Printed stuff

Fanette Mellier trabaja de forma artesanal en su estudio de París. Practica un diseño gráfico radical y colorista. En esta conferencia presentará sus últimos proyectos: identidades visuales para estructuras culturales, cuadros tipográficos y libros experimentales producidos en paralelo. ¡Mucho material impreso!

Especializada en diseño gráfico, Fanette Mellier (1977) crea principalmente obras atípicas en el ámbito cultural. Además de los trabajos por encargo, con los que aborda diversos temas, Mellier se involucra en proyectos experimentales que barajan libremente aspectos fundamentales del diseño gráfico: la tipografía, el color, el proceso de impresión y la relación con los espacios públicos.

Sus obras se han expuesto en numerosos museos y centros de arte contemporáneo, como el Centro Pompidou de París, el Stedelijk Museum de Ámsterdam y el Cooper-Hewitt Smithsonian Design Museum de Nueva York.

Design for the Times

La revista The New York Times Magazine es conocida por aunar un periodismo ambicioso, unos visuales potentes y unos sistemas tipográficos atrevidos. La directora creativa, Gail Bichler, hablará de cómo su equipo aborda el diseño de la diversa gama de contenidos que publica la revista, incluido el diseño de acontecimientos actuales en tiempo real.

Hablará del papel actual de la revista dentro del contexto más amplio del Times, dará una mirada entre bastidores a cómo se hacen sus portadas conceptuales, y compartirá sus pensamientos sobre el papel de la experimentación en todo, desde los números especiales de la revista hasta su presencia digital, pasando por algunas de sus incursiones en otros medios como el audio y las secciones sólo impresas del periódico.

Gail Bichler es la directora creativa de The New York Times Magazine, donde dirige el equipo creativo responsable del diseño y la dirección artística de la revista y sus suplementos. Ella y su equipo han ganado numerosos premios por su diseño impreso e interactivo de organizaciones como el Art Directors Club, la Society of Publication Designers, D&AD, el American Institute for Graphic Arts, el Type Directors Club y Creative Review, entre otros. Gail ha dado clases y conferencias a nivel internacional. Es miembro de la AGI y ex miembro de la junta directiva de la SPD.

Is it better than a Tree?

Diseñar libros en 2023

Jonathan Hares es un diseñador británico que vive y trabaja en Suiza, donde se trasladó tras conocer a su mujer, Nicole Udry, en el RCA de Londres. Desde 2018, trabaja con Cornel Windlin en Lineto.com en Zúrich. Además, sigue diseñando libros y exposiciones en su estudio de Lausana. Trabaja principalmente para un pequeño círculo de clientes basado en relaciones a largo plazo. Actualmente diseña libros para Isamu Noguchi para la galería White Cube y la segunda edición de Museum is not Enough para el CCA de Montreal. Es profesor en la ECAL de Lausana.  

Lineto.com es la primera fundición digital suiza que inició una tendencia de fuentes creadas por diseñadores, reuniendo a una generación de diseñadores europeos que creaban tipos como subproducto de su proceso de trabajo. Jonathan es el diseñador de la actual página web de Lineto, junto con Jürg Lehni y Cornel Windlin. (Studio) Jonathan Hares es el nombre informal de lo que ocurra en los días restantes de la semana. Sobre todo libros. A menudo trabaja con Amaury Hamon y Jonas Marguet. Jonathan Hares imparte clases en el curso editorial de ECAL con Gilles Gavillet.

High on Type es un colectivo de cinco calígrafos, artistas y/o diseñadores. La escritura es la base de todo lo que hacen. Organizan un festival, hacen una residencia, crean una exposición o dan una conferencia. En esta conferencia, que impartirán Ivo y Guido, mostrarán por qué es tan importante seguir jugando en un proceso de creación, utilizando principalmente dos grandes proyectos recientes.

Guido de Boer, nacido en 1988, es un artista visual independiente con formación como diseñador. Su obra consiste en imágenes que se pueden leer y textos que se pueden experimentar visualmente. Su obra es grande, monumental y hecha a mano, por lo que es expresiva, pero también gráfica. Además de su práctica artística, Guido es profesor en la Real Academia de Arte de La Haya.

Ivo Brouwer, nacido en 1992, es un artista tipográfico y gráfico afincado en La Haya. Su obra se compone de patrones tipográficos y gráficos experimentales realizados mediante la traslación de métodos táctiles a entornos digitales y viceversa. Tiene un máster en diseño tipográfico por la Real Academia de Artes de La Haya KABK. En 2022, recibió un fondo para el desarrollo de talentos del Creative Industries Fund NL.

En la última sesión veremos una selección de libros diseñados por Irma Boom, una de las grafistas más reconocidas del momento. Podremos hacer un recorrido desde sus primeros diseños en la década de 1980 hasta ejemplos recientes tomando como hilo conductor la tercera edición del catálogo retrospectivo en miniatura que ella misma se ocupa de actualizar periódicamente. 

La obra de Irma Boom es un homenaje a la historia y a la actualidad del libro, una celebración de su poderosa presencia como objeto y un testimonio de su pervivencia en tiempos de publicaciones electrónicas.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Las letras pueden dibujarse de muchas maneras diferentes. El enfoque de Cyrus Highsmith se basa en gran medida en la importancia del espacio en blanco y la sensibilidad a las formas. Es un método que aplica tanto al diseño tipográfico como a la creación de imágenes de todo tipo. Para Highsmith, es una forma de ver el mundo. Este taller será una exploración desordenada, práctica y sin ordenador del dibujo, la creación y la reflexión sobre las letras.

Cyrus Highsmith es un dibujante de letras, profesor, autor y artista gráfico. Enseña diseño tipográfico en la Rhode Island School of Design (RISD). Escribió e ilustró la aclamada guía Inside Paragraphs: Typographic Fundamentals. En 2015, recibió el Premio Gerrit Noordzij por sus extraordinarias contribuciones en los campos del diseño tipográfico, la tipografía y la educación tipográfica. En 2017, se convirtió en Director Creativo de Desarrollo de Tipos Latinos en Morisawa USA. Se acuesta muy temprano.

En esta sesión nos centraremos en la figura de Joost Grootens, un grafista holandés especializado en el diseño de libros sobre arquitectura, urbanismo y arte. Su trabajo se caracteriza por el manejo de gran cantidad de información en forma de datos estadísticos, mapas y diagramas. Su habilidad para la visualización de datos lo ha convertido en un referente en el ámbito de la comunicación visual.

Tomando como punto de partida un libro retrospectivo de su propia obra titulado «I swear I use no art at all» podremos conocer su filosofía de diseño y algunos ejemplos notables de su producción editorial.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Amica reflexionará sobre cómo las prácticas arquitectónicas y creativas pueden alejarse de la invención y la innovación para acercarse al paciente y lento trabajo de reparación, y considerar el trabajo que se basa en la adopción de compromisos personales o éticos a largo plazo con los lugares, las situaciones y los contextos sociales. La autora abordará algunos de los primeros trabajos de Assemble, antes de hablar de un conjunto de proyectos que reorientaron su actitud y la del estudio hacia la ciudad y el campo, la ética material y la justicia intergeneracional. 

Amica Dall es una profesional interdisciplinar centrada en la arquitectura y la cultura de la ciudad y el derecho de los niños a la ciudad. Es miembro fundador de Assemble, donde ha realizado más de 15 grandes proyectos a lo largo de diez años. Su trabajo como escritora y cineasta ha sido emitido por la BBC, expuesto en la Bienal de Venecia y publicado en E-Flux, entre otros muchos. Recientemente ha coescrito un libro sobre el futuro post-carbono de la arquitectura en el Reino Unido con el estudio de arquitectura Material Cultures, publicado por Mack Books.

Assemble es un colectivo multidisciplinar que trabaja en arquitectura, diseño y arte. Fundado en 2010 para llevar a cabo un único proyecto de autoconstrucción, han realizado desde entonces un conjunto de obras diversas y premiadas, manteniendo un método de trabajo democrático y cooperativo que permite realizar trabajos de construcción, sociales y de investigación a distintas escalas. Galardonados con el Premio Turner en 2016, y nominados en 2022 a la Royal Academy en reconocimiento a su contribución colectiva a la cultura de la creación de ciudades.

En esta segunda sesión nos centraremos en libros contemporáneos, analizando algunos ejemplos que han sido premiados en los últimos años.

¿Qué se considera actualmente un libro bien diseñado?

A través del veredicto del jurado de los premios LAUS y del «Best Book Design From All Over The World» podremos hacer un recorrido por el diseño editorial reciente y detectar cuáles son las tendencias en ese ámbito. Podremos valorar la adecuación entre forma y contenido y explorar el rol del diseñador en el proceso de creación de un libro.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Rewind and fastforward

Luna Maurer explicará la relación de Moniker con la tecnología en los últimos 20 años y su impacto en su práctica. Actualmente, Moniker está desarrollando una nueva visión y perspectiva de la tecnología, provocada por la rápida evolución reciente en este campo. La web pasó de ser una red democratizadora emancipadora a una infraestructura para el gran capital, la pantalla pasó de ser una interfaz de autoedición a una extensión fundamental de nuestra identidad. Luna compartirá sus últimos experimentos.

Luna Maurer es una artista de la interacción y el diseño de medios. Originaria de Stuttgart (Alemania), completó sus estudios en Rietveld Academie y Sandberg Instituut de Ámsterdam. Junto con Roel Wouters, dirige el estudio Moniker, con sede en Ámsterdam. Moniker es conocido por ser el autor del Manifiesto de Diseño Condicional (junto con Edo Paulus y Jonathan Puckey). Luna Maurer ha impartido cursos sobre medios de comunicación en Rietveld Academie, Sandberg Instituut, KABK, HfG de Karlsruhe y Yale University School of Art.

Dahyun hablará de cómo podemos convertir lo analógico en digital y explorar las posibilidades de la web. Además, ¿cómo podemos crear sitios web emocionantes de formas inesperadas? ¿Y cómo podemos utilizar las herramientas en línea para mejorar la comunicación hoy en día?

Dahyun Hwang es diseñadora gráfica. Estudió Comunicación Visual en la Universidad de Seúl (Corea) y terminó su máster en la Universidad Bauhaus de Weimar (Alemania). Piensa en cómo podemos conectar lo analógico y lo digital. También es co-iniciadora de HHHA, un colectivo de código creativo. Ha participado en la exposición «Post Modern Child», en el MoCA de Busan, y en la exposición «Post IT», en Tokio. Sus obras han aparecido en Monthly Design, It’s Nice That, CA Magazine, etc.

HHHA (Hej Hello Hallo Annyeong) es un colectivo de código creativo en el que creadoras se reúnen para compartir y explorar obras basadas en la web. Dahyun Hwang co-inició HHHA con Naree Shin, y reunieron a otras compañeras de equipo que viven en diversos lugares como Alemania, Dinamarca y Corea.

Conservar significa cuidar. Literalmente. En el caso del diseño, estos objetos -y las exposiciones en las que aparecen- hablan del impulso humano hacia el progreso, del liderazgo creativo, de las economías materiales y de las innovaciones tecnológicas. Pero, ¿qué significa el comisariado en el ámbito del diseño en el siglo XXI? ¿Cómo pueden las exposiciones y los libros contribuir a fomentar sociedades más justas, social y ecológicamente sostenibles? En su conferencia, ofrecerá una visión de la práctica del comisariado y de las cuestiones más amplias que pueden influir en la forma de presentar, debatir y practicar el diseño en el futuro.

Viviane Stappmanns es conservadora del Vitra Design Museum de Weil am Rhein. Está interesada en explorar la contribución que los comisarios pueden hacer para repensar el diseño como una práctica preocupada por la sostenibilidad ecológica y social. En su trabajo de exposición y docencia, experimenta con nuevos enfoques colaborativos de comisariado y exposición. Ha impartido clases en diferentes escuelas y universidades, entre ellas la Escuela de Arquitectura y Diseño Urbano de la Universidad RMIT de Melbourne (Australia) y, más recientemente, la Universidad de Arte y Diseño de Karlsruhe.

Antes de trabajar en el Vitra Design Museum, Viviane ha trabajado como editora y comisaria en contextos de arquitectura y diseño en Australia y Alemania, y es licenciada en Diseño de Interiores y Periodismo.
La exposición «¡Aquí estamos! Mujeres en el diseño 1900 – ¡Hoy!» (2021) se inaugurará en el Museo del Diseño de Barcelona en octubre de 2023. Actualmente está trabajando en la exposición itinerante internacional «Garden Futures», que se inaugurará en el Vitra Design Museum en la primavera de 2023.

Folch Ecosistema creativo. Acid House (centro de innovación creativa y empresarial en Barcelona y Madrid), White Horse (producción creativa), Avanti Studio (city branding & way finding ), NOW (innovación y transformación digital), Creative Services (fashion y e-commerce), PILLS (educación digital), Gallery Studio (nuevos formatos musicales), G.Records (sello discográfico), Gallery (innovación musical), Eldorado Agency (agencia creativa outdoor), J.Franc (visualización 3D y soluciones AR/VR), FFF (fundición tipográfica digital) y Self (gestión del talento).

Presentación del Fondo de Reserva Enric Bricall, una colección de libros que por su diseño y tipografía, representa la excelencia en el diseño editorial del siglo XX. Haremos un recorrido histórico desde el 1900 hasta la Postmodernidad, pasando por las vanguardias de entreguerras, la Nueva Tipografía y la gráfica suiza.

Veremos algunos libros representativos de cada época y analizaremos sus características. Trataremos de comprender dónde reside su importancia y porqué han pasado a la historia del diseño gráfico convirtiéndose en ejemplos canónicos del diseño editorial del siglo pasado.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

A nosotros, los humanos, nos cuesta crear empatía hacia grandes cantidades de información. ¿Cómo resolvemos estos retos cuando los problemas a los que nos enfrentamos hoy en día son tan intrínsecamente grandes, interconectados, perversos y globalizados? En esta charla, exploraremos algunos humildes experimentos realizados para superar esta falta de empatía a través del arte, la tecnología y las experiencias participativas.

Pau Garcia es diseñador de medios y cofundador de Domestic Data Streamers, un estudio de 25 personas que desde 2013 se centra en la creación de infoexperiencias. También dirige el Master in Data Design en Elisava. Es profesor invitado en The New School (NYC), Hong Kong Design Institute, el Royal College of Arts (Londres), el Politécnico de Milán y la Escuela de Economía de Barcelona. Construyó y vive permanentemente en la residencia para artistas HeyHuman! y forma parte del Colectivo Posttraumatic. No suele hablar en tercera persona.

Domestic Data Streamers es un estudio premiado que explora cómo expresar los datos a través del cine, la robótica, el código, el teatro o la arquitectura en escuelas, prisiones, cines, las calles de muchas ciudades e incluso la sede de las Naciones Unidas. Trabajan para marcas comerciales y todo tipo de instituciones de la vieja y la nueva escuela. Creen de verdad que los datos pueden ser un verdadero desencadenante del cambio y tender puentes en una sociedad polarizada.

Pràctica: Graphic Hunting

Examinar la realidad nos permite entender el potencial creativo que puede haber detrás de cualquier cosa que nos envuelve; En esta sesión analizaremos, a partir de una serie de case studies de los últimos proyectos de Pràctica, como todo lo que nos rodea puede llegar a ser una fuente inagotable de inspiración si nos prestamos y prestamos atención.

Anna Berbiela

Diseñadora gráfica, directora creativa e ilustradora afincada en Barcelona. Anna Berbiela es cofundadora, junto a Javier Arizu, Carlos Bermúdez y Albert Porta, del estudio de diseño Pràctica. Con sede en Barcelona y Nueva York, Pràctica es un estudio que cree que el diseño es un proceso que implica investigar, pensar, compartir, desafiar… y luego darle forma a todo esto.

Pràctica es un estudio de diseño e identidad con sede en Barcelona y Nueva York que busca revelar la verdad particular de cada marca. Al simplificar la complejidad y dar forma a los conceptos, crea un trabajo que busca tener sentido.

Hacer un libro significa emprender una tarea compleja y eminentemente colectiva. En ella, además de quienes crean contenido, lo diseñan y lo imprimen, deben implicarse otros roles y saberes cuya participación no siempre resulta visible desde fuera. Durante la sesión se repasarán los agentes implicados en la producción editorial, y también los distintos equilibrios que pueden establecerse entre ellos a lo largo del proceso de trabajo.  

En su trayectoria profesional, Mela Dávila Freire ha compaginado el trabajo institucional –en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y el Museo Reina Sofía, entre otros museos– con la investigación, la escritura, la edición y el comisariado. Entre los temas objeto de su interés se cuentan las superposiciones teóricas y prácticas entre archivo y colección de arte, los sesgos ideológicos en las estructuras archivísticas y la revisión feminista del género de las publicaciones de artista.

Su libro más reciente, Mission and Commission: documenta and the Art Market, 1955 – 1968, versa sobre la relación de las primeras documentas con el incipiente mercado del arte a través de la edición de múltiples y obra gráfica.

Blanding, The Branding Paradox

Las marcas son como las personas. Algunas son discretas, otras ruidosas, otras divertidas. Unas se comunican ¡exclamando!, otras tienen una gramática terrible. Las marcas no se crean en el vacío, son producto del mundo que las rodea. En relación a los puntos fuertes y débiles de la competencia, una marca es tanto lo que no es como lo que es. El punto es la diferenciación; eso es la marca. Me desconcierta la epidemia actual de lo que yo llamo «blanding», es decir, marcas diseñadas no para destacar, sino para integrarse. Con resultados anodinos.

Thierry Brunfaut es director creativo y uno de los socios fundadores de Base Design, la red internacional de estudios de branding con sede en Bruselas, Nueva York, Ginebra y Melbourne. Es autor de la conocida serie 5–Minute poster, profesor y ponente habitual en conferencias de diseño y branding en todo el mundo. Thierry tiene un sorprendente y aparentemente contradictorio parecido con Moby y con la rana Gustavo.

Base Design crea marcas con impacto cultural. Nuestro equipo de creativos, estrategas y expertos digitales diseñan y desarrollan marcas simples pero poderosas, y construyen personalidades únicas.

Base sabe que el branding tiene que ver sobre todo con las personas, por lo que se especializa en ayudar a las empresas -ya sean nuevas o establecidas; grandes o pequeñas- a convertirse en marcas centradas en el ser humano con visión, claridad y empatía. La empresa ha evolucionado a lo largo de los años y ahora está dirigida por socios de los cuatro estudios. 

La obra de las diseñadoras Muriel Cooper e Irma Boom sirve para reflexionar sobre el fenómeno del diseñador como autor. Learning from Las Vegas fue uno de los textos seminales de la arquitectura posmoderna, pero el diseño del libro fue motivo de enfrentamiento entre sus autores y Muriel Cooper debido a la falta de adecuación entre fondo y forma. Un caso similar es el de Irma Boom, que reivindica su autonomía creativa en el proceso de creación del libro. Dos personalidades muy fuertes que refutan la imagen del «diseñador invisible».

Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

Off track

En esta conferencia, Vrints-Kolsteren te adentrará en su proceso creativo. Desde sus fuentes de inspiración hasta la forma de construir sistemas visuales.

Como un juego, una identidad visual se construye a partir de un conjunto de reglas. La forma de aplicar estas reglas determinará el resultado final. El truco es navegar libremente dentro del juego, como un viajero que se desvía del camino pero tiene un mapa para sentirse seguro.

Vrints-Kolsteren es un estudio de diseño con sede en Amberes fundado por Vincent Vrints y Naomi Kolsteren en 2015, que trabaja tanto a nivel local como internacional. El sello del estudio es el desarrollo de identidades visuales con un claro y fuerte enfoque en la tipografía. Al trabajar en una identidad, crean un sistema, un conjunto de reglas, que puede evolucionar con el tiempo.
Además, el tratamiento de lo orgánico frente a las formas rudimentarias y las líneas rectas es una narrativa recurrente dentro de su práctica.

Vrints-Kolsteren hace hincapié en la colaboración y le gusta trabajar estrechamente con sus clientes. No quieren ver al cliente como un cliente, en el sentido estricto de la palabra, sino que consideran que todas las partes son iguales.
Vrints-Kolsteren está influenciada por el periodo modernista, con claras referencias a esa época, a sus diseñadores y artistas, lo que puede apreciarse pronto en su atención por la forma, el trazado de líneas y, sobre todo, el uso de cuadrículas y conjuntos de reglas.

En los años sesenta se empezó a cuestionar el canon moderno. El malestar social y los movimientos contraculturales se trasladaron al diseño gráfico. Una nueva estética alejada de la retícula suiza dio paso a composiciones tipográficas lúdicas que conectaban con las «palabras en libertad» de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, especialmente el Futurismo y el Dadaísmo. Robert Massin, en Francia, y Corita Kent, en Estados Unidos, dominaron con maestría el uso de la palabra impresa en sus creaciones.

Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

En esta charla, la artista y diseñadora, Sarah Boris, hablará sobre su cambio de práctica, desde ser diseñadora interna y directora de arte para algunas de las principales instituciones de arte en el Reino Unido, hasta crear su propio estudio en 2015. Presentará algunos de sus proyectos personales y no comerciales que han dado forma a su práctica y están informando de nuevas direcciones, incluyendo proyectos autopublicados como ‘Global Warming Anyone?’, o su libro de artista ‘Le Théâtre Graphique’ y su último diseño escultórico de banco en forma de corazón.

Sarah Boris es una artista y diseñadora gráfica afincada en Londres. Después de trabajar durante más de diez años para organizaciones como Phaidon, el Barbican Centre y el Institute of Contemporary Arts, se estableció por su cuenta en 2015, centrándose en las identidades visuales, el diseño editorial y el desarrollo de su práctica artística personal. Entre sus clientes se encuentran The Photographers’ Gallery, Tate, The National Gallery y Christie’s, entre otros.

Paralelamente a los proyectos por encargo, Sarah crea obras de arte serigrafiadas durante las residencias de artistas. Su obra fue adquirida por el Museo Stedelijk de Ámsterdam y se expuso en el Museo del Diseño de Londres y en Une Saison Graphique, en Le Havre (Francia). Fue presidenta del jurado de diseño de libros del D&AD en 2016 y forma parte del jurado de diseño gráfico de los Premios Latinoamericanos de Diseño 2022.

La gráfica suiza lideró la escena internacional después de la Segunda Guerra Mundial. En los años 50 y 60, el estilo suizo, una versión refinada de la Nueva Tipografía, se convirtió en la solución universal para cualquier necesidad de comunicación visual, desde el diseño de libros hasta el de carteles, pasando por la publicidad y la imagen corporativa. Max Bill y Karl Gerstner, entre otros muchos, crearon un sofisticado lenguaje enraizado en la vanguardia para comunicar con la sociedad de consumo.

Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

Influenciada tanto por el feminismo como por la tipografía suiza, Lucienne compartirá su viaje por el diseño gráfico desde el afán utópico hasta el dilema distópico. Siempre ha considerado el diseño gráfico como un acto político. Al principio este mensaje fue recibido con incredulidad, pero cuando su libro Good: An Introduction to Ethics in Graphic Design salió a la calle, el tema fue entrando en la agenda. Desde entonces, ella y sus colegas han comisariado y diseñado exposiciones sobre el diseño gráfico en la salud y la política (Can Graphic Design Save Your Life?

y Hope to Nope: Graphic Design and Politics 2008-18) y han trabajado en múltiples campañas de ONGs, han ayudado a difundir el cambio climático y, más recientemente, han desarrollado la instalación Perhaps it’s not you, it’s me. en la que Lucienne contempla la posibilidad de «dejar» a su pareja de toda la vida, el diseño gráfico.

 Aquí explica por qué el divorcio era una opción, defiende el valor del diseño gráfico y reflexiona sobre lo que todos debemos hacer a continuación.

Lucienne Roberts es fundadora del estudio de diseño LR+ y cofundadora de la iniciativa de reivindicación GD&. Graduada por la Central Saint Martins, la práctica de Lucienne se caracteriza por su permanente interés en el diseño ético. El trabajo de LR+ abarca el diseño de exposiciones, libros e identidad corporativa. GD& crea libros y exposiciones vívidas que exploran cómo el diseño gráfico se conecta con todas las demás cosas. Sus proyectos incluyen la creación y la co-curación de dos exposiciones aclamadas por la crítica en Londres.

Lost in Translation

Serge Rompza

Después de graduarse en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam, Serge Rompza cofundó el estudio de diseño NODE en Berlín y Oslo en 2003, junto con Anders Hofgaard. Las dos oficinas trabajan de manera colaborativa en identidad, editorial, exposiciones y proyectos interactivos. La lista de clientes incluye Haus der Kulturen der Welt Berlin, Vitra, MIT Program in Art, Culture and Technology (ACT), Pabellón de Lituania / La Bienal de Venecia, Office for Metropolitan Architecture (OMA). Desde 2004, ha enseñado regularmente en academias de arte y diseño en toda Europa.

Systemic Type Design

Martin Lorenz

bien podría haberse convertido en cocinero, dibujante de cómics o arquitecto, de no haber sido por unas prácticas en el estudio de diseño Müller + Volkmann. Lorenz estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Darmstadt y en la Real Academia de las Artes (KABK) de La Haya. Tras trabajar cuatro años en el estudio Hort, se trasladó a Barcelona para fundar TwoPoints.Net con Lupi Asensio y realizó su Máster y Doctorado en Investigación en Diseño en la UB. Lorenz da clases en Elisava desde 2006 y todavía le gusta cocinar.

Dos obras cruciales de la Nueva Tipografía, el movimiento de vanguardia que revolucionó el diseño gráfico del periodo de entreguerras. La disponibilidad cada vez mayor de la imagen fotográfica jugó un papel fundamental en este nuevo enfoque al diseño editorial. Moholy-Nagy, un miembro de la mítica Bauhaus, y Jan Tschichold, autor del libro de referencia Die neue Typographie, cambiaron radicalmente el aspecto de la página impresa produciendo un impacto duradero cuyos efectos continúan hasta el día de hoy.

Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

La conferencia habla de las diversas pruebas a las que nos enfrentamos cuando intentamos ampliar el alcance de nuestra capacidad dentro de los entornos web cuestionando las plantillas de diseño estándar. La charla presenta Anti-User-Friendly, un proyecto en curso que desafía el concepto de facilidad de uso mediante la creación de un sitio centrado en el contenido. Las herramientas web funcionan como un puente que conecta al usuario y al dispositivo-sitio web para reducir la world wide web a una «village wide web» y transformar la web en un espacio ampliado.

Yehwan Song es diseñadora gráfica de páginas web.
Dirige su propio estudio de diseño independiente centrado en el uso estratégico de las tecnologías. Su trabajo incluye proyectos con múltiples organizaciones culturales, como ifa, LIMA Media Art, Rhizome, Typojanchi y el Museo de Arte de Seúl.
Ha participado en varias exposiciones: la Bienal de Venecia (pabellón coreano), la Bienal de Seúl (SBAU) y otras, y sus trabajos han aparecido en revistas como Étapes, Monthly DESIGN y It’s Nice That, entre otras.

Yehwan Song Studio es un estudio de diseño y desarrollo web que cuestiona las convenciones de diseño e interfaz estandarizadas que enmarcan el comportamiento de los usuarios y las plantillas que les hacen perder la conciencia del contenido y acostumbrarse a la simplificación. Construimos dispositivos e interfaces fuera del marco para desafiar la noción de facilidad de uso. Perseguimos la diversidad y la variedad en el entorno web por encima de la eficiencia.

Reflexionaremos a partir de algunos proyectos elaborados en 131 durante los últimos años, en los que partiendo de la tipografía se trabaja para recuperar la memoria local y colectiva.

Esteve Padilla.

Barcelona, 1983
Diseñador gráfico, mitad del estudio 131 y docente ocasional en diversas universidades. Licenciado en diseño gráfico en Eina (UAB).

131

(Pau Llop, Esteve Padilla) es una oficina de diseño gráfico con sede en Barcelona y Lleida. La tipografía entendida como imagen, forma o letra resulta un elemento sustancial en todos los proyectos que realizamos. Nuestro trabajo incluye dirección de arte, identidades, proyectos editoriales, sitios web y tipografía.

Pràctica: Proceso

Pràctica no tiene un estilo, pero sigue un proceso; En esta sesión, analizaremos, a través de los casos de estudio de los últimos proyectos del estudio, el proceso que sigue Pràctica para desarrollar su trabajo.

Anna Berbiela
Diseñadora gráfica afincada en Barcelona. Anna fundó el estudio Pràctica junto a Javier Arizu, Carlos Bermúdez y Albert Porta en 2018. Con oficinas en Barcelona y Nueva York, Pràctica es un estudio que trabaja para clientes institucionales, culturales y comerciales, desarrollando proyectos de comunicación en materia impresa, digital y medioambiental.

Pràctica es un estudio de diseño integral con sede en Barcelona y Nueva York. Trabajando para clientes institucionales, culturales y comerciales, siempre busca conceptos potentes, códigos visuales audaces y soluciones personalizadas para cada proyecto. Esto se traduce en un trabajo muy ecléctico; su estilo es la falta de uno, es encontrar la mejor solución para cada proyecto.

The act of making something public

Esta sesión aborda los métodos, herramientas e implicaciones de las actividades de publicación.

– ¿Qué hace/significa la publicación? ¿Y cómo va a existir/circular?

– ¿Cómo logra sus aspiraciones a través de la forma?

– ¿Cómo se unen el contenido, el concepto editorial y el diseño?

– ¿Cómo pensar la publicación como complemento y suplemento de las prácticas de trabajo?

– ¿En qué términos puede «hacer público» actuar como herramienta para poner en común intereses y preocupaciones?

Book Bindery

La BB permite la producción de libros y publicaciones en pequeñas ediciones y manipulaciones específicas de papel y cartón. Todos los procesos se realizan siempre de forma totalmente manual y ampliando los límites de lo posible.

Además de ser un taller técnico, la BB funciona como un punto interdepartamental en nuestra institución. Creemos que la práctica editorial es un proceso emancipador. Apoyamos proyectos como PUB.sandberg.nl, Radio Rietveld y Rietveld Journal.

Miquel Hervás Gómez

(Terrassa, 19 de abril de 1985). Diseñador gráfico autónomo afincado en la www. Funcionando como jefe de taller en la BB. Tutor de Disarming Design en el Sandberg Instituut y del Curso Preparatorio en la Gerrit Rietveld Academie, a la vez que miembro de fanfare y Carne Kids.

fanfare se creó al observar un contexto, una red, en la que las interacciones entre el diseño y el arte dieron lugar a proyectos que no encajaban en las plataformas de presentación existentes. fanfare crea un marco para conectar las estructuras ya existentes. Lo que ocurrió orgánicamente en este contexto fue la creación de nuevas estructuras, nuevas redes, nuevas iniciativas. En el contexto actual nos permitimos hablar de fanfare como marco para la publicación (no) física.

fanfare es una plataforma y un estudio de diseño para la colaboración interdisciplinar y la comunicación visual. A través de un programa activo, fanfare genera, explora y comisaría entornos para interacciones visuales.
Desde sus inicios en 2014, fanfare ha creado un espacio único para experimentos, exploraciones y colaboraciones en el ámbito del diseño gráfico y disciplinas afines. A través de su investigación y práctica de diseño, fanfare agudiza y desafía la noción de comunicación visual.

Miquel Hervás Gómez

(Terrassa, 19 de abril de 1985). Diseñador gráfico autónomo afincado en la www. Funcionando como jefe de taller en la BB. Tutor de Disarming Design en el Sandberg Instituut y del Curso Preparatorio en la Gerrit Rietveld Academie, a la vez que miembro de fanfare y Carne Kids.

Ruben Pater (1977, NL) trabaja entre el periodismo y el diseño gráfico. Bajo el nombre de Untold Stories, Pater crea narrativas visuales que apoyan la solidaridad, la justicia y la igualdad. Pater se siente diseñador en una época en la que el diseño es lo último que necesita el mundo. Hasta que se presenten enfoques más éticos, diseña, escribe y enseña. Es tutor de grado en diseño gráfico y del MA Non Linear Narrative de la KABK. The Politics of Design, es su primer libro sobre el sesgo cultural en el diseño gráfico. Su segundo libro CAPS LOCK analiza el papel del diseño gráfico en el capitalismo.

CAPS LOCK El capitalismo no podría existir sin las monedas, los billetes, los documentos, los gráficos, las interfaces, las marcas y los anuncios; artefactos que han sido creados (en parte) por los diseñadores gráficos. Incluso las estrategias anticonsumistas, como el diseño social y el diseño especulativo, se están apropiando en las sociedades capitalistas para servir al crecimiento económico. Parece que el diseño está atrapado en un sistema de explotación y beneficio, un ciclo que fomenta la desigualdad y el agotamiento de los recursos naturales. 

CAPS LOCK utiliza un lenguaje claro y llamativos ejemplos visuales para mostrar cómo el diseño gráfico y el capitalismo están inextricablemente unidos. El libro contiene muchos estudios de casos de objetos diseñados relacionados con sociedades y culturas capitalistas, y también examina cómo la educación y la práctica profesional de los diseñadores (gráficos) apoyan la economía de mercado y cómo la práctica del diseño está atrapada dentro de ese mismo sistema.

Dos horas de semántica, política y diseño gráfico, debidamente ilustradas con trabajos de Bendita Gloria.

Santi Fuster

Diseñador gráfico.

50% de Bendita Gloria.

Bendita Gloria es un estudio de diseño formado por Alba Rosell y Santi Fuster. Centrado en proyectos editoriales y de identidad, su trabajo ha despertado cierto interés a raíz de su particular enfoque conceptual. Desde 2007 Bendita Gloria persigue que sus proyectos devengan un interesante material de lectura.