La escritura cuneiforme es uno de los primeros sistemas de escritura que incluye elementos logográficos que se conoce; se desarrolló en la antigua Mesopotamia con las civilizaciones sumería, acadia, asiria y babilónica. Desde entonces hasta nuestros días, estos sistemas de escritura han perdurado (chino mandarín), y han convivido con otros sistemas como son el silábico (Kana japonés), el alfabético (alfabeto griego), y el lineal (Hangul Koreano). Actualmente en la era digital, con la globalización, y la expansión en uso de lenguas con sistemas alfabéticos (inglés, español) ha hecho que las lenguas que utilizan modelos logográficos no crezcan y sean únicamente valorados en sus respectivas culturas, logrando así preservar valores históricos y de identidad cultural arraigados a la sociedad.

Un sistema de escritura logográfico es un tipo de sistema de escritura en el que cada símbolo o logograma representa una palabra completa o un concepto significativo. En este taller crearemos un nuevo sistema de escritura que esté directamente vinculado a la experiencia humana a partir de una serie de conceptos. Para ello, nos apropiaremos de las referencias culturales, visuales, históricas… de diferentes tribus étnicas existentes que nos darán un punto de partida a partir del cual los alumnos podrán desarrollar el ejercicio. Buscamos concienciar el valor cultural de la escritura como tal, explorando los límites conceptuales y formales, dando pie a la experimentación y la investigación. 

LEÓN ROMERO es un estudio de comunicación visual con sede en Barcelona fundado por Jorge León y Mikel Romero. El estudio aborda los proyectos a través de la dirección creativa y el diseño visual, ofreciendo soluciones audaces y funcionales tanto en el ámbito cultural como en el comercial, al tiempo que fusiona a la perfección los mundos físico y digital de una manera cohesiva.
Impulsado por el diseño tipográfico, LEÓN ROMERO ofrece una amplia gama de servicios, como identidad visual, campañas gráficas, diseño editorial y web, packaging y dirección artística. El estudio mantiene sólidas relaciones con una vibrante red de fotógrafos, ilustradores, editores y redactores, y realiza proyectos de todos los tamaños.

Typologies of Intuition, a conversation with Omar Sosa

India Mahdavi presenta una conversación que explora una práctica moldeada por una lectura atenta del lugar y la experiencia. Desde el minimalismo vernáculo de Siwa hasta su reinterpretación de la Villa Medici, su obra refleja un diálogo continuo entre el pasado y el presente, en el que cada proyecto surge de su contexto. La intuición guía este proceso como una forma de pensar flexible y humana que va más allá de las reglas fijas. En París, este enfoque se extiende a un ecosistema de espacios que lleva el estudio a la calle, fomentando el intercambio, la accesibilidad y nuevas formas de compromiso con una comunidad creativa más amplia.

India Mahdavi

El color define su obra. La ornamentación es su lenguaje. La forma es su gramática.
India Mahdavi crea ambientes que viven, respiran y deleitan: espacios en constante metamorfosis, moldeados por la luz, el estado de ánimo y la memoria. Con sede en París, de ascendencia iraní y egipcia, y criada en distintos continentes, encarna una sensibilidad políglota y policromática: una síntesis de culturas e historias destiladas en espacios, objetos y experiencias que dejan una impresión duradera en los sentidos. Su trabajo abarca el diseño de interiores, el mobiliario, la escenografía y las exposiciones, combinando rigor y alegría. Desde el taburete Bishop hasta Sketch en Londres y el Bar Nina en Milán, cada proyecto interactúa con su contexto y su cultura.

Studio India Mahdavi es un estudio multidisciplinar con sede en París que trabaja en interiores, mobiliario, exposiciones y escenografía. Pequeño, ágil y colaborativo, el estudio reúne a arquitectos, diseñadores y artesanos en un diálogo constante. Su ecosistema —showrooms, Project Room y Petits Objets— actúa como un laboratorio de ideas y experimentación. Cada proyecto se integra en su contexto, cultura y momento, desarrollando entornos sensoriales, expresivos y vivos. A través de colaboraciones con fabricantes líderes, el estudio amplía su visión a través de las disciplinas, creando espacios y objetos que despiertan alegría y experiencias compartidas.

En este showcase repasaré diferentes proyectos y experiencias que tienen que ver con las cosas que nos hacen felices en el estudio. Normalmente relacionadas con crear y pensar con los menos ingredientes posibles. También sobre repensar por qué hacemos lo que hacemos y regenerar la motivación por nuestra profesión.

Marc Castellví (Barcelona, 1989) es motion designer y director. Ha cofundado proyectos como No Más de Mamá (2012), Outro Studio (2014) y Abuela (2020-actualidad). En Abuela, se especializa en narrativas visuales, ayudando a los clientes a dar forma a sus historias, definir un lenguaje visual único y explorar nuevos lenguajes y formatos de producción.

Abuela es un estudio con sede en Barcelona formado por los directores creativos Kevin Sabariego y Marc Castellví.

Especializados en narrativas visuales, ayudamos a nuestros clientes a escribir su historia, crear un lenguaje visual único y producirlo por cualquier medio.
Aceptamos proyectos con un enfoque flexible, versátil y abierto.

Nadie hablará de ti como tu Abuela.

Paperclips

En su conferencia, el diseñador gráfico Bart de Baets mostrará una gran variedad de trabajos y explicará con más detalle cómo encuentran su forma y cómo se materializan finalmente. Aunque Bart dedica la mayor parte de su tiempo a trabajar en su estudio de Ámsterdam, también compagina esta actividad con un puesto de profesor a tiempo parcial en la Real Academia de La Haya, donde trabaja con los alumnos de primer año y con los que están a punto de graduarse. Su forma de enseñar y de preparar sus tareas se inspira en la transformación de las observaciones cotidianas (a veces obsesiones) en ejercicios educativos. Se anima a los estudiantes a pensar en ejecuciones formales que evoquen soluciones cercanas a la propia práctica de Bart, visualizando habilidades y voz editorial.

Aunque hoy en día aparece con menos frecuencia, la obra de Bart es conocida por incluir publicaciones de iniciativa propia, como Success and Uncertainty (junto con Sandra Kassenaar), Dark and Stormy (junto con Rustan Söderling) y Tabrat, un fanzine de 2022 en el que De Baets confiesa ser un acaparador de pestañas (solo en el teléfono, las pestañas del navegador de su ordenador portátil se abren brevemente y se cierran de nuevo con eficiencia) y las comparte aquí con nosotros en una encantadora publicación en formato A4. Sus habilidades editoriales no han caído en el olvido, y se demuestran con frecuencia en sus trabajos colaborativos para la tienda de libros de arte Page Not Found y el espacio expositivo Nest (ambos situados en la ciudad de La Haya). La charla en Elisava destacará todas estas obras, y muchas más, y ofrecerá una visión de la evolución de estos diseños mediante bocetos, referencias y numerosas fuentes de inspiración.

El diseñador gráfico Bart de Baets (1979, Knokke, Bélgica) reside en Ámsterdam. Su diseño para el programa de máster temporal del Instituto Sandberg, The Radical Cut Up, fue nominado para un Dutch Design Award. Como resultado, PostNL encargó a De Baets el diseño de una serie de sellos titulada «Talk to the Hand». Junto con Sandra Kassenaar, diseñó la exposición, la campaña y el catálogo de «Circulate», una exposición sobre adquisiciones de arte fotográfico en el Stedelijk Museum Amsterdam. Ambos también diseñan la identidad gráfica del Kunstmuseum Bochum. Diseñó «On the Necessity of Gardening: An ABC of Art, Botany and Cultivation» (2021), que se publicó paralelamente a «The Botanical Revolution», una exposición en el Centraal Museum de Utrecht. Ese año, la Stiftung Buchkunst otorgó al libro el máximo galardón en la categoría de Mejor Diseño de Libro de todo el mundo. En mayo de 2025 se publicó un segundo título de la serie, Mothering Myths, an ABC of Art, Birth and Care, para el que volvió a colaborar con las editoras Laurie Cluitmans y Heske ten Cate. Es profesor a tiempo parcial en el departamento de Diseño Gráfico de la Real Academia de Arte de La Haya y ha impartido clases en la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam durante quince años.

Formado por el famoso colaborador Will Holder, los pensadores tipográficos radicales de Experimental Jetset y creadores conceptuales como Linda van Deursen, Bart de Baets comenzó a pensar como un editor desde el principio de sus estudios de diseño gráfico, creando fanzines con y para sus compañeros, o redactando textos pegadizos para acompañar sus carteles y proyectos. Sus habilidades de diseño se nutrieron enormemente cuando trabajó con Maureen Mooren y Daniel van der Velden (ahora Metahaven), cuyo interés por el arte le inspiró. Para ellos, eso siempre parecía ser lo primero, y luego venía el diseño. Para las páginas de Archis (una revista de arquitectura, ahora Volume), se utilizaron los diseños de publicaciones periódicas existentes para dar forma al contenido de la revista, y a Bart le enseñaron a estudiar sus características, por lo que se convirtió en un excelente imitador.

A lo largo de los años, la obra de De Baets ha evolucionado enormemente, sobre todo gracias a algunas colaboraciones significativas. Algunas de las primeras colaboraciones memorables fueron las realizadas con Melanie Bonajo y Frank Koolen, dos artistas (entonces) afincados en Ámsterdam, no mucho mayores que él, cuya práctica le inspiró una idea sobre la que trabajar juntos y que, en cierto modo, dio inicio a la carrera de De Baets. Personas como Rustan Söderling y Sandra Kassenaar tienen una influencia similar y siguen siendo socios de diseño cruciales; ambos son buenos amigos hasta el día de hoy. Su influencia en algunas obras propias, como Dark and Stormy y Success and Uncertainty, es esencial para el enfoque de diseño y el lenguaje visual actuales de De Baets. Kassenaar y De Baets comparten hoy en día un estudio y trabajan juntos como diseñadores de forma habitual.

Sus diseños están muy arraigados en una especie de pensamiento conceptual, y su capacidad para pensar de forma editorial junto con los comisionados ha dotado a la obra de Bart de un carácter franco. Su trabajo es claramente lúdico y aparentemente intuitivo, dando la impresión de que los diseños podrían realizarse rápidamente o a mano. Sin embargo, cada uno de los diseños es una composición cuidadosamente elaborada según una serie de directrices y, a menudo, utiliza tipografía o elementos visuales que hacen referencia a cosas «encontradas» en la calle. Durante años, Bart ha sido profesor de diseño gráfico, trabajando a menudo con estudiantes de primer año y introduciéndolos en la profesión. Rodeado de otros diseñadores, programadores expertos, dibujantes de letras y magos del color, su enseñanza anima a explorar cómo es crear arte y diseño en el entorno actual, mostrando sus propias fascinaciones.

Beyond the Canon: Alternative Histories of Graphic Design

La historia del diseño no es algo inmutable: está determinada por la visibilidad, la selección y la repetición.
Este taller revisa el canon del diseño gráfico desde una perspectiva global, centrándose en diseñadores históricamente relevantes pero a menudo infrarrepresentados.

Cada estudiante investigará y retratará a un diseñador, situando su obra en su contexto cultural, político y tecnológico. En lugar de limitarse a presentar información biográfica, los participantes interpretarán críticamente y replantearán visualmente estas posiciones a través del diseño editorial y tipográfico.
Los trabajos resultantes no solo deben comunicar información, sino también responder visualmente a la actitud, los métodos de trabajo y el enfoque conceptual del diseñador.

Después de graduarse en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam, Serge Rompza cofundó el estudio de diseño NODE en Berlín y Oslo en 2003, junto con Anders Hofgaard. Las dos oficinas trabajan de manera colaborativa en identidad, editorial, exposiciones y proyectos interactivos. La lista de clientes incluye Haus der Kulturen der Welt Berlin, Vitra, MIT Program in Art, Culture and Technology (ACT), Pabellón de Lituania / La Bienal de Venecia, Office for Metropolitan Architecture (OMA).

Desde 2004, ha enseñado regularmente en academias de arte y diseño en toda Europa.

Modular approaches in Type Design: Resource or Restriction?

El taller explora las posibilidades que ofrece el módulo a la hora de estructurar formas tipográficas, cuestionando si actúa como marco de apoyo o como limitación creativa. A través del análisis de tipografías modulares históricas y contemporáneas, así como de la investigación del módulo en el arte, el diseño y la arquitectura, se guiará a los alumnos para que trabajen dentro de un sistema modular con el fin de diseñar una tipografía de gran tamaño. El objetivo es comprender cómo las estructuras predefinidas pueden generar lenguajes visuales coherentes sin dejar de dejar margen para la experimentación y la innovación expresiva.

Piero Di Biase es diseñador gráfico y tipográfico. Se formó en el sector de las artes gráficas y luego se convirtió en diseñador gráfico. Tras colaborar con varias agencias de diseño, en 2011 cofundó Think Work Observe, donde trabajó para clientes nacionales e internacionales hasta 2022, cuando lanzó Formula Type, una fundición digital independiente que produce y distribuye fuentes tipográficas minoristas y personalizadas. Desde 2017 es miembro de la Alliance Graphique Internationale (AGI).

Formula Type es una fundición tipográfica digital fundada en la región más lluviosa de Italia. Fórmula es una poción mezclada especialmente para quienes la beberán; fórmula es una ecuación química que conduce a un resultado. Esta idea lúdica pero precisa captura la doble alma de Formula Type. Su pasado fue el diseño gráfico y su presente es el diseño tipográfico, pero no hay una separación real entre el pasado y el presente. Nuestras fuentes se crean con una mirada flexible de diseñador y, en los quince años transcurridos desde nuestros primeros lanzamientos, han evolucionado libremente a través de la experimentación. Nuestro enfoque es el de principiantes expertos, siempre abiertos a nuevas colaboraciones y proyectos.

BTS: Design Twists

Desde la identidad visual del paseo artístico Balade hasta la fotografía minera, los fallos técnicos, las portadas de revistas editadas y las crisis climáticas tipográficas, navegamos por el mapa de proyectos de Studio Pandan. Miramos más allá de los resultados finales y nos fijamos en los muchos caminos que conducen a ellos. Para nosotros, el diseño es una práctica colaborativa, tanto dentro del estudio como en estrecho intercambio con clientes del mundo del arte, la literatura y la arquitectura. A veces, la primera idea se mantiene, pero lo más habitual es que el trabajo se desarrolle a través de un viaje sinuoso y transformador. Juntos, seguiremos los giros y vueltas de este proceso.

Ann Richter estudió comunicación visual en la Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart y diseño gráfico en la Academia de Bellas Artes de Leipzig. Antes de cofundar Studio Pandan, trabajó en agencias de diseño internacionales, como Graphic Thought Facility en Londres y Project Projects en Nueva York. Como cofundadora del colectivo A.R. practice, desarrolla proyectos en la intersección entre el diseño y el trabajo curatorial. Además de dirigir el estudio, imparte regularmente conferencias y talleres en instituciones de arte y diseño.

Studio Pandan, fundado por Pia Christmann y Ann Richter, es un estudio de diseño con sede en Berlín con un gran ojo para los detalles y una visión imaginativa. Creamos identidades visuales en medios impresos y digitales, así como publicaciones y sitios web, moldeadas por una investigación minuciosa, una sensibilidad lúdica y una claridad conceptual. Desde nuestros inicios en 2015, la tipografía ha sido nuestra herramienta principal. Activamente comprometidos con la cultura contemporánea, nos interesan especialmente los proyectos socialmente relevantes y sostenibles, ya que consideramos el diseño como una responsabilidad y un catalizador del cambio.

Backstories

Kathy Ryan seleccionará algunas de las fotografías que más le han marcado de entre todas las que ha publicado en las páginas de The New York Times Magazine durante los 39 años que ha trabajado allí. Compartirá la historia detrás de cada imagen para explicar cómo se gestó. Las fotografías abarcan una amplia variedad de temas, incluyendo noticias internacionales, historias sobre estilos de vida y cobertura cultural.

Ryan también mostrará y hablará sobre algunas de las fotografías de su serie Office Romance, que realizó durante la última década que trabajó en The NYTMAG. Son un poema de amor a sus compañeros de trabajo y una celebración de la luz radiante del edificio del New York Times, diseñado por Renzo Piano.

Kathy Ryan, directora de fotografía durante muchos años de la revista The New York Times Magazine, ha sido pionera en combinar la fotografía artística con el fotoperiodismo. Ha trabajado con los mejores fotógrafos del mundo en todos los géneros fotográficos. Regularmente incorporaba nuevos talentos a las páginas de la revista. Dejó The Times después de 39 años para centrarse en su propia obra artística, comisariar exposiciones, impartir un curso en Yale y dar conferencias.

En 2011, Ryan editó The New York Times Magazine Photographs, un libro histórico publicado por Aperture. La exposición que lo acompañaba, comisariada por Ryan y Lesley Martin, se inauguró en los Rencontres d’Arles en 2012, viajó al Museo FOAM de Ámsterdam, al Palau Robert de Barcelona y a la Universidad Católica de Santiago, y terminó su recorrido en la Aperture Gallery de Nueva York.

Ryan ha colaborado con ensayos y entrevistas en libros de los fotógrafos Lee Friedlander, Christopher Payne, Seydou Keïta, Paolo Pellegrin, Lynsey Addario, Jack Davison y Brian Finke. Fue editora de imágenes de Feeling the Spirit, de Chester Higgins.

Las fotografías y los vídeos de la revista han sido reconocidos con numerosos premios. Ryan recibió el premio Dr. Erich Salomon de la Sociedad Alemana de Fotografía en septiembre de 2025. Ryan recibió el premio a toda una vida del Museo Griffin de Fotografía en 2007; el premio anual de la Real Sociedad Fotográfica por sus servicios destacados a la fotografía en 2012; el premio Vision del Centro de Fotografía de Woodstock en 2014; y el reconocimiento a su contribución destacada a la fotografía de Creative Review en 2016. Ryan ha sido reconocida como Editora de Fotografía del Año por los Premios Lucie y Visa Pour l’Image. Ryan ganó dos premios Emmy por los vídeos que produjo para la serie Great Performers de la revista The New York Times Magazine. Kathy fue galardonada con el premio Spotlight del Centro Internacional de Fotografía en 2024.

Office Romance, un libro de fotografías de Ryan en el que aparecen sus compañeros de trabajo y la belleza y la poesía que se encuentran en la radiante luz del edificio del New York Times, fue publicado por Aperture en 2014. Esta obra se ha expuesto en Europa y Estados Unidos. Todas las fotografías de Ryan están realizadas con el iPhone.

Desde la perspectiva del diseño editorial contemporáneo, MacGuffin, Science of the Secondary y Apartamento proponen tres maneras de entender la revista como dispositivo narrativo y artefacto cultural. MacGuffin construye cada número en torno a un objeto cotidiano, desarrollando una identidad visual cambiante. De manera similar, Science of the Secondary explora el universo material de las cosas que nos rodean y que a menudo nos pasan desapercibidas. Por su parte, Apartamento apuesta por una estética deliberadamente informal, cercana y aparentemente espontánea, que rompe con la pulcritud tradicional de las revistas de interiorismo. Estas tres publicaciones evidencian cómo el diseño editorial es capaz de articular un discurso estético y conceptual alrededor de la cultura material.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Beyond walls: The renaissance of exhibition environments
¿Qué tienen en común un desfile de Balenciaga, un stand del MWC o la última exposición de Miró? Más de lo que parece a simple vista. Todos tratan de contar una historia a través del diseño de una experiencia. En esta sesión, exploraremos el diseño expositivo como un lenguaje en expansión que va más allá del museo y que, a través de la escenografía, la luz, el sonido o la tecnología, transforma historias en experiencias que se recorren, se comparten y se sienten.

En Gracias Grecia entendemos el entorno expositivo como un espacio de encuentro: emocional (a través del arte, el diseño, la escenografía, la iluminación o la participación) e intelectual, vinculado al contenido, al conocimiento y al debate. Nos interesa ese cruce entre experiencia y pensamiento, entre expresión colectiva y posicionamiento crítico. Ahí encajan nuestras habilidades y nuestra manera de trabajar.

A lo largo de nuestra trayectoria hemos desarrollado proyectos en formatos diversos: desde el diseño de un museo de 2.500 m² en el Port Vell de Barcelona hasta exposiciones en instituciones como CaixaForum o la Triennale de Milán, además de instalaciones experimentales y formatos híbridos que combinan artes digitales, teatro y experiencia expositiva.
En un contexto de sobrecarga informativa, polarización y transformación tecnológica constante, necesitamos entornos donde el conocimiento no solo se transmita, sino que se experimente y se cuestione colectivamente. El diseño expositivo da respuesta a esta necesidad mezclando pensamiento, forma, crítica y emoción.

En el panorama actual del diseño editorial, Emergence, Bill e Inque representan tres aproximaciones singulares a la revista como objeto cultural. Emergence Magazine, creada por Studio Airport, combina narrativa y fotografía en una experiencia calmada y sensorial. Bill, editada y diseñada por Julia Peeters, es un particular anuario de fotografia que propone una «lectura visual» de los artículos sin la distracción del texto. Por su parte, Inque, impulsada por Matt Willey, es una revista literaria de diseño impecable que invita a una lectura pausada. En conjunto, estas publicaciones evidencian cómo el diseño editorial contemporáneo trasciende la función informativa para convertirse en experiencia física, posicionamiento ideológico y exploración formal.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Exploraremos tres revistas que fueron pioneras de una nueva forma de entender el diseño editorial: Colors (1991-1995), Nest (1997-2004) y Dot, dot, dot (2000-2010). Estas publicaciones supusieron un enfoque innovador tanto en el concepto como en el estilo. Colors, diseñada por Tibor Kalman, desafió los convencionalismos de la estrategia corporativa con una mezcla provocadora de imágenes y texto. Nest, editada y diseñada por Joseph Holtzman, aportó una visión irónica y sofisticada que cuestionó la noción de buen gusto imperante en las revistas de decoración al uso. Dot, dot, dot fue una peculiar revista sobre grafismo y cultura visual fundada por Peter Bilak que contribuyó a enriquecer el discurso en torno al diseño gráfico, demostrando que estaba profundamente conectado con otras disciplinas y aspectos del ámbito cultural.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.