Joost Grootens es un diseñador gráfico neerlandés reconocido por su enfoque innovador en el diseño de libros, especialmente en el ámbito de los atlas y las obras de referencia. Su trabajo se caracteriza por la habilidad en presentar información compleja de manera accesible y visualmente atractiva promoviendo la idea de que el diseño debe servir al contenido y no competir con él. Emplea infografías, gráficos y mapas para simplificar y organizar grandes cantidades de datos dirigidos sobre todo a un público científico y académico al que proporciona una navegación visual intuitiva que permite explorar el libro de manera no lineal. Veremos varios ejemplos de su obra que demuestran que este tipo de libros pueden ser funcionales y hermosos a la vez. Grootens sabe encontrar belleza en la información y poesía en los datos.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Creación de narrativas personales mediante IA y sonido

Inspirado en El manifiesto cyborg de Donna Haraway, este taller explora la intersección entre la creatividad humana y la inteligencia artificial a través de la creación musical inclusiva. Los participantes utilizan IA generativa musical para transformar textos personales y letras en canciones completas, sin necesidad de tener experiencia musical. El proceso hace hincapié en la autoexpresión, la identidad y la narración. La experiencia se extiende a la creación visual, ya que los participantes diseñan sencillos carteles animados o vídeos que reflejan los temas, las emociones y las palabras clave de sus canciones generadas por IA.

Tereza Ruller (ella) se identifica como madre, diseñadora de comunicación y educadora. Su estudio, The Rodina, explora las posibilidades espaciales e interactivas de los entornos virtuales e híbridos como espacios para nuevos pensamientos y estéticas que surgen de la intersección entre la cultura y la tecnología.

A través de su práctica independiente y su investigación doctoral en la Universidad de Leiden, examina enfoques performativos y críticos del diseño de comunicación, haciendo hincapié en el carácter lúdico, la participación y la relacionalidad. Al abordar las crisis ecológicas y sociales, busca desarrollar cambios colectivos de perspectiva.

Ruller es profesora de Diseño de Comunicación Digital en la HfG Karlsruhe y tutora de Narrativas Críticas en la Academia de Diseño de Eindhoven, donde fomenta prácticas de diseño contemporáneo que estimulan el pensamiento a través de la creación y exploran formas de interactuar con la tecnología, la sociedad y el medio ambient

An exploration of creative processes & custom workflows using visual algorithms

El taller presenta el enfoque experimental de Hamill Industries hacia la creación visual, que va más allá de las herramientas puramente digitales para adentrarse en los dispositivos de fabricación propia, los efectos prácticos y la experimentación manual. A partir de materiales cotidianos, la observación de la naturaleza y el diálogo entre las tecnologías analógicas y digitales, su práctica abarca diversas herramientas, como consolas de los años 80, osciloscopios, pigmentos, luz e inteligencia artificial. A través de estudios de casos y documentación entre bastidores, el seminario revela una metodología abierta, basada en el ensayo y el error, arraigada en una mentalidad artesanal y centrada en la creación de herramientas y procesos personalizados.

Con un fuerte énfasis en los trabajos recientes basados en la IA, el seminario invita a los participantes a tratar la IA generativa como un motor creativo flexible en lugar de como una caja negra. Utilizando plataformas de código abierto como ComfyUI y conjuntos de datos de construcción propia, los participantes exploran la creación de un «atlas visual de cuerpos imposibles», buscando la belleza en el error y la desviación de la estética estándar. El objetivo es fomentar la agencia creativa, el aprendizaje DIY y la exploración estética personal en la intersección entre lo real y lo algorítmico.

Hamill Industries (el dúo artístico formado por Pablo Barquin y Anna Diaz) crea películas, instalaciones y producciones teatrales. Inspirándose en el mundo físico, no solo reimaginan la esfera virtual, sino también la realidad. A caballo entre inventores e ilusionistas, sus proyectos son siempre obras muy sensoriales, independientemente del medio final. Su trabajo explora lo visual ampliado, comprometido con cuestionar y difuminar los límites entre lo digital y lo tangible. La flexibilidad transmedia se ve facilitada por una amplia investigación en talleres, en los que se desarrollan herramientas de última generación. Su visión pionera en torno al uso de la tecnología se ha ganado la confianza de colaboradores e instituciones, entre los que se encuentran el Ballet de San Francisco (con Tamara Rojo), Floating Points, el CCCB o Caixaforum, entre muchos otros.

How to Build Small-scale Autonomous Power Systems
Este taller introduce a los alumnos al diseño y la construcción de sistemas de energía renovable autónomos a pequeña escala y los dispositivos que funcionan con ellos. Se centra en habilidades prácticas como la construcción de instalaciones de energía solar, la creación de aparatos de calefacción alimentados por energía solar y la modificación de productos comerciales para que funcionen con electricidad solar de bajo voltaje. Un principio clave es evitar las baterías, que suelen ser la parte menos sostenible de los sistemas energéticos, mediante el diseño de aparatos y configuraciones eléctricas que puedan funcionar directamente con la energía solar variable.

Más allá de las habilidades técnicas, el taller promueve un enfoque ascendente para el diseño de energías renovables. En lugar de ampliar los sistemas renovables para apoyar estilos de vida basados en combustibles fósiles y con un alto consumo energético, los estudiantes aprenden a ajustar la demanda energética a las fuentes de energía disponibles localmente y de carácter intermitente. Esta mentalidad hace hincapié en el diseño dentro de unos límites y aborda cuestiones más amplias, como el cambio climático, la resiliencia y la seguridad energéticas, el consumismo, los residuos electrónicos, el derecho a la reparación y las prácticas de diseño circulares y sostenibles.

Kris De Decker es el autor de Low-tech Magazine, que cuestiona la idea de que todos los problemas requieren una solución de alta tecnología. Desde 2018, la revista funciona con un servidor alimentado por energía solar y se imprime desde 2019. Ha publicado investigaciones sobre la demanda de energía en la Universidad de Lancaster y es cofundador de Human Power Plant, que explora el uso de la energía humana. Desde 2016, colabora en el diseño de objetos inspirados en el pasado para orientar la tecnología hacia direcciones más sostenibles.

Collective Bookmaking Through Dialogue, Connection, and Risograph Printing

Bound Together es un taller interactivo basado en el diálogo que utiliza la conversación y la creación de libros con Risograph como herramientas para la conexión, la reflexión y la creación colectiva de significado. Creado en respuesta a los modos transaccionales de comunicación, invita a los participantes a reducir el ritmo, escuchar con atención y relacionarse entre sí como personas completas, en lugar de como roles o títulos. A través del diálogo en parejas y la creación práctica, el taller hace hincapié en la presencia, el cuidado y la experiencia compartida.

Basado en la investigación del psicólogo Arthur Aron sobre la intimidad e inspirado en prácticas artísticas dialógicas y pensadores como David Bohm y James Baldwin, el taller combina preguntas estructuradas con collage, impresión Risograph y encuadernación. Los participantes imprimen páginas que reflejan sus conversaciones y las ensamblan en un libro colaborativo. En lugar de dar prioridad al acabado o la productividad, Bound Together valora la experimentación, la escucha atenta y el acto radical de crear juntos.

Elaine López es una diseñadora, investigadora y educadora cubano-estadounidense cuyo trabajo utiliza la impresión, la autoedición y los talleres participativos para explorar la identidad cultural, la memoria, la diáspora y las relaciones entre Estados Unidos y Cuba. Centrada en la colaboración y la pedagogía, enmarca la edición como un acto político y relacional. Es profesora adjunta de Diseño de Comunicación en Parsons y dirige LoPress Press, colaborando con instituciones y realizando exposiciones, conferencias y talleres a nivel internacional.

An AI + Arduino Creative Technology Experience for Artists

En este taller de cuatro días, los artistas colaboran con IA y Arduino para crear plantas reactivas que brillan, se mueven y cantan, formando un jardín compartido de luz, movimiento y sonido. Este taller práctico invita a los participantes a explorar la colaboración creativa entre humanos y máquinas a través del diseño y la construcción de un prototipo de planta viva.

Trabajando en pequeños grupos, los participantes crearán una planta escultórica que responde a la presencia humana mediante luz, sonido y movimiento. Cada planta se construirá sobre un marco físico compartido e incluirá componentes estructurales impresos en 3D, lo que garantiza la coherencia y deja espacio para la expresión creativa. El taller está diseñado para principiantes, no se requiere experiencia previa en programación o electrónica.

Los participantes aprenderán cómo se puede utilizar la IA como socio creativo a través de la «codificación de vibraciones», que ayuda a dar forma a la personalidad, el comportamiento, la paleta de colores y la narrativa de cada planta. Al final de la sesión, todas las creaciones se unen para formar un jardín interactivo colectivo, dando vida al concepto de co-creación entre humanos y máquinas. Los participantes saldrán con una comprensión práctica de la creatividad asistida por IA, los principios básicos del diseño interactivo y una experiencia tangible de la creación colaborativa.

Stephanie Rodríguez es una líder y educadora que trabaja en la intersección entre la tecnología y la experiencia humana. Con formación en ingeniería mecatrónica y un máster en sistemas interactivos inteligentes, su trabajo se centra en la IA ética y centrada en el ser humano. Ha dirigido y colaborado en proyectos de robótica e inteligencia artificial en múltiples organizaciones, con experiencia en robótica social, IA generativa, visión artificial, ciencia de datos y sistemas robóticos inspirados en las emociones.

Ricardo Lynch es diseñador de interacción digital e ingeniero apasionado por la tecnología, la política y la educación. Con experiencia en fabricación, electrónica y productos digitales con valor social, actualmente se centra en el diseño y desarrollo de productos en Futurity Systems. Antiguo subdirector de Exploratec UDD, donde tendía puentes entre la tecnología y los estudiantes de diseño e ingeniería, asesorando en proyectos. Profesor de talleres de interacción, robótica y prototipado en la UDD y OAS Dlab Global.

Building Human-Centered AI Products

Este taller intensivo de cuatro días presenta a los participantes el marco ASPIC, una metodología práctica y centrada en las personas para crear productos de IA que realmente importan. En lugar de empezar por la tecnología, este taller enseña a los participantes a comenzar por la empatía: identificar los problemas reales de los usuarios, diseñar interacciones de IA fiables y crear negocios de IA sostenibles. El marco significa: Atraer, Segmentar, Personalizar, Interactuar y Convertir. Los participantes saldrán con un prototipo funcional de un producto de IA, validado por usuarios reales, y una estrategia clara de comercialización.

Al finalizar este taller, los participantes serán capaces de: descubrir las verdaderas dificultades de los usuarios mediante entrevistas estructuradas, definir el valor de la IA en consonancia con resultados empresariales cuantificables, diseñar interfaces de IA fiables utilizando los cinco momentos de la IA, desarrollar un MVP de IA funcional utilizando herramientas sin código o con poco código, testear mediante bucles de retroalimentación y validación de los usuarios, crecer utilizando el marco Bullseye para una estrategia centrada, monetizar con modelos de precios diseñados para productos de IA, construir de forma responsable con la ética, la privacidad y la confianza como fundamentos.

Vibe coding es el arte de crear productos de IA con personalidad e intención. Va más allá de la automatización mecánica para crear sistemas de IA que parecen inteligentes, receptivos y realmente útiles. A través del diseño cuidadoso de indicaciones, interfaces y bucles de retroalimentación, los participantes aprenden a crear productos de IA que no solo funcionan, sino que también generan empatía. Las técnicas clave de codificación de vibraciones incluyen: creación de indicaciones, diseño de personalidad, microinteracciones, señales de confianza y sistemas de retroalimentación.

Germán León es futurista, experto en IA y UX, emprendedor y asesor. Es fundador y director ejecutivo de Helvetica Digital y fundador de Gestoos, una startup de visión artificial adquirida por Preact. Con un máster en Diseño de Interacción por la Universidad de Umeå y formación en Diseño de IA en el MIT, ha liderado la innovación en Oblong Europe y Vodafone Group. Actualmente dirige programas de máster en IA y UX en Elisava. En este taller práctico, su objetivo es proporcionar a los estudiantes herramientas claras y aplicables para desarrollar y llevar a cabo sus propios proyectos.

Regina Dos Santos es diseñadora de UX/UI y desarrolladora front-end centrada en productos digitales centrados en el usuario. Su perfil híbrido combina diseño, tecnología y estrategia, vinculando el concepto con la ejecución. Abarca todos los procesos de UX/UI (investigación, flujos, arquitectura de la información, prototipos, diseño de interfaces y pruebas) guiándose por la claridad, la usabilidad y la coherencia visual. Como desarrolladora front-end, trabaja en el ecosistema de Google Cloud, utilizando Firebase, servicios en la nube y API para crear aplicaciones escalables y listas para la producción. Colabora con equipos multidisciplinares, tendiendo puentes entre el diseño y la tecnología con una mentalidad experimental y orientada al producto. En el taller, Regina presenta un enfoque práctico que combina UX, UI, código e IA.

Expert beginners

En algunos campos, como por ejemplo la programación, a menudo se considera negativamente a un «principiante experto»: alguien que no tiene habilidades reales, pero se comporta como un profesional. Sin embargo, para mí, el término «principiante experto» suena como un oxímoron divertido. Veo a un principiante experto como alguien que ha adquirido la experiencia suficiente para manejar con confianza las tareas cotidianas, sin dejar de explorar los aspectos más profundos de su campo. Así es exactamente como me siento respecto a mi trayectoria en el diseño tipográfico: seguro de mí mismo al manejar lo que sé, pero consciente de que siempre hay más que aprender cada día.

Piero Di Biase es diseñador gráfico y tipográfico. Se formó en el sector de las artes gráficas y luego se convirtió en diseñador gráfico. Tras colaborar con varias agencias de diseño, en 2011 cofundó Think Work Observe, donde trabajó para clientes nacionales e internacionales hasta 2022, cuando lanzó Formula Type, una fundición digital independiente que produce y distribuye fuentes tipográficas minoristas y personalizadas. Desde 2017 es miembro de la Alliance Graphique Internationale (AGI).

Formula Type es una fundición tipográfica digital fundada en la región más lluviosa de Italia. Fórmula es una poción mezclada especialmente para quienes la beberán; fórmula es una ecuación química que conduce a un resultado. Esta idea lúdica pero precisa captura la doble alma de Formula Type. Su pasado fue el diseño gráfico y su presente es el diseño tipográfico, pero no hay una separación real entre el pasado y el presente. Nuestras fuentes se crean con una mirada flexible de diseñador y, en los quince años transcurridos desde nuestros primeros lanzamientos, han evolucionado libremente a través de la experimentación. Nuestro enfoque es el de principiantes expertos, siempre abiertos a nuevas colaboraciones y proyectos.

Irma Boom es una de las diseñadoras de libros más influyentes en el ámbito contemporáneo, conocida por su enfoque innovador y experimental en el diseño editorial. Boom desafía las convenciones y obliga al lector a interactuar con el libro de una manera diferente, reconsiderando su función y estructura. La diseñadora colabora estrechamente con los autores y editores de los libros que diseña influyendo no solo en la estética sino también en la narrativa visual y el contenido. Su obra ha supuesto una revalorización del libro como objeto físico, una experiencia imbatible respecto a los libros electrónicos. Veremos algunos de sus libros más importantes, como el dedicado a la artista textil Sheila Hicks, el libro invisible sobre Chanel o los diminutos catálogos consagrados a su propia obra.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Exploraremos tres revistas que fueron pioneras de una nueva forma de entender el diseño editorial: Colors (1991-1995), Nest (1997-2004) y Dot, dot, dot (2000-2010). Estas publicaciones supusieron un enfoque innovador tanto en el concepto como en el estilo. Colors, diseñada por Tibor Kalman, desafió los convencionalismos de la estrategia corporativa con una mezcla provocadora de imágenes y texto. Nest, editada y diseñada por Joseph Holtzman, aportó una visión irónica y sofisticada que cuestionó la noción de buen gusto imperante en las revistas de decoración al uso. Dot, dot, dot fue una peculiar revista sobre grafismo y cultura visual fundada por Peter Bilak que contribuyó a enriquecer el discurso en torno al diseño gráfico, demostrando que estaba profundamente conectado con otras disciplinas y aspectos del ámbito cultural.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

BTS: Design Twists

Desde la identidad visual del paseo artístico Balade hasta la fotografía minera, los fallos técnicos, las portadas de revistas editadas y las crisis climáticas tipográficas, navegamos por el mapa de proyectos de Studio Pandan. Miramos más allá de los resultados finales y nos fijamos en los muchos caminos que conducen a ellos. Para nosotros, el diseño es una práctica colaborativa, tanto dentro del estudio como en estrecho intercambio con clientes del mundo del arte, la literatura y la arquitectura. A veces, la primera idea se mantiene, pero lo más habitual es que el trabajo se desarrolle a través de un viaje sinuoso y transformador. Juntos, seguiremos los giros y vueltas de este proceso.

Ann Richter estudió comunicación visual en la Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart y diseño gráfico en la Academia de Bellas Artes de Leipzig. Antes de cofundar Studio Pandan, trabajó en agencias de diseño internacionales, como Graphic Thought Facility en Londres y Project Projects en Nueva York. Como cofundadora del colectivo A.R. practice, desarrolla proyectos en la intersección entre el diseño y el trabajo curatorial. Además de dirigir el estudio, imparte regularmente conferencias y talleres en instituciones de arte y diseño.

Studio Pandan, fundado por Pia Christmann y Ann Richter, es un estudio de diseño con sede en Berlín con un gran ojo para los detalles y una visión imaginativa. Creamos identidades visuales en medios impresos y digitales, así como publicaciones y sitios web, moldeadas por una investigación minuciosa, una sensibilidad lúdica y una claridad conceptual. Desde nuestros inicios en 2015, la tipografía ha sido nuestra herramienta principal. Activamente comprometidos con la cultura contemporánea, nos interesan especialmente los proyectos socialmente relevantes y sostenibles, ya que consideramos el diseño como una responsabilidad y un catalizador del cambio.

Paperclips

En su conferencia, el diseñador gráfico Bart de Baets mostrará una gran variedad de trabajos y explicará con más detalle cómo encuentran su forma y cómo se materializan finalmente. Aunque Bart dedica la mayor parte de su tiempo a trabajar en su estudio de Ámsterdam, también compagina esta actividad con un puesto de profesor a tiempo parcial en la Real Academia de La Haya, donde trabaja con los alumnos de primer año y con los que están a punto de graduarse. Su forma de enseñar y de preparar sus tareas se inspira en la transformación de las observaciones cotidianas (a veces obsesiones) en ejercicios educativos. Se anima a los estudiantes a pensar en ejecuciones formales que evoquen soluciones cercanas a la propia práctica de Bart, visualizando habilidades y voz editorial.

Aunque hoy en día aparece con menos frecuencia, la obra de Bart es conocida por incluir publicaciones de iniciativa propia, como Success and Uncertainty (junto con Sandra Kassenaar), Dark and Stormy (junto con Rustan Söderling) y Tabrat, un fanzine de 2022 en el que De Baets confiesa ser un acaparador de pestañas (solo en el teléfono, las pestañas del navegador de su ordenador portátil se abren brevemente y se cierran de nuevo con eficiencia) y las comparte aquí con nosotros en una encantadora publicación en formato A4. Sus habilidades editoriales no han caído en el olvido, y se demuestran con frecuencia en sus trabajos colaborativos para la tienda de libros de arte Page Not Found y el espacio expositivo Nest (ambos situados en la ciudad de La Haya). La charla en Elisava destacará todas estas obras, y muchas más, y ofrecerá una visión de la evolución de estos diseños mediante bocetos, referencias y numerosas fuentes de inspiración.

El diseñador gráfico Bart de Baets (1979, Knokke, Bélgica) reside en Ámsterdam. Su diseño para el programa de máster temporal del Instituto Sandberg, The Radical Cut Up, fue nominado para un Dutch Design Award. Como resultado, PostNL encargó a De Baets el diseño de una serie de sellos titulada «Talk to the Hand». Junto con Sandra Kassenaar, diseñó la exposición, la campaña y el catálogo de «Circulate», una exposición sobre adquisiciones de arte fotográfico en el Stedelijk Museum Amsterdam. Ambos también diseñan la identidad gráfica del Kunstmuseum Bochum. Diseñó «On the Necessity of Gardening: An ABC of Art, Botany and Cultivation» (2021), que se publicó paralelamente a «The Botanical Revolution», una exposición en el Centraal Museum de Utrecht. Ese año, la Stiftung Buchkunst otorgó al libro el máximo galardón en la categoría de Mejor Diseño de Libro de todo el mundo. En mayo de 2025 se publicó un segundo título de la serie, Mothering Myths, an ABC of Art, Birth and Care, para el que volvió a colaborar con las editoras Laurie Cluitmans y Heske ten Cate. Es profesor a tiempo parcial en el departamento de Diseño Gráfico de la Real Academia de Arte de La Haya y ha impartido clases en la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam durante quince años.

Formado por el famoso colaborador Will Holder, los pensadores tipográficos radicales de Experimental Jetset y creadores conceptuales como Linda van Deursen, Bart de Baets comenzó a pensar como un editor desde el principio de sus estudios de diseño gráfico, creando fanzines con y para sus compañeros, o redactando textos pegadizos para acompañar sus carteles y proyectos. Sus habilidades de diseño se nutrieron enormemente cuando trabajó con Maureen Mooren y Daniel van der Velden (ahora Metahaven), cuyo interés por el arte le inspiró. Para ellos, eso siempre parecía ser lo primero, y luego venía el diseño. Para las páginas de Archis (una revista de arquitectura, ahora Volume), se utilizaron los diseños de publicaciones periódicas existentes para dar forma al contenido de la revista, y a Bart le enseñaron a estudiar sus características, por lo que se convirtió en un excelente imitador.

A lo largo de los años, la obra de De Baets ha evolucionado enormemente, sobre todo gracias a algunas colaboraciones significativas. Algunas de las primeras colaboraciones memorables fueron las realizadas con Melanie Bonajo y Frank Koolen, dos artistas (entonces) afincados en Ámsterdam, no mucho mayores que él, cuya práctica le inspiró una idea sobre la que trabajar juntos y que, en cierto modo, dio inicio a la carrera de De Baets. Personas como Rustan Söderling y Sandra Kassenaar tienen una influencia similar y siguen siendo socios de diseño cruciales; ambos son buenos amigos hasta el día de hoy. Su influencia en algunas obras propias, como Dark and Stormy y Success and Uncertainty, es esencial para el enfoque de diseño y el lenguaje visual actuales de De Baets. Kassenaar y De Baets comparten hoy en día un estudio y trabajan juntos como diseñadores de forma habitual.

Sus diseños están muy arraigados en una especie de pensamiento conceptual, y su capacidad para pensar de forma editorial junto con los comisionados ha dotado a la obra de Bart de un carácter franco. Su trabajo es claramente lúdico y aparentemente intuitivo, dando la impresión de que los diseños podrían realizarse rápidamente o a mano. Sin embargo, cada uno de los diseños es una composición cuidadosamente elaborada según una serie de directrices y, a menudo, utiliza tipografía o elementos visuales que hacen referencia a cosas «encontradas» en la calle. Durante años, Bart ha sido profesor de diseño gráfico, trabajando a menudo con estudiantes de primer año y introduciéndolos en la profesión. Rodeado de otros diseñadores, programadores expertos, dibujantes de letras y magos del color, su enseñanza anima a explorar cómo es crear arte y diseño en el entorno actual, mostrando sus propias fascinaciones.