Systemic Type Design

El diseño tipográfico sistémico es más que diseñar fuentes. Un sistema tipográfico es una herramienta de diseño eficaz que ayuda a los diseñadores a crear. Si se hace

bien, el acto de escribir es el acto de diseñar sin necesidad de maquetar el texto. En este curso desarrollaremos un sistema tipográfico experimental que genera de forma casi automática fantásticas aplicaciones de diseño.

Martin Lorenz bien podría haberse convertido en cocinero, dibujante de cómics o arquitecto, de no haber sido por unas prácticas en el estudio de diseño Müller + Volkmann. Lorenz estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Darmstadt y en la Real Academia de las Artes (KABK) de La Haya. Tras trabajar cuatro años en el estudio Hort, se trasladó a Barcelona para fundar TwoPoints.Net con Lupi Asensio y realizó su Máster y Doctorado en Investigación en Diseño en la UB. Lorenz da clases en Elisava desde 2006 y todavía le gusta cocinar.

Los barrios del buen vivir: A Perspective from Tentative Design
¿Y si los diseñadores se equivocaran menos si dejaran de intentar acertar a la primera? Los barrios del buen vivir exploran una ciudad entendida no como objeto terminado, sino como laboratorio vivo: espacios que se prueban, se habitan, se evalúan y se transforman. La conferencia recorrerá la obra de Izaskun Chinchilla Architects y el libro Los barrios del buen vivir para preguntar qué ocurre cuando el diseño abandona la certeza y adopta la hipótesis, el ensayo y la adaptación. Una perspectiva desde el diseño tentativo para pensar el bienestar como algo que se experimenta colectivamente.

Izaskun Chinchilla, catedrática en la Bartlett School of Architecture, University College London (UCL) y miembro honorario del Royal Institute of British Architects (RIBA), integra ecología, cuidado y participación en su práctica, investigación y docencia. Su trabajo impulsa ciudades más justas y sostenibles. Combina diseño, pensamiento crítico y saberes culturales para promover una arquitectura pedagógica, cooperativa y orientada al bienestar común. Es autora de La ciudad de los cuidados (Catarata, 2021) y Los barrios del buen vivir (Catarata, 2026).

Izaskun Chinchilla Architects es un grupo de arquitectos liderado por Izaskun Chinchilla que reúne equipos interdisciplinares para cada proyecto. Su labor se enfoca en la optimización del comportamiento ambiental de la arquitectura, el espacio público, las instalaciones, el arte y los productos culturales, mediante la innovación. El compromiso público y la participación social son pilares de su práctica, que promueve la colaboración en la construcción de espacios compartidos y la toma de decisiones comunitarias sobre el uso, ubicación y características de los equipamientos diseñados.

An illustrated alphabet of vibrant matters

La Tigre concibe el diseño gráfico como un material vivo: formas que respiran, colores que vibran, signos que oscilan entre lo abstracto y lo figurativo. La charla compone un alfabeto ilustrado de las cualidades que guían el trabajo del estudio, desde la síntesis hasta el color, desde la investigación hasta el juego. Un viaje a través de formas y palabras, donde el lenguaje visual se convierte en un patio de recreo y cada elemento, por pequeño que sea, tiene algo que decir.

Luisa Milani es directora artística y cofundadora del estudio independiente de diseño gráfico LaTigre. Estudió en el Politecnico di Milano y, unos años más tarde, en 2009, fundó el estudio. Además de su actividad profesional, ha dedicado varios años a la docencia. Siempre en busca de lo sublime en el color y la forma, su enfoque del diseño es sólido y concreto, pero a la vez espontáneo, libre de restricciones o límites creativos. Se inspira en todo lo que la rodea, lo que convierte la intuición en un aspecto fundamental de su trabajo. Practicante de yoga desde hace mucho tiempo, aporta ese mismo equilibrio y conciencia a su trabajo creativo, dejando espacio para la serendipia, su lema.

La Tigre es un estudio de diseño gráfico fundado y dirigido por Luisa Milani y Walter Molteni, miembros de la AGI (Alliance Graphique Internationale). Desde 2009, el estudio desarrolla lenguajes visuales multifacéticos en los que la investigación formal se basa en la síntesis y en un uso vibrante del color, donde la frontera entre lo abstracto y lo figurativo se difumina en ocasiones. Colabora con entidades internacionales como Apple, Bitossi Home, Living y Abitare – Corriere della Sera, Max Mara, The New York Times, Phaidon y Wired USA. Además de los proyectos por encargo, el estudio lleva a cabo investigaciones experimentales en diversos medios.

Love me one time, two times … x times !

La conferencia no es una muestra convencional de proyectos seleccionados de nuestra práctica diaria, sino que pretende ofrecer una visión más amplia de la red de actores en la que opera b+ (bplus.xyz), cómo entendemos la forma contemporánea de ejercer la arquitectura y el alcance del trabajo de un arquitecto, y cómo abordamos nuestros proyectos; en resumen: quién es b+ y cómo trabajamos, cuáles son nuestros valores y cuál es nuestra concepción de nuestros deberes y responsabilidades como arquitectos.

Jonas Janke (Alemania, 1991) es arquitecto y socio de bplus.xyz (Berlín). Cuenta con una amplia experiencia en arquitectura y se formó como delineante arquitectónico antes de cursar sus estudios en Hamburgo, Estocolmo y Berlín. Adquirió una valiosa experiencia como tutor y asistente en diversos departamentos, entre ellos diseño y tipologías, construcción de edificios y diseño estructural. Formó parte del equipo 2038, el pabellón alemán en la 17ª Bienal de Arquitectura de Venecia 2021.

Sus primeras experiencias docentes incluyen estudios invitados en la Universidad de Innsbruck (Austria) y el Politecnico di Milano (Italia). Es invitado regularmente a dar conferencias y críticas invitadas en universidades, instituciones culturales e instituciones públicas. Se centra en los nuevos materiales y métodos de construcción ecológicos para proyectos de reutilización adaptativa y renovación, buscando soluciones técnicas y mecánicas pragmáticas y eficientes que utilicen los materiales y la construcción de forma reflexiva.

bplus.xyz (b+) es un estudio de arquitectura colaborativo (dirigido por Arno Brandlhuber, Olaf Grawert, Jonas Janke y Roberta Jurčić) que opera en la intersección entre la teoría y la práctica, utilizando diferentes medios y formatos. El estudio busca abordar los retos contemporáneos de nuestro tiempo, en particular los relacionados con la transformación socioecológica de los edificios existentes, ofreciendo soluciones económicamente viables.

b+ entiende la arquitectura como un proceso abierto y considera los edificios como parte de sistemas más amplios que requieren un enfoque sistémico. El estudio ve el marco dado de los edificios existentes y la legislación como una herramienta de diseño activa con potencial de transformación. Así, b+ celebra el potencial del entorno construido existente y pretende revelar y activar los potenciales latentes que hay en él.

b+ hace hincapié en el trabajo con diferentes actores y partes interesadas en el desarrollo de proyectos. El estudio valora sus conocimientos y experiencia y tiene como objetivo crear espacios para el intercambio y la colaboración. b+ busca promover un nuevo sistema de valores en la arquitectura, que haga mayor hincapié en la responsabilidad colectiva, el pensamiento sistémico y las soluciones ecológicas y económicamente viables.

El proyecto actual en el ámbito del activismo político es la iniciativa ciudadana europea HouseEurope! – HouseEurope! quiere crear incentivos que hagan de la renovación la nueva norma. Esto impulsará el mercado de la renovación y dará un nuevo valor a lo que ya existe. El objetivo es preservar los hogares y las comunidades, garantizar una industria de la construcción más justa y local, ahorrar energía y recursos, y preservar nuestros recuerdos e historias.

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secuencia, concepto, orden, cambio, materialidad, transformación, descubrimiento, juego… a partir de proyectos que se conectan entre sí y de un contexto diverso veremos qué procesos llevan a materializar una idea, o muchas, y cómo todo forma parte de lo mismo.

Jordi Queralt Suau es arquitecto, formado también en Bellas Artes, y centra su trayectoria en la construcción de narrativas a través del espacio. Entiende cada proyecto como una oportunidad de investigación, un proceso en el que una idea se transforma en un relato capaz de tomar forma física y convertirse en un espacio o dispositivo que comunica. Desde su estudio, Queralt Suau, su práctica se convierte en un ejercicio de artesanía donde confluyen el rigor técnico, la sensibilidad material y la solidez conceptual, transformando cada proyecto en una experiencia narrativa potente y singular.

Queralt Suau es un estudio que desarrolla proyectos arquitectónicos vinculados al ámbito escénico, las instalaciones efímeras, la museografía expositiva y los espacios de juego singulares en la ciudad.
A lo largo de su trayectoria ha colaborado con instituciones como el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, la Fundación ”la Caixa”, el Museo de Ciencias Naturales, el Mercat de les Flors y el Teatre Lliure. Su trabajo también se ha materializado en instalaciones en diversas ciudades y eventos internacionales, como el Fuorisalone de Milán, así como en la creación de elementos de juego únicos integrados en distintos espacios de Barcelona.

El fotolibro es uno de los medios más relevantes en la práctica fotográfica contemporánea. La creación de fotolibros es un proceso creativo que implica la secuenciación y la circulación de imágenes, y cuyo potencial se ve incrementado cuando se desarrolla en colaboración entre diferentes agentes, especialmente entre fotógrafos y diseñadores editoriales. En el taller de fotolibros fomentamos este enfoque colaborativo poniendo a ambas partes en contacto directo. Los alumnos tendrán la oportunidad de trabajar con series fotográficas reales, desarrollar propuestas de diseño editorial, presentarlas a los fotógrafos y recibir sus comentarios.

Se introduce a los estudiantes en el mundo del libro fotográfico para que comprendan el papel del director artístico en su producción. También adquirirán experiencia en la creación de narrativas visuales a través de la secuenciación de imágenes. Al final del taller, los estudiantes presentarán sus propuestas a los fotógrafos, explicando el proceso de diseño de sus libros, el formato y los materiales de la publicación, todo ello abordado como un trabajo colaborativo con sus compañeros de máster.

Jon Uriarte estudió Fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya y en el International Center of Photography de Nueva York, además de realizar un máster en Proyectos y Teorías Artísticas por PhotoEspaña y la Universidad Europea de Madrid. Ha expuesto en diversos centros y galerías de arte, tanto en muestras colectivas como individuales, entre los que destacan La Casa Encendida de Madrid, el Koldo Mitxelena de Donostia, el Studio 304 de Nueva York, el centro HBC de Berlín y la Sala d’Art Jove de Barcelona. Fue fundador de Widephoto, plataforma independiente dedicada al comisariado y actividades en torno a la fotografía contemporánea. Además, conceptualizó y coordinó durante 3 años DONE, el proyecto sobre reflexión y creación visual impulsado por Foto Colectania. Actualmente vive en San Sebastián, desde donde compagina el comisariado de los programas digitales de The Photographers’ Gallery con el comisariado del Festival Internacional de Imagen Getxophoto.

La escritura cuneiforme es uno de los primeros sistemas de escritura que incluye elementos logográficos que se conoce; se desarrolló en la antigua Mesopotamia con las civilizaciones sumería, acadia, asiria y babilónica. Desde entonces hasta nuestros días, estos sistemas de escritura han perdurado (chino mandarín), y han convivido con otros sistemas como son el silábico (Kana japonés), el alfabético (alfabeto griego), y el lineal (Hangul Koreano). Actualmente en la era digital, con la globalización, y la expansión en uso de lenguas con sistemas alfabéticos (inglés, español) ha hecho que las lenguas que utilizan modelos logográficos no crezcan y sean únicamente valorados en sus respectivas culturas, logrando así preservar valores históricos y de identidad cultural arraigados a la sociedad.

Un sistema de escritura logográfico es un tipo de sistema de escritura en el que cada símbolo o logograma representa una palabra completa o un concepto significativo. En este taller crearemos un nuevo sistema de escritura que esté directamente vinculado a la experiencia humana a partir de una serie de conceptos. Para ello, nos apropiaremos de las referencias culturales, visuales, históricas… de diferentes tribus étnicas existentes que nos darán un punto de partida a partir del cual los alumnos podrán desarrollar el ejercicio. Buscamos concienciar el valor cultural de la escritura como tal, explorando los límites conceptuales y formales, dando pie a la experimentación y la investigación. 

LEÓN ROMERO es un estudio de comunicación visual con sede en Barcelona fundado por Jorge León y Mikel Romero. El estudio aborda los proyectos a través de la dirección creativa y el diseño visual, ofreciendo soluciones audaces y funcionales tanto en el ámbito cultural como en el comercial, al tiempo que fusiona a la perfección los mundos físico y digital de una manera cohesiva.
Impulsado por el diseño tipográfico, LEÓN ROMERO ofrece una amplia gama de servicios, como identidad visual, campañas gráficas, diseño editorial y web, packaging y dirección artística. El estudio mantiene sólidas relaciones con una vibrante red de fotógrafos, ilustradores, editores y redactores, y realiza proyectos de todos los tamaños.

Typologies of Intuition, a conversation with Omar Sosa

India Mahdavi presenta una conversación que explora una práctica moldeada por una lectura atenta del lugar y la experiencia. Desde el minimalismo vernáculo de Siwa hasta su reinterpretación de la Villa Medici, su obra refleja un diálogo continuo entre el pasado y el presente, en el que cada proyecto surge de su contexto. La intuición guía este proceso como una forma de pensar flexible y humana que va más allá de las reglas fijas. En París, este enfoque se extiende a un ecosistema de espacios que lleva el estudio a la calle, fomentando el intercambio, la accesibilidad y nuevas formas de compromiso con una comunidad creativa más amplia.

India Mahdavi

El color define su obra. La ornamentación es su lenguaje. La forma es su gramática.
India Mahdavi crea ambientes que viven, respiran y deleitan: espacios en constante metamorfosis, moldeados por la luz, el estado de ánimo y la memoria. Con sede en París, de ascendencia iraní y egipcia, y criada en distintos continentes, encarna una sensibilidad políglota y policromática: una síntesis de culturas e historias destiladas en espacios, objetos y experiencias que dejan una impresión duradera en los sentidos. Su trabajo abarca el diseño de interiores, el mobiliario, la escenografía y las exposiciones, combinando rigor y alegría. Desde el taburete Bishop hasta Sketch en Londres y el Bar Nina en Milán, cada proyecto interactúa con su contexto y su cultura.

Studio India Mahdavi es un estudio multidisciplinar con sede en París que trabaja en interiores, mobiliario, exposiciones y escenografía. Pequeño, ágil y colaborativo, el estudio reúne a arquitectos, diseñadores y artesanos en un diálogo constante. Su ecosistema —showrooms, Project Room y Petits Objets— actúa como un laboratorio de ideas y experimentación. Cada proyecto se integra en su contexto, cultura y momento, desarrollando entornos sensoriales, expresivos y vivos. A través de colaboraciones con fabricantes líderes, el estudio amplía su visión a través de las disciplinas, creando espacios y objetos que despiertan alegría y experiencias compartidas.

En este showcase repasaré diferentes proyectos y experiencias que tienen que ver con las cosas que nos hacen felices en el estudio. Normalmente relacionadas con crear y pensar con los menos ingredientes posibles. También sobre repensar por qué hacemos lo que hacemos y regenerar la motivación por nuestra profesión.

Marc Castellví (Barcelona, 1989) es motion designer y director. Ha cofundado proyectos como No Más de Mamá (2012), Outro Studio (2014) y Abuela (2020-actualidad). En Abuela, se especializa en narrativas visuales, ayudando a los clientes a dar forma a sus historias, definir un lenguaje visual único y explorar nuevos lenguajes y formatos de producción.

Abuela es un estudio con sede en Barcelona formado por los directores creativos Kevin Sabariego y Marc Castellví.

Especializados en narrativas visuales, ayudamos a nuestros clientes a escribir su historia, crear un lenguaje visual único y producirlo por cualquier medio.
Aceptamos proyectos con un enfoque flexible, versátil y abierto.

Nadie hablará de ti como tu Abuela.

Paperclips

En su conferencia, el diseñador gráfico Bart de Baets mostrará una gran variedad de trabajos y explicará con más detalle cómo encuentran su forma y cómo se materializan finalmente. Aunque Bart dedica la mayor parte de su tiempo a trabajar en su estudio de Ámsterdam, también compagina esta actividad con un puesto de profesor a tiempo parcial en la Real Academia de La Haya, donde trabaja con los alumnos de primer año y con los que están a punto de graduarse. Su forma de enseñar y de preparar sus tareas se inspira en la transformación de las observaciones cotidianas (a veces obsesiones) en ejercicios educativos. Se anima a los estudiantes a pensar en ejecuciones formales que evoquen soluciones cercanas a la propia práctica de Bart, visualizando habilidades y voz editorial.

Aunque hoy en día aparece con menos frecuencia, la obra de Bart es conocida por incluir publicaciones de iniciativa propia, como Success and Uncertainty (junto con Sandra Kassenaar), Dark and Stormy (junto con Rustan Söderling) y Tabrat, un fanzine de 2022 en el que De Baets confiesa ser un acaparador de pestañas (solo en el teléfono, las pestañas del navegador de su ordenador portátil se abren brevemente y se cierran de nuevo con eficiencia) y las comparte aquí con nosotros en una encantadora publicación en formato A4. Sus habilidades editoriales no han caído en el olvido, y se demuestran con frecuencia en sus trabajos colaborativos para la tienda de libros de arte Page Not Found y el espacio expositivo Nest (ambos situados en la ciudad de La Haya). La charla en Elisava destacará todas estas obras, y muchas más, y ofrecerá una visión de la evolución de estos diseños mediante bocetos, referencias y numerosas fuentes de inspiración.

El diseñador gráfico Bart de Baets (1979, Knokke, Bélgica) reside en Ámsterdam. Su diseño para el programa de máster temporal del Instituto Sandberg, The Radical Cut Up, fue nominado para un Dutch Design Award. Como resultado, PostNL encargó a De Baets el diseño de una serie de sellos titulada «Talk to the Hand». Junto con Sandra Kassenaar, diseñó la exposición, la campaña y el catálogo de «Circulate», una exposición sobre adquisiciones de arte fotográfico en el Stedelijk Museum Amsterdam. Ambos también diseñan la identidad gráfica del Kunstmuseum Bochum. Diseñó «On the Necessity of Gardening: An ABC of Art, Botany and Cultivation» (2021), que se publicó paralelamente a «The Botanical Revolution», una exposición en el Centraal Museum de Utrecht. Ese año, la Stiftung Buchkunst otorgó al libro el máximo galardón en la categoría de Mejor Diseño de Libro de todo el mundo. En mayo de 2025 se publicó un segundo título de la serie, Mothering Myths, an ABC of Art, Birth and Care, para el que volvió a colaborar con las editoras Laurie Cluitmans y Heske ten Cate. Es profesor a tiempo parcial en el departamento de Diseño Gráfico de la Real Academia de Arte de La Haya y ha impartido clases en la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam durante quince años.

Formado por el famoso colaborador Will Holder, los pensadores tipográficos radicales de Experimental Jetset y creadores conceptuales como Linda van Deursen, Bart de Baets comenzó a pensar como un editor desde el principio de sus estudios de diseño gráfico, creando fanzines con y para sus compañeros, o redactando textos pegadizos para acompañar sus carteles y proyectos. Sus habilidades de diseño se nutrieron enormemente cuando trabajó con Maureen Mooren y Daniel van der Velden (ahora Metahaven), cuyo interés por el arte le inspiró. Para ellos, eso siempre parecía ser lo primero, y luego venía el diseño. Para las páginas de Archis (una revista de arquitectura, ahora Volume), se utilizaron los diseños de publicaciones periódicas existentes para dar forma al contenido de la revista, y a Bart le enseñaron a estudiar sus características, por lo que se convirtió en un excelente imitador.

A lo largo de los años, la obra de De Baets ha evolucionado enormemente, sobre todo gracias a algunas colaboraciones significativas. Algunas de las primeras colaboraciones memorables fueron las realizadas con Melanie Bonajo y Frank Koolen, dos artistas (entonces) afincados en Ámsterdam, no mucho mayores que él, cuya práctica le inspiró una idea sobre la que trabajar juntos y que, en cierto modo, dio inicio a la carrera de De Baets. Personas como Rustan Söderling y Sandra Kassenaar tienen una influencia similar y siguen siendo socios de diseño cruciales; ambos son buenos amigos hasta el día de hoy. Su influencia en algunas obras propias, como Dark and Stormy y Success and Uncertainty, es esencial para el enfoque de diseño y el lenguaje visual actuales de De Baets. Kassenaar y De Baets comparten hoy en día un estudio y trabajan juntos como diseñadores de forma habitual.

Sus diseños están muy arraigados en una especie de pensamiento conceptual, y su capacidad para pensar de forma editorial junto con los comisionados ha dotado a la obra de Bart de un carácter franco. Su trabajo es claramente lúdico y aparentemente intuitivo, dando la impresión de que los diseños podrían realizarse rápidamente o a mano. Sin embargo, cada uno de los diseños es una composición cuidadosamente elaborada según una serie de directrices y, a menudo, utiliza tipografía o elementos visuales que hacen referencia a cosas «encontradas» en la calle. Durante años, Bart ha sido profesor de diseño gráfico, trabajando a menudo con estudiantes de primer año y introduciéndolos en la profesión. Rodeado de otros diseñadores, programadores expertos, dibujantes de letras y magos del color, su enseñanza anima a explorar cómo es crear arte y diseño en el entorno actual, mostrando sus propias fascinaciones.

Beyond the Canon: Alternative Histories of Graphic Design

La historia del diseño no es algo inmutable: está determinada por la visibilidad, la selección y la repetición.
Este taller revisa el canon del diseño gráfico desde una perspectiva global, centrándose en diseñadores históricamente relevantes pero a menudo infrarrepresentados.

Cada estudiante investigará y retratará a un diseñador, situando su obra en su contexto cultural, político y tecnológico. En lugar de limitarse a presentar información biográfica, los participantes interpretarán críticamente y replantearán visualmente estas posiciones a través del diseño editorial y tipográfico.
Los trabajos resultantes no solo deben comunicar información, sino también responder visualmente a la actitud, los métodos de trabajo y el enfoque conceptual del diseñador.

Después de graduarse en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam, Serge Rompza cofundó el estudio de diseño NODE en Berlín y Oslo en 2003, junto con Anders Hofgaard. Las dos oficinas trabajan de manera colaborativa en identidad, editorial, exposiciones y proyectos interactivos. La lista de clientes incluye Haus der Kulturen der Welt Berlin, Vitra, MIT Program in Art, Culture and Technology (ACT), Pabellón de Lituania / La Bienal de Venecia, Office for Metropolitan Architecture (OMA).

Desde 2004, ha enseñado regularmente en academias de arte y diseño en toda Europa.

Modular approaches in Type Design: Resource or Restriction?

El taller explora las posibilidades que ofrece el módulo a la hora de estructurar formas tipográficas, cuestionando si actúa como marco de apoyo o como limitación creativa. A través del análisis de tipografías modulares históricas y contemporáneas, así como de la investigación del módulo en el arte, el diseño y la arquitectura, se guiará a los alumnos para que trabajen dentro de un sistema modular con el fin de diseñar una tipografía de gran tamaño. El objetivo es comprender cómo las estructuras predefinidas pueden generar lenguajes visuales coherentes sin dejar de dejar margen para la experimentación y la innovación expresiva.

Piero Di Biase es diseñador gráfico y tipográfico. Se formó en el sector de las artes gráficas y luego se convirtió en diseñador gráfico. Tras colaborar con varias agencias de diseño, en 2011 cofundó Think Work Observe, donde trabajó para clientes nacionales e internacionales hasta 2022, cuando lanzó Formula Type, una fundición digital independiente que produce y distribuye fuentes tipográficas minoristas y personalizadas. Desde 2017 es miembro de la Alliance Graphique Internationale (AGI).

Formula Type es una fundición tipográfica digital fundada en la región más lluviosa de Italia. Fórmula es una poción mezclada especialmente para quienes la beberán; fórmula es una ecuación química que conduce a un resultado. Esta idea lúdica pero precisa captura la doble alma de Formula Type. Su pasado fue el diseño gráfico y su presente es el diseño tipográfico, pero no hay una separación real entre el pasado y el presente. Nuestras fuentes se crean con una mirada flexible de diseñador y, en los quince años transcurridos desde nuestros primeros lanzamientos, han evolucionado libremente a través de la experimentación. Nuestro enfoque es el de principiantes expertos, siempre abiertos a nuevas colaboraciones y proyectos.