores (gráficos) apoyan la economía de mercado y cómo la práctica del diseño está atrapada dentro de ese mismo sistema.

+

Showcase

Santi Fuster, Bendita Gloria

Santi Fuster

Dos horas de semántica, política y diseño gráfico, debidamente ilustradas con trabajos de Bendita Gloria.

Santi Fuster

Diseñador gráfico.

50% de Bendita Gloria.

Bendita Gloria es un estudio de diseño formado por Alba Rosell y Santi Fuster. Centrado en proyectos editoriales y de identidad, su trabajo ha despertado cierto interés a raíz de su particular enfoque conceptual. Desde 2007 Bendita Gloria persigue que sus proyectos devengan un interesante material de lectura.

+

Exposición

MADDhouse #3, Detrás del Miedo

MADDhouse #3

A lo largo de nuestra vida, las mujeres, o personas con vagina, visitaremos múltiples veces una consulta ginecológica. La recomendación de Sanidad Pública es hacerlo cada 1-3 años, dependiendo de las circunstancias individuales, sin embargo, más del 50% de las mujeres no seguirán esta recomendación. No es novedad que a casi ninguna mujer le gusta ir al ginecólogo. Desgraciadamente, sentir ansiedad, miedo, vulnerabilidad, vergüenza e incomodidad son parte de la experiencia común de muchas mujeres al visitar este especialista. Pero, ¿por qué lo vivimos de esta forma?

 

La falta de sensibilidad y empatía hacia una paciente en una posición extremadamente vulnerable, el juicio, la infantilización, el paternalismo, la falta de avance científico, la desinformación, el tabú o la normalización del dolor femenino son algunas de las formas sutiles de violencia patriarcal que sufrimos las mujeres con relación a nuestra salud íntima. Una violencia que ocurre en un contexto médico donde aparentemente imperan los valores del cuidado y la atención, y dónde precisamente se espera todo lo contrario a violencia.

La violencia ginecológica afecta a la mitad de la población, es un problema sistémico y complejo en el que intervienen multitud de factores y del que todos participamos de forma más o menos consciente. Esta exposición busca detectar y desnormalizar estas situaciones como primer paso indispensable hacia una mejora.

+

Exposición

MADDhouse #2, Body Builders

MADDhouse #2

Vivimos en una sociedad «fit», donde los gimnasios son templos de transformación hacia un estereotipo globalizado. El culto al cuerpo planifica y controla nuestras rutinas diarias y acaba moldeando nuestra identidad, alimentando la industria del fitness, que no hace más que crecer.

 

Al mismo tiempo estamos en la era de la información, de los datos; se dice que tener información es poder, y podemos aplicarlo también a este paradigma. Diseñamos nuestro cuerpo en los gimnasios introduciendo datos (15 repeticiones de sentadillas durante 3 series, 100 gramos de arroz…) para construir el cuerpo ideal y al mismo tiempo ganar poder individual. La belleza acaba siendo algo medido, pesado, equiparado y comparado.

Los cuerpos que visualizan esto de forma más extrema son los culturistas. Cuerpo de masa, cuerpo corporal y de datos, que representa un ideal corporal de poder. Todos vemos a este grupo social alejado de nuestra realidad, pero los culturistas del pasado son los seguidores del fitness del presente.

El deporte actual se ha convertido en una compleja actividad comercial, política y social. El cuerpo sano acaba confundiéndose con el cuerpo estético, moldeando a su antojo los cánones de belleza y nuestra autoestima. Y nosotros acabamos enredándonos siguiendo estos estos rituales de datos.

+

Exposición

Óscar Germade, Job Title: Art Director

Óscar Germade

La exposición recorre el trabajo como director de arte de Vogue España de Óscar Germade, entre los años 2017 y 2021. El espacio está dividido en cuatro partes: Dirección de Arte, vinculada a la parte visual y la dirección de diseño de la revista. Portadas, con un repaso del trabajo en cubiertas de los últimos cuatro años. “Making of”, done se muestra el proceso de diseño de cada una de las partes de la revista, desde un punto de vista técnico y específico.

Tipografía, con una retrospectiva puramente visual del diseño de Chamberí, tipografía ad-hoc diseñada por Íñigo Jerez para la revista, la cual Eugenia de la Torriente, directora de la revista entre enero de 2017 y diciembre de 2020, describe “Chamberí es una combinación aparentemente irreconciliable de racionalidad y exuberancia. Parte de un esqueleto muy cartesiano, pero tiene una parte visual final de espíritu más folclórico, si se puede calificar así, gracias a una serie de detalles que remiten a la tradición española como acentos, travesaños y curvas ascendentes. Cuando crece, es juguetona, alegre y cálida y se aleja tanto de su base racional que cuesta reconocerla.”

La suma de estos espacios supone una inmersión completa en el trabajo que supone la dirección de arte de una revista de moda en la actualidad, con la complejidad que supone heredar la historia de una cabecera como Vogue, vinculada a personajes de enorme trascendencia como Alexander Liberman: “director de arte de Vogue en EEUU y director editorial de Condé Nast, y quien en sus más de 50 años en la compañía sentó las bases de esta cabecera y muchas otras. Las maquetas de Liberman eran muy sencillas porque hacía un uso muy directo de la maquetación, con pocas florituras en el texto. En las últimas décadas, la tendencia en las revistas de moda ha sido precisamente la contraria: muchos elementos por página, cajas con formas…” (Eugenia de la Torriente).

Esta labor de diseño y dirección de arte, no solo es consciente de la parte histórica sino del complejo momento que viven las grandes cabeceras editoriales, adaptadas a una realidad digital donde conviven con nuevas propuestas visuales. El recorrido finaliza con un extenso repaso a las portadas de Vogue de estos último cuatro años que, de manera orgánica, muestra una evolución definitiva y una dirección clara de la apuesta por portadas icónicas, basadas en la imagen y memorables para la audiencia.

+

Exposición

MADDhouse #1, Nacionalidades

MADDhouse #1

Las nacionalidades son universales, afectan y rodean a todas las personas del mundo, son realmente un factor vital en tu desarrollo personal, y es algo que inicialmente no puedes elegir. Aunque en el mundo occidental pueda parecer que vivimos en un mundo globalizado y libre, la libertad y la movilidad pueden convertirse en un proceso realmente individual dependiendo de la nacionalidad que tengas.

Al explorar el concepto de nacionalidades como algo impuesto por las normas globalizadas, este proyecto pretende revelar una perspectiva crítica y explorar de forma diferente las desigualdades globales que ya creemos conocer. Así como revelar la forma en que el mundo va a procesar y tratar en algunos casos- abordándolo a través de una forma simbólica de cómo representamos las nacionalidades.

Este exploración pretende dar una nueva perspectiva y suscitar una conversación sobre nuestra identidad y cómo nos relacionamos con la propia nación y el mundo en general. Como sociedad, los principios de las nacionalidades son forzados e intocables y no hay espacio para cuestionarlos, y no podemos evitar preguntarnos si el mundo tal y como lo conocemos podría existir si revisamos las banderas, las fronteras, el derecho internacional y los pasaportes.

+

Conferencia

Johannes Breyer, Dinamo

Johannes Breyer

Type Mistery Tunnel

Sobre la forma variable de trabajar y del uso de herramientas de diseño internas como método para explorar nuevas estéticas y el potencial gestual de los tipos. Qué consideraciones influyeron en la creación de sus recientes tipos de letra ABC Arizona o ABC Gravity, o los proyectos a medida para la SF Symphony, Goat, ON y Rimowa. Para los empresarios, echaremos un vistazo a un año de estadísticas de ventas recopiladas que han llevado a crear y ofrecer un nuevo modelo de licencia, e intentaremos adivinar hacia dónde puede ir todo esto.

Johannes Breyer es un diseñador gráfico alemán / chileno con sede en Berlín. ‘Se habla un poco de español’. Estudió en Zúrich y trabajó para el estudio de diseño NORM antes de graduarse en la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam. Junto con Fabian Harb, dirige el estudio suizo de diseño tipográfico DINAMO.

Dinamo es una plataforma suiza de diseño que ofrece tipos al por menor y a medida, software de diseño, investigación y consultoría. Fundada en Basilea, opera a través de una red de miembros en todo el mundo. Dinamo son profesores visitantes en varias academias de arte y han sido invitados a impartir talleres y conferencias en una lista internacional de instituciones educativas. Los clientes van desde la editorial cultural de 1 persona hasta el Comité Olímpico Internacional. Dinamo ganó el Swiss Design Awards 2017 y es miembro de la AGI desde 2018.

+

Conferencia

Óscar Germade, Job Title: Art Director

Óscar Germade

Job Title: Art Director

En 2017, Vogue España tomó una nueva dirección editorial que propició una nueva dirección de arte de la mano de Óscar Germade. Este proceso sigue vivo hoy gracias a un proyecto que otorga tanta importancia a la imagen como a la letra. Una historia por capítulos de cómo, cuándo y dónde uno acepta el reto de diseñar una revista sobre lo que se ha dicho, escrito, oído, visto, criticado y alabado todo. Un repaso visual sobre la relación de Vogue con el diseño y la dirección de arte, sobre el diálogo entre moda y tipografía, sobre la tradición y la novedad.

Óscar Germade

(A Coruña, 1983) funda Solo en 2011, un estudio de diseño especializado en identidad de marca y diseño editorial. Ese proyecto le permite adentrarse en diferentes ámbitos culturales, como la moda y los medios de comunicación. Acaso la mayor fortaleza del proyecto –desde el que ha colaborado con marcas como Simon Miller, Nike, Oysho y El País– es el uso preciso y contundente de la tipografía y la fotografía, combinando técnicas digitales y analógicas.

En 2017, asume la dirección de arte de Vogue España, revista líder del mercado editorial nacional. 

A lo largo de toda su trayectoria profesional, compagina la labor del diseño y la dirección de arte con diversas actividades docentes: ha ejercido como profesor de proyectos editoriales en el Máster en diseño editorial de Elisava, fue director de tesis y coordinador de grado en IED Barcelona y, desde 2020, ejerce como profesor de tipografía en IE School of Architecture and Design.

+

Workshop

Raúl Goñi, Diseño crítico

Raúl Goñi

Diseño crítico

¿Cómo podemos ser buenos diseñadores sin cuestionar el mundo en el que vivimos? Creemos firmemente en el gran valor de ser críticos, no de una manera destructiva sino siempre tratando de encontrar los porqués detrás de las certezas y a través de la búsqueda constante de una manera de hacerlo mejor.

Diseñadores que observan, adoptan una postura, colaboran, se comprometen, adaptan, escriben y debaten a la hora de crear propuestas. Diseñadores con pensamiento crítico, buscando problemas, al servicio de la sociedad, satíricos y provocadores que nos hagan pensar en cómo podría ser el mundo. En este taller trabajaremos el posicionamiento del diseñador del futuro y su papel social como emisor de mensajes.

Raúl Goñi

Navarro, diseñador y docente, en ese orden. Formado como diseñador gráfico en Pamplona y Barcelona. Cartelista de profesión es miembro fundador de la FestadelGrafisme.org y de los nuevos TallersdelaFesta.org en Portbou, un evento transdisciplinar que pone el foco las personas y su vinculación con el diseño desde un aspecto lúdico y una condición transfronteriza. Docente desde el 2006 en Dirección de Arte y en el desarrollo de Proyectos de Final de Grado en diversas escuelas.

+

Workshop

Jon Uriarte, Fotolibro

Jon Uriarte

Fotolibro

Una aproximación al mundo del fotolibro a partir de sus fundamentos y desarrollo. Trabajando con un autor, los estudiantes descubrirán su proceso de creación específico y como desarrollar su narrativa, ritmo y secuencia en un libro.

Jon Uriarte

Estudió Fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya y en el International Center of Photography de Nueva York, además de realizar un máster en Proyectos y Teorías Artísticas por PhotoEspaña y la Universidad Europea de Madrid. Ha expuesto en diversos centros y galerías de arte, tanto en muestras colectivas como individuales, entre los que destacan La Casa Encendida de Madrid, el Koldo Mitxelena de Donostia, el Studio 304 de Nueva York, el centro HBC de Berlín y la Sala d’Art Jove de Barcelona.

Fue fundador de Widephoto, plataforma independiente dedicada al comisariado y actividades en torno a la fotografía contemporánea. Además, conceptualizó y coordinó durante 3 años DONE, el proyecto sobre reflexión y creación visual impulsado por Foto Colectania. Actualmente vive en Londres, desde donde compagina el comisariado de los programas digitales de The Photographers’ Gallery con el comisariado del Festival Internacional de Imagen Getxophoto.

+

Conferencia

Alvaro Dominguez, El New York Times,
 un pato con gafas de sol y un calabacín entran en un bar

Alvaro Dominguez

Empezar una carrera como freelance en medio de la crisis. Cómo hacer clientes alrededor del mundo sin contactos. Caballos. Mostrar el presupuesto de cada proyecto. Los altibajos de una carrera en la ilustración editorial. Dinosaurios. Establecer hábitos saludables. Calabacines. Experimentos personales. Dos patos con gafas de sol jugando al tenis con motosierras. No saber lo que estás haciendo. Caniches.

Alvaro Dominguez es Ilustrador y diseñador gráfico. Ha colaborado con The New York Times, Apple, Showtime, Time Magazine y Wired entre otros. Y su trabajo ha sido reconocido por American illustration y The New York Times Most Notable Illustrations.

+

Conferencia

Nacho Padilla, Ciudades > Marcas

Nacho Padilla

Reflexionaremos sobre las ciudades-marca y sobre las externalidades de esta visión. Veremos ejemplos de todo esto a través de preguntas por responder y caminos apuntados, explorados y por explorar. Hablaremos de cómo cultivar la constancia en el fracaso, de las diferencias entre ser ciudadanía y clientela, de las peculiaridades de trabajar para lo público, de desconocer lo que no se conoce. Nos detendremos en lo que puede aportar y lo que no una dirección creativa a una administración pública.

Nacho Padilla (Madrid, 1970) es licenciado en publicidad y RRPP por la UCM. Ha trabajado como redactor en McCann Erickson y como director creativo en Contrapunto BBDO. En 2010 funda Viernes, un estudio que aplica la creatividad a proyectos de movilidad sostenible, administración pública, tercer sector, RSE y economía e innovación social. En 2016 deja Viernes para asumir la dirección creativa del Ayuntamiento de Madrid. Desde mayo de 2020 es el director creativo del Ajuntament de Barcelona.

+

Workshop

Irene Pereyra, Anton & Irene

Irene Pereyra

Barcelona 2.0

El objetivo de este taller es idear una forma de mejorar la vida pública de Barcelona.
Cada equipo elegirá un elemento o servicio existente para mejorarlo, como por ejemplo la recogida de basura, el metro, el bicing, etc.
Al final de la semana, cada equipo presentará su idea de «Barcelona 2.0 mejorada». La solución final puede ser tan realista o fantástica como se quiera y puede ser presentada y explicada con el material o software que se elija.

 

Llegaremos a la solución mediante una serie de ejercicios de pensamiento creativo que animarán a los participantes a dar rienda suelta a su imaginación soñando con las soluciones inalcanzables y extremas que se les ocurran para llegar a la solución final. El objetivo del taller es profundizar en cómo se nos ocurren las soluciones creativas, y entender las herramientas y procesos disponibles que han demostrado aprovechar nuestra creatividad para que puedas aplicar estas técnicas para resolver cualquier tipo de problema de diseño que puedas encontrar en el futuro.

Irene Pereyra

Cofundadora del estudio de diseño con sede en Brooklyn «Anton & Irene». Ha dirigido la estrategia y las iniciativas de UX para clientes relevantes tanto en web como en aplicaciones multiplataforma. Su trabajo ha sido reconocido con numerosos premios. Irene ha sido ponente invitada en numerosas conferencias como OFFF y FITC, y ha dado clases en SVA en Nueva York, Hyper Island en Estocolmo, Harbour.Space en Barcelona, y la Academia de Diseño en Eindhoven. Sus proyectos personales se han expuesto en todo el mundo.

+

Workshop

Martí Guixé, Seeds

Martí Guixé

Seeds

El objetivo del taller es desarrollar estrategias, objetos o acciones en torno al elemento semilla y en relación con temas como la reforestación, la jardinería, la conservación, la política y la alimentación.
Entender cómo el diseño puede estar con la naturaleza y no sólo contra ella.

@ Inga Knölke

Martí Guixé proviene de la formación de todo buen diseñador, con un currículum académico en su haber y trabajos realizados en firmas de renombre. Pero como los revolucionarios de hoy en día nacen dentro de las instituciones que los formaron, él revoluciona el diseño trabajando sobre la materia viva, que se puede transformar y descomponer, hibridando áreas como la antropología, el humor, la gastronomía, la tipografía, las ciencias humanas, las ciencias exactas, la performance, el diseño.

Analiza las situaciones, los comportamientos y los gestos y propone soluciones radicalmente eficaces con una ergonomía mínima, liberada de la imagen de un cuerpo idealizado en el que la perspectiva tecnocrática intentaba crear la forma adecuada. Como visionario, transforma las cosas con sus ojos que las observan e inventa las mercancías indispensables del siglo XXI.

+

Bookworm

Sobre Irma Boom + Muriel Cooper,

Sobre Irma Boom + Muriel Cooper

Irma Boom es considerada la diseñadora de libros más relevante del momento. Muchos centros de arte y editoriales especializadas se disputan el privilegio de contar con una obra suya. Cuando acepta un encargo exige total libertad creativa, asumiendo el rol tanto de la editora como de la grafista. Progresivamente, la obra de Irma Boom se ha ido asimilando a lo que conocemos como ‘libros de artista’, a pesar que la diseñadora reniega de esta tipología.

Muriel Cooper (1925-1994) trabajó durante cuatro décadas en el Massachusetts Institute of Technology como diseñadora gráfica, profesora e investigadora. Fue directora de arte en la editorial del Instituto, la famosa MIT Press, donde dio forma a numerosos libros esenciales para la historia del arte y la arquitectura contemporánea. En 1974 fundó el Visible Language Workshop, un laboratorio de ideas alrededor de nuevas formas de comunicación gráfica. Muriel Cooper fue una pionera en la transición de la imprenta a las primeras exploraciones de la tipografía digital.

Bookworm es un viaje a través de los libros guiado por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall, los estudiantes tendrán el privilegio de profundizar en ejemplares únicos de la Biblioteca de Elisava.
El objetivo del Fondo de Reserva es convertirse en una verdadera historia universal del grafismo moderno aplicado al mundo editorial. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

+

Bookworm

Sobre Robert Massin + Sister Corita,

Sobre Robert Massin + Sister Corita

El grafista francés Robert Massin revolucionó el diseño editorial de las décadas de 1950 y 1960 con una serie de libros que han llegado a ser icónicos en la historia de la tipografía del siglo XX. En una época dominada por la austera gráfica suiza, Massin combinaba el lenguaje de las artes gráficas tradicionales con elementos expresivos altamente innovadores. En sus diseños la palabra deviene visible a base de recursos gráficos que intensifican el significado del texto impreso.

Corita Kent, conocida como Sister Corita, fue una figura insólita en el panorama de las artes gráficas norteamericanas de las décadas de 1960 y 1970. Monja católica y profesora en una escuela de arte de la ciudad de Los Angeles, Corita supo captar el espíritu de su tiempo en una obra gráfica que combinaba espiritualidad cristiana y filosofía hippie con una estética influenciada por el pop art. Su lenguaje estaba en sintonía con la expresión de sus contemporáneos, exaltaba la cultura popular americana y que encontraba belleza y trascendencia en los elementos de la vida cotidiana.

Bookworm es un viaje a través de los libros guiado por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall, los estudiantes tendrán el privilegio de profundizar en ejemplares únicos de la Biblioteca de Elisava.
El objetivo del Fondo de Reserva es convertirse en una verdadera historia universal del grafismo moderno aplicado al mundo editorial. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

+

Conferencia

Eloi Maduell + Santi Vilanova, Playmodes

Eloi Maduell + Santi Vilanova

De la pantalla al espacio

En los últimos años, los medios digitales creativos han experimentado una profunda transformación. Desde los primeros gráficos en pantalla hasta las últimas instalaciones de mapping de píxeles, los lenguajes audiovisuales han superado los límites cuadrados de las pantallas tradicionales y han comenzado a colonizar el espacio real.

La luz está desempeñando un papel clave en esta evolución, y esta interrelación entre la ingeniería, la música, el diseño y el arte está dando lugar a enfoques innovadores en forma de instalaciones inmersivas. Los espectadores ya no son un sujeto pasivo, sino que están integrados en el lienzo creativo. En esta charla, Eloi y Santi de Playmodes harán una profunda inmersión en el proceso y los secretos que hay detrás de su trabajo, desde la conceptualización y el guión hasta el desarrollo de algoritmos y contenidos de música visual.

Playmodes
Es un estudio de investigación audiovisual, un equipo hí­brido de ingenieros, músicos y diseñadores. A través del desarrollo de sus propias tecnologías, dan vida a instrumentos de luz y sonido. Este luthierismo digital los ha llevado a aplicar su lenguaje a formatos escultóricos, instalaciones inmersivas o escenografías, en un viaje fuera de los límites cuadrados de las pantallas tradicionales.
En sus proyectos, los flujos de datos generan audio y imágenes con softwares hechos por ellos mismos.

+

Workshop

Matteo Moretti, Sheldon.studio

Matteo Moretti

Visual Journalism

El periodismo de datos y visual es una práctica interdisciplinaria que combina el diseño editorial, UX, diseño web, visualización de datos, diseño de interacción, narrativa visual y storytelling para devolver la complejidad de los fenómenos contemporáneos a una audiencia más amplia de una manera más atractiva y accesible.

El taller intensivo se articula en un solo proyecto de desarrollo, que parte de una cuestión sociopolítica planteada por el grupo de estudiantes. Una vez enmarcado ese tema, los estudiantes buscan datos conectados significativos, cartografían las controversias que el tema incorpora, y luego exploran los lenguajes visuales y metáforas hacia el resaltado de un punto de vista. Finalmente, los estudiantes diseñan toda la experiencia informativa digital combinando datos y diseño editorial, para llegar a una audiencia específica.

Matteo Moretti

Cofundó Sheldon.studio, el primer estudio que se centra en el diseño de experiencias de información inmersiva. Matteo Moretti es profesor en la Facultad de Diseño de la Universidad Libre de Bolzano, en la Universidad de San Marino, en la Universidad de Florencia, en el SPD de Milán.

Sus proyectos de investigación en diseño, presentados en muchas conferencias académicas y eventos como TEDx y Visualized.io recibieron el Data Journalism Award 2015, el European Design Award 2016 y 2017.

 

+

Workshop

David Galar & Gerard Mallandrich, Gimmewings

David Galar & Gerard Mallandrich

Sistemas gráficos animados

Somos espectadores de una nueva manera de consumir la información. Hoy en día los soportes digitales son los nuevos contenedores de información. Si miramos esto desde el prisma del diseño gráfico podríamos decir que nos enfrentamos a nuevas maneras de comunicar.

Mediante el Motion podemos explicar mensajes complejos de una forma sencilla. Entender que el paradigma del diseño tradicional que trata de resumir todo en una sola imagen cambia por completo. La animación nos ofrece una linea de tiempo mediante la cual explicar conceptos a través de un storytelling “paso a paso”. Siendo en algunas ocasiones más interesante el camino que el resultado final.

Gimmewings

es un estudio de Motion Design especializado en utilizar la animación y la interacción para comunicar conceptos a través del movimiento.

Gimmewings trata el motion como algo implícito dentro del diseño, no como una herramienta complementaria.

+

Bookworm

Sobre la Vanguardia Checa y los Lustig,

Sobre la Vanguardia Checa y los Lustig

Vanguardia Checa El mundo editorial checo experimentó una renovada vitalidad en el período de entreguerras. Una nueva generación de artistas se agrupó en una asociación llamada Devětsil que mantenía contactos con la vanguardia europea. El diseño gráfico de libros suscitaba un especial interés entre los jóvenes creadores miembros de este grupo. Dos corrientes estéticas convivían en Devětsil: el Poetismo que exaltaba la esencia subjetiva del acto creativo y el Constructivismo que aspiraba a la objetividad y a la estandarización de la producción en serie.

Alvin Lustig creó para la editorial norteamericana New Directions entre 1945 y 1952 unas cubiertas que muestran un profundo conocimiento de los movimientos artísticos de la primera mitad del siglo XX. La colección mantiene una fuerte unidad, aunque cada libro manifiesta su carácter individual: sutil, abstracto, evocador.

Elaine Lustig Cohen inició su carrera en el estudio de Alvin Lustig. Después de la muerte de éste en 1955, continuó en solitario diseñando cubiertas de libros para diversas editoriales además de otros clientes ligados al mundo de la cultura.

Bookworm es un viaje a través de los libros guiado por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall, los estudiantes tendrán el privilegio de profundizar en ejemplares únicos de la Biblioteca de Elisava.
El objetivo del Fondo de Reserva es convertirse en una verdadera historia universal del grafismo moderno aplicado al mundo editorial. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

+

Bookworm

Sobre Jan Tschichold + Gráfica suiza,

Sobre Jan Tschichold + Gráfica suiza

Jan Tschichold experimentó una de las conversiones más sonadas de la historia del grafismo del siglo XX. Después de la revolución que supuso Die Neue Typographie (Berlín,1928), reconsideró sus tesis con Typographische Gestaltung (Basilea, 1935) para, finalmente, experimentar un retorno absoluto al clasicismo a partir de la década de 1940 y hasta el final de su vida. Las composiciones dinámicas y asimétricas con tipos de palo seco, dieron lugar a páginas centradas respetando las convenciones formales de la tradición histórica de la imprenta.

La gráfica suiza del siglo XX se desarrolló a partir de los preceptos de la “nueva tipografía” alemana establecidos por Jan Tschichold en 1928. Se proponía un nuevo concepto de grafismo caracterizado por la composición asimétrica, el uso de la tipografía de palo seco y la utilización de la fotografía. Uno de los pioneros es Herbert Matter que, con sus espléndidos carteles turísticos, representa una nueva visión de la comunicación visual, fuertemente influenciada por el constructivismo ruso y las vanguardias fotográficas de entreguerras.

Bookworm es un viaje a través de los libros guiado por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall, los estudiantes tendrán el privilegio de profundizar en ejemplares únicos de la Biblioteca de Elisava.
El objetivo del Fondo de Reserva es convertirse en una verdadera historia universal del grafismo moderno aplicado al mundo editorial. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

+

Exposición

Vladan Joler, Explorer of Contemporary Phenomena

Vladan Joler

Prof. Vladan Joler

[n. 1977] Es un académico, investigador y artista cuyo trabajo combina la investigación de datos, la contracartografía, el periodismo de investigación, la escritura, la visualización de datos, el diseño crítico y muchas otras disciplinas.
Explora y visualiza diferentes aspectos técnicos y sociales de la transparencia algorítmica, la explotación laboral digital, las infraestructuras invisibles y muchos otros fenómenos contemporáneos en la intersección entre la tecnología y la sociedad.

La obra de Vladan Joler está incluida en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), el Museo de Victoria y Alberto (V&A) y el Museo del Diseño de Londres y en la exposición permanente del Ars Electronica Center.
Además de su puesto de profesor permanente, es decir, de titular, en la Academia de Artes de Novi Sad, Serbia, donde enseña en el departamento de Nuevos Medios, ha dado conferencias en numerosas instituciones educativas y artísticas.

Explorer of Contemporary Phenomena

Tres obras recientes se exhiben en Elisava: Anatomy of an AI System, 2018, un mapa y un ensayo (en colaboración con Kate Crawford) que investiga el trabajo humano, los datos y los recursos planetarios necesarios para construir y operar un Amazon Echo. Trabajo premiado como Design of the year 2019 por el Design Museum, Londres. Y dos nuevos trabajos de 2020: The Architecture of a Face Recognition System y New Extractivism. Es la primera vez que estas piezas se exponen en Barcelona.

+

Workshop

Patrick Thomas, The transformative Power of AI

Patrick Thomas

The transformative Power of AI

Hasta ahora la IA no es inteligencia real. Esencialmente es imitación: algoritmos que han aprendido a hacer cosas específicas al ser entrenados en miles o millones de ejemplos correctos. Llamada IA «tonta», este término ignora el hecho de que en varios campos, como el reconocimiento facial y del habla, ya es más precisa que la de los humanos. Siguiendo los principios de la Ley de Moore, es sólo cuestión de tiempo antes de que seamos capaces de crear una inteligencia real: máquinas conscientes que puedan pensar por sí mismas.

El taller se llevará a cabo en un espacio virtual hecho a medida. La investigación y el debate crítico son componentes centrales del proyecto. El objetivo del taller es desarrollar las habilidades de investigación, escritura, diseño y publicación de los participantes, así como fomentar el pensamiento crítico.
Se animará a los participantes a que se hagan las siguientes preguntas:
¿Qué oportunidades traerá este desarrollo tecnológico?
¿Soy consciente de las implicaciones que puede tener?

Patrick Thomas

Es un artista gráfico, autor y educador. Estudió en el Saint Martins y en el Royal College of Art de Londres antes de trasladarse a Barcelona en 1991. Actualmente vive y trabaja en Berlín. En 2019 creó Open Collab, un formato de taller autogestionado para permitir y fomentar la colaboración, el diálogo y la experimentación entre los participantes. En 2020 se lanzó la plataforma en línea gratuita para permitir la colaboración remota en tiempo real. Desde octubre de 2013 es profesor de la ABK Stuttgart. Es miembro de AGI.

 

+

Case studies

Pablo Juncadella, Mucho

Pablo Juncadella

¿Decrecer o crecer de otra manera?

El valor de un proyecto no se puede medir únicamente en términos monetarios. Y eso, lo tenemos claro.

Para nosotros es importante desarrollar ideas y conceptos que aportan a la sociedad, que ayudan a cumplir una finalidad y que nos llevan a pensar más allá de los límites. A estos proyectos los llamamos ‘pro-bono’ y son parte del compromiso que tenemos con los demás y con la sociedad pero, especialmente, con nuestra comunidad de diseñadores.

¿Cómo organizamos los proyectos pro-bono? ¿Cómo limitamos la colaboración para que resulte sostenible para ambas partes? ¿Cómo mantenemos la relación con cliente durante el tiempo?

Pablo Juncadella

Co-fundador y director creativo de Mucho. Gracias a su constante búsqueda de nuevos desafíos, Pablo ascendió al puesto de Director Creativo del periódico inglés The Observer después de trabajar como diseñador gráfico para gráfica y Pentagram. Su visión global y su gran interés por el conocimiento visual, han sido aportes fundamentales para el crecimiento del estudio. Hoy, junto a su equipo en Mucho, trabaja con la meta de encontrar soluciones que encajen en el posicionamiento de las marcas aportando ideas originales.

+

Conferencia

Javier Jaén, Javier Jaén Studio

Javier Jaén

Greetings from Javier Jaén Studio

La charla será un viaje desde el desarrollo conceptual a la solución gráfica a través de casos prácticos.

Medio ambiente, tecnología, amor, sexo, diversidad, arte, literatura, religión, ciencia, gastronomía, salud, deporte, capitalismo salvaje, movimientos sociales, economía, terrorismo, guerra, política, justicia, arqueología, virus, música, teatro, moda, vino y algo de diseño e ilustración.

Javier Jaén

(Barcelona, 1983) estudió diseño gráfico y bellas artes en Barcelona, Nueva York y Budapest. Su actividad profesional se ha centrado en ilustración editorial, portadas de libros, proyectos audiovisuales, publicidad, comunicación cultural y creación de obra propia. Traduce historias y conceptos en imágenes a través de un lenguaje simbólico y lúdico.

 

Su trabajo ha sido ampliamente galardonado. Ha participado en exposiciones en Nueva York, Londres, México, El Salvador, Tallin, Seúl, Rotterdam, París o Roma. Desde 2015 es miembro de AGI. En 2020 ha sido considerado por Forbes como uno de los 100 españoles más creativos.

Ha sido profesor en IED, BAU, IDEP, y con frecuencia imparte talleres y conferencias en diversas escuelas internacionales de arte y diseño.

Todavía no ha escrito un niño, no ha plantado un libro ni dado a luz a un árbol.

+

Workshop

Martin Lorenz, TwoPoints.Net

Martin Lorenz

Systemic Type Design

Vivimos en una (nueva) edad de oro del diseño de sistemas tipográficos. Las nuevas tecnologías y los programas fáciles de usar han nivelado el campo de juego para los diseñadores emergentes y les han dado la oportunidad de experimentar con nuevas ideas. El mundo de las fuentes para pantalla ha sido testigo de muchos impulsos nuevos en los últimos años. Las tipografías se han vuelto más flexibles, variables y cinéticas que nunca, ajustándose eficiente y efectivamente a los nuevos canales de comunicación.

Systemic Type Design es más que diseñar fuentes. Un sistema de tipos es una herramienta de diseño eficiente que ayuda a los diseñadores a diseñar. Si se hace bien, el acto de escribir equivale al acto de diseñar. En este curso desarrollaremos un sistema de tipografía experimental que generará por sí mismo aplicaciones interesantes.

Martin Lorenz

bien podría haberse convertido en cocinero, dibujante de cómics o arquitecto, de no haber sido por unas prácticas en el estudio de diseño Müller + Volkmann. Lorenz estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Darmstadt y en la Real Academia de las Artes (KABK) de La Haya. Tras trabajar cuatro años en el estudio Hort, se trasladó a Barcelona para fundar TwoPoints.Net con Lupi Asensio y realizó su Máster y Doctorado en Investigación en Diseño en la UB. Lorenz da clases en Elisava desde 2006 y todavía le gusta cocinar.

+

Showcase

Albert Folch & Rafa Martínez, Folch

Albert Folch & Rafa Martínez

Proyectos recientes

En un mundo acelerado, cada aspecto de nuestras vidas está en constante cambio. Desde Folch reunimos distintas disciplinas para responder a un encargo, buscando siempre tener una visión atípica. Cada proyecto es una oportunidad para diseñar conceptos, marcas, narrativas y eventos digitales, alcanzando e involucrando a las audiencias a este nuevo paradigma líquido.

Folch

Es una agencia editorial y de branding con sede en Barcelona, fundada en 2004. Creando conceptos, marcas y narrativas, el estudio ha desarrollado un enfoque holístico para los retos de comunicación de hoy en día, alcanzando y atrayendo a las audiencias con una amplia gama de contenidos gráficos, audiovisuales y editoriales a través de una miríada de plataformas, de acuerdo con el nuevo paradigma empresarial.

 

+

Charla

Vladan Joler + Bani Brusadin,

Vladan Joler + Bani Brusadin

Prof. Vladan Joler

[n. 1977] Es un académico, investigador y artista cuyo trabajo combina la investigación de datos, la contracartografía, el periodismo de investigación, la escritura, la visualización de datos, el diseño crítico y muchas otras disciplinas.
Explora y visualiza diferentes aspectos técnicos y sociales de la transparencia algorítmica, la explotación laboral digital, las infraestructuras invisibles y muchos otros fenómenos contemporáneos en la intersección entre la tecnología y la sociedad.

La obra de Vladan Joler está incluida en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), el Museo de Victoria y Alberto (V&A) y el Museo del Diseño de Londres y en la exposición permanente del Ars Electronica Center.
Además de su puesto de profesor permanente, es decir, de titular, en la Academia de Artes de Novi Sad, Serbia, donde enseña en el departamento de Nuevos Medios, ha dado conferencias en numerosas instituciones educativas y artísticas.

Un diálogo entre Vladan Joler y Bani Brusadin 
Juntos explorarán el fascinante personaje de Joler en la intersección de la investigación, la visualización de datos, la cartografía y el arte.
Entre otros temas, discutirán juntos sobre cómo visualizar diferentes aspectos técnicos y sociales de la transparencia algorítmica, la explotación laboral digital, las infraestructuras invisibles y muchos otros fenómenos contemporáneos en la intersección entre la tecnología y la sociedad.

 

+

Workshop

Edgar Pons, Who is afraid of Technology?

Edgar Pons

Who is afraid of Technology?

La tecnología constituye un tema esencial si nuestro deber es entender cómo funciona nuestra sociedad contemporánea. Hoy más que nunca, la tecnología juega un papel importante no sólo mejorando (o no) nuestra vida cotidiana, sino también recogiendo, analizando y visualizando casi todo tipo de información. Aprenderemos los fundamentos de la programación en Arduino y Raspberry, para detectar y automatizar señales. También aprenderemos a elegir la mejor plataforma para resolver un proyecto tecnológico.

Usaremos varias tarjetas de programación para detectar señales analógicas e interactuar con nuestro código. Aprenderemos el funcionamiento de los principales componentes electrónicos para desarrollar placas personalizadas. Por último, aprenderemos a hackear un sistema de apertura con tarjetas NFC. La tecnología y la automatización nos dan innumerables opciones y poder a la hora de afrontar los proyectos. Conocer las capacidades que tenemos y tener una base sobre cómo usarlas nos permitirá llevar nuestros proyectos mucho más lejos.

Edgar Pons

Graduado en Ingenieria en diseño industrial creó su primera empresa en 2011: The Social Coin, historificando la bondad. Ha colaborado con DDS dando soporte en la generación de sistemas y experiencias interactivas. Trabaja en I+D en Ymaging, creando sistemas que interpretan datos complejos en sectores como granjas inteligentes, biomedicina y geofísica. Lanzando Nanoboost, una Startup relacionada con “Smart Pills” para potenciar las capacidades del cerebro.

+

Masterclass

Antonio Nogueira, Mucho

Antonio Nogueira

Retórica Gráfica & Herramientas Creativas

¿Se podría lograr ser más creativo? ¿Hay algún secreto para mejorar esta capacidad? 

Nos encontramos constantemente sin ideas, es como alguien que se deja un grifo abierto – nuestra mente se queda vacía, nos atascamos y las ideas que nos vienen a la mente no parecen ser suficientes.

Esta sesión trata de ofrecer recursos para afrontar esta situación, trabajando una herramienta específica: Las figuras retóricas del lenguaje. Una herramienta más para ayudar a entender que siempre se pueden expandir las posibilidades.

Antonio Nogueira

Diseñador gráfico en Mucho. Trabaja en proyectos de diversos sectores: Cultural, educación, tecnológico, etc.  Siempre con el propósito de generar cultura mediante el diseño, usando la creatividad como un camino para crear nuevas experiencias.

+

Conferencia

Anna Díaz, Hamill Industries

Anna Díaz

Luz, sonido y magia visual
Hamill Industries compartirá los procesos y técnicas que se esconden detrás de sus últimos proyectos y colaboraciones, desde trabajos sobre visualización sonora, pasando por trabajos comerciales y nuevos retos creativos.

© Flaminia Pelazzi

Hamill Industries

son un estudio creativo especializado en la convergencia entre la tecnología y las artes visuales. Desarrollan proyectos de innovación basados en la experimentación creando nuevos formatos de comunicación visual. El estudio lleva a cabo investigaciones artísticas y tecnológicas en el campo de las artes visuales y la exploración de la luz y el sonido. En sus proyectos desarrollan sus propias herramientas e inventos combinando efectos digitales y analógicos con la construcción y el diseño.

El estudio ha trabajado en múltiples medios, incluyendo publicidad, videoclips, instalaciones de arte y actuaciones. Sus trabajos han ganado reconocimiento internacional en publicaciones especializadas y premios como el LAUS GOLD 15 y menciones especiales en el STARTS PRIZE AWARD 16. Desde 2015, han estado de gira por todo el mundo junto con Floating Points creando sus espectáculos visuales, y han presentado su trabajo en festivales e instituciones como SONAR, ARS Electronica, The Barbican y Matadero.

+

Case studies

Daniel Ayuso, Clase

Daniel Ayuso

Enea, Vibia y Delicious & Sons 
En esta sesión podremos ver a través de Case Studies de proyectos reales del estudio cómo se desarrolla una identidad de marca y como ésta se traduce estratégicamente a los distintos elementos de comunicaciónon on y offline para definir una personalidad reconocible y transversal.

Daniel Ayuso
es socio y director creativo del estudio Clase. Desde 2016 es Presidente de la asociación de Diseñadores de arte y Diseño Gráfico ADG FAD. Es profesor adjunto en la escuela Elisava y en la UPF. Su trayectoria se ha ampliado desde la formación de diseño gráfico más puro hasta el desarrollo de Identidades Visuales más complejas en las que la comunicación y el lenguaje visual construyen un discurso de marca a través de del propio diseño, la dirección de arte en fotografía o el audiovisual.