Los eventos son parte integrante de los programas de máster: desde workshops con profesores invitados hasta ciclos de conferencias con profesionales relevantes.
eventos pasados
29 de noviembre
↳ 3 de diciembre, 2021
Martin Lorenz, TwoPoints.Net
Workshop
Systemic Type Design
Solo para estudiantes del MDV
Systemic Type Design
Vivimos en una (nueva) edad de oro del diseño de sistemas tipográficos. Las nuevas tecnologías y los programas fáciles de usar han nivelado el campo de juego para los diseñadores emergentes y les han dado la oportunidad de experimentar con nuevas ideas. El mundo de las fuentes para pantalla ha sido testigo de muchos impulsos nuevos en los últimos años. Las tipografías se han vuelto más flexibles, variables y cinéticas que nunca, ajustándose eficiente y efectivamente a los nuevos canales de comunicación.
Systemic Type Design es más que diseñar fuentes. Un sistema de tipos es una herramienta de diseño eficiente que ayuda a los diseñadores a diseñar. Si se hace bien, el acto de escribir equivale al acto de diseñar. En este curso desarrollaremos un sistema de tipografía experimental que generará por sí mismo aplicaciones interesantes.
Martin Lorenz
bien podría haberse convertido en cocinero, dibujante de cómics o arquitecto, de no haber sido por unas prácticas en el estudio de diseño Müller + Volkmann. Lorenz estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Darmstadt y en la Real Academia de las Artes (KABK) de La Haya. Tras trabajar cuatro años en el estudio Hort, se trasladó a Barcelona para fundar TwoPoints.Net con Lupi Asensio y realizó su Máster y Doctorado en Investigación en Diseño en la UB. Lorenz da clases en Elisava desde 2006 y todavía le gusta cocinar.
Miércoles,
24 de noviembre, 2021
László Moholy-Nagy + Jan Tschichold
Bookworm 1
Malerei, Fotografie, Film, 1925
+
Foto-Auge, 1929
Solo para estudiantes del MDE
Dos obras cruciales de la Nueva Tipografía, el movimiento de vanguardia que revolucionó el diseño gráfico del periodo de entreguerras. La disponibilidad cada vez mayor de la imagen fotográfica jugó un papel fundamental en este nuevo enfoque al diseño editorial. Moholy-Nagy, un miembro de la mítica Bauhaus, y Jan Tschichold, autor del libro de referencia Die neue Typographie, cambiaron radicalmente el aspecto de la página impresa produciendo un impacto duradero cuyos efectos continúan hasta el día de hoy.
Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.
Miércoles,
24 de noviembre, 2021
19:30 h
Yehwan Song, Experimental Websites
Open Lecture
Experimental Websites
La conferencia habla de las diversas pruebas a las que nos enfrentamos cuando intentamos ampliar el alcance de nuestra capacidad dentro de los entornos web cuestionando las plantillas de diseño estándar. La charla presenta Anti-User-Friendly, un proyecto en curso que desafía el concepto de facilidad de uso mediante la creación de un sitio centrado en el contenido. Las herramientas web funcionan como un puente que conecta al usuario y al dispositivo-sitio web para reducir la world wide web a una «village wide web» y transformar la web en un espacio ampliado.
Yehwan Song es diseñadora gráfica de páginas web.
Dirige su propio estudio de diseño independiente centrado en el uso estratégico de las tecnologías. Su trabajo incluye proyectos con múltiples organizaciones culturales, como ifa, LIMA Media Art, Rhizome, Typojanchi y el Museo de Arte de Seúl.
Ha participado en varias exposiciones: la Bienal de Venecia (pabellón coreano), la Bienal de Seúl (SBAU) y otras, y sus trabajos han aparecido en revistas como Étapes, Monthly DESIGN y It’s Nice That, entre otras.
Yehwan Song Studio es un estudio de diseño y desarrollo web que cuestiona las convenciones de diseño e interfaz estandarizadas que enmarcan el comportamiento de los usuarios y las plantillas que les hacen perder la conciencia del contenido y acostumbrarse a la simplificación. Construimos dispositivos e interfaces fuera del marco para desafiar la noción de facilidad de uso. Perseguimos la diversidad y la variedad en el entorno web por encima de la eficiencia.
Miércoles,
17 de noviembre, 2021
Esteve Padilla, 131
Showcase
Tipografía y memoria colectiva
Reflexionaremos a partir de algunos proyectos elaborados en 131 durante los últimos años, en los que partiendo de la tipografía se trabaja para recuperar la memoria local y colectiva.
Esteve Padilla.
Barcelona, 1983
Diseñador gráfico, mitad del estudio 131 y docente ocasional en diversas universidades. Licenciado en diseño gráfico en Eina (UAB).
131
(Pau Llop, Esteve Padilla) es una oficina de diseño gráfico con sede en Barcelona y Lleida. La tipografía entendida como imagen, forma o letra resulta un elemento sustancial en todos los proyectos que realizamos. Nuestro trabajo incluye dirección de arte, identidades, proyectos editoriales, sitios web y tipografía.
Miércoles,
10 de noviembre, 2021
Anna Berbiela, Pràctica
Case studies
Pràctica: Proceso
Pràctica: Proceso
Pràctica no tiene un estilo, pero sigue un proceso; En esta sesión, analizaremos, a través de los casos de estudio de los últimos proyectos del estudio, el proceso que sigue Pràctica para desarrollar su trabajo.
Anna Berbiela
Diseñadora gráfica afincada en Barcelona. Anna fundó el estudio Pràctica junto a Javier Arizu, Carlos Bermúdez y Albert Porta en 2018. Con oficinas en Barcelona y Nueva York, Pràctica es un estudio que trabaja para clientes institucionales, culturales y comerciales, desarrollando proyectos de comunicación en materia impresa, digital y medioambiental.
Pràctica es un estudio de diseño integral con sede en Barcelona y Nueva York. Trabajando para clientes institucionales, culturales y comerciales, siempre busca conceptos potentes, códigos visuales audaces y soluciones personalizadas para cada proyecto. Esto se traduce en un trabajo muy ecléctico; su estilo es la falta de uno, es encontrar la mejor solución para cada proyecto.
Miércoles,
3 de noviembre, 2021
Miquel Hervás, Book Bindery Rietveld Academy
Showcase
The act of making something public
The act of making something public
Esta sesión aborda los métodos, herramientas e implicaciones de las actividades de publicación.
– ¿Qué hace/significa la publicación? ¿Y cómo va a existir/circular?
– ¿Cómo logra sus aspiraciones a través de la forma?
– ¿Cómo se unen el contenido, el concepto editorial y el diseño?
– ¿Cómo pensar la publicación como complemento y suplemento de las prácticas de trabajo?
– ¿En qué términos puede «hacer público» actuar como herramienta para poner en común intereses y preocupaciones?
Book Bindery
La BB permite la producción de libros y publicaciones en pequeñas ediciones y manipulaciones específicas de papel y cartón. Todos los procesos se realizan siempre de forma totalmente manual y ampliando los límites de lo posible.
Además de ser un taller técnico, la BB funciona como un punto interdepartamental en nuestra institución. Creemos que la práctica editorial es un proceso emancipador. Apoyamos proyectos como PUB.sandberg.nl, Radio Rietveld y Rietveld Journal.
Miquel Hervás Gómez
(Terrassa, 19 de abril de 1985). Diseñador gráfico autónomo afincado en la www. Funcionando como jefe de taller en la BB. Tutor de Disarming Design en el Sandberg Instituut y del Curso Preparatorio en la Gerrit Rietveld Academie, a la vez que miembro de fanfare y Carne Kids.
Miércoles,
3 de noviembre, 2021
Miquel Hervás, fanfare
Case studies
Spatial publishing
Solo para estudiantes del MDV
fanfare se creó al observar un contexto, una red, en la que las interacciones entre el diseño y el arte dieron lugar a proyectos que no encajaban en las plataformas de presentación existentes. fanfare crea un marco para conectar las estructuras ya existentes. Lo que ocurrió orgánicamente en este contexto fue la creación de nuevas estructuras, nuevas redes, nuevas iniciativas. En el contexto actual nos permitimos hablar de fanfare como marco para la publicación (no) física.
fanfare es una plataforma y un estudio de diseño para la colaboración interdisciplinar y la comunicación visual. A través de un programa activo, fanfare genera, explora y comisaría entornos para interacciones visuales.
Desde sus inicios en 2014, fanfare ha creado un espacio único para experimentos, exploraciones y colaboraciones en el ámbito del diseño gráfico y disciplinas afines. A través de su investigación y práctica de diseño, fanfare agudiza y desafía la noción de comunicación visual.
Miquel Hervás Gómez
(Terrassa, 19 de abril de 1985). Diseñador gráfico autónomo afincado en la www. Funcionando como jefe de taller en la BB. Tutor de Disarming Design en el Sandberg Instituut y del Curso Preparatorio en la Gerrit Rietveld Academie, a la vez que miembro de fanfare y Carne Kids.
Miércoles,
27 de octubre, 2021,
19:30 h
Ruben Pater, CAPS LOCK
Open Lecture
CAPS LOCK
Cómo el capitalismo se apoderó del diseño gráfico,
y cómo escapar de él.
Ruben Pater (1977, NL) trabaja entre el periodismo y el diseño gráfico. Bajo el nombre de Untold Stories, Pater crea narrativas visuales que apoyan la solidaridad, la justicia y la igualdad. Pater se siente diseñador en una época en la que el diseño es lo último que necesita el mundo. Hasta que se presenten enfoques más éticos, diseña, escribe y enseña. Es tutor de grado en diseño gráfico y del MA Non Linear Narrative de la KABK. The Politics of Design, es su primer libro sobre el sesgo cultural en el diseño gráfico. Su segundo libro CAPS LOCK analiza el papel del diseño gráfico en el capitalismo.
CAPS LOCK El capitalismo no podría existir sin las monedas, los billetes, los documentos, los gráficos, las interfaces, las marcas y los anuncios; artefactos que han sido creados (en parte) por los diseñadores gráficos. Incluso las estrategias anticonsumistas, como el diseño social y el diseño especulativo, se están apropiando en las sociedades capitalistas para servir al crecimiento económico. Parece que el diseño está atrapado en un sistema de explotación y beneficio, un ciclo que fomenta la desigualdad y el agotamiento de los recursos naturales.
CAPS LOCK utiliza un lenguaje claro y llamativos ejemplos visuales para mostrar cómo el diseño gráfico y el capitalismo están inextricablemente unidos. El libro contiene muchos estudios de casos de objetos diseñados relacionados con sociedades y culturas capitalistas, y también examina cómo la educación y la práctica profesional de los diseñadores (gráficos) apoyan la economía de mercado y cómo la práctica del diseño está atrapada dentro de ese mismo sistema.
Miércoles,
20 de octubre, 2021
Santi Fuster, Bendita Gloria
Showcase
“La langue est fasciste”
Dos horas de semántica, política y diseño gráfico, debidamente ilustradas con trabajos de Bendita Gloria.
Santi Fuster
Diseñador gráfico.
50% de Bendita Gloria.
Bendita Gloria es un estudio de diseño formado por Alba Rosell y Santi Fuster. Centrado en proyectos editoriales y de identidad, su trabajo ha despertado cierto interés a raíz de su particular enfoque conceptual. Desde 2007 Bendita Gloria persigue que sus proyectos devengan un interesante material de lectura.
18 → 24 de junio, 2021
MADDhouse #3, Detrás del Miedo
Exposición
Maria Moreso
MUTUO
Méndez Núñez, 7
08003 Barcelona
A lo largo de nuestra vida, las mujeres, o personas con vagina, visitaremos múltiples veces una consulta ginecológica. La recomendación de Sanidad Pública es hacerlo cada 1-3 años, dependiendo de las circunstancias individuales, sin embargo, más del 50% de las mujeres no seguirán esta recomendación. No es novedad que a casi ninguna mujer le gusta ir al ginecólogo. Desgraciadamente, sentir ansiedad, miedo, vulnerabilidad, vergüenza e incomodidad son parte de la experiencia común de muchas mujeres al visitar este especialista. Pero, ¿por qué lo vivimos de esta forma?
La falta de sensibilidad y empatía hacia una paciente en una posición extremadamente vulnerable, el juicio, la infantilización, el paternalismo, la falta de avance científico, la desinformación, el tabú o la normalización del dolor femenino son algunas de las formas sutiles de violencia patriarcal que sufrimos las mujeres con relación a nuestra salud íntima. Una violencia que ocurre en un contexto médico donde aparentemente imperan los valores del cuidado y la atención, y dónde precisamente se espera todo lo contrario a violencia.
La violencia ginecológica afecta a la mitad de la población, es un problema sistémico y complejo en el que intervienen multitud de factores y del que todos participamos de forma más o menos consciente. Esta exposición busca detectar y desnormalizar estas situaciones como primer paso indispensable hacia una mejora.
11 → 18 de junio, 2021
MADDhouse #2, Body Builders
Exposición
Carla de la Torre
MUTUO
Méndez Núñez, 7
08003 Barcelona
Vivimos en una sociedad «fit», donde los gimnasios son templos de transformación hacia un estereotipo globalizado. El culto al cuerpo planifica y controla nuestras rutinas diarias y acaba moldeando nuestra identidad, alimentando la industria del fitness, que no hace más que crecer.
Al mismo tiempo estamos en la era de la información, de los datos; se dice que tener información es poder, y podemos aplicarlo también a este paradigma. Diseñamos nuestro cuerpo en los gimnasios introduciendo datos (15 repeticiones de sentadillas durante 3 series, 100 gramos de arroz…) para construir el cuerpo ideal y al mismo tiempo ganar poder individual. La belleza acaba siendo algo medido, pesado, equiparado y comparado.
Los cuerpos que visualizan esto de forma más extrema son los culturistas. Cuerpo de masa, cuerpo corporal y de datos, que representa un ideal corporal de poder. Todos vemos a este grupo social alejado de nuestra realidad, pero los culturistas del pasado son los seguidores del fitness del presente.
El deporte actual se ha convertido en una compleja actividad comercial, política y social. El cuerpo sano acaba confundiéndose con el cuerpo estético, moldeando a su antojo los cánones de belleza y nuestra autoestima. Y nosotros acabamos enredándonos siguiendo estos estos rituales de datos.
20 de abril → 11 de junio, 2021
Àgora Elisava
Óscar Germade, Job Title: Art Director
Exposición
Job Title: Art Director.
About Vogue Spain 2017/2021
Design, Typography & Photography.
La exposición recorre el trabajo como director de arte de Vogue España de Óscar Germade, entre los años 2017 y 2021. El espacio está dividido en cuatro partes: Dirección de Arte, vinculada a la parte visual y la dirección de diseño de la revista. Portadas, con un repaso del trabajo en cubiertas de los últimos cuatro años. “Making of”, done se muestra el proceso de diseño de cada una de las partes de la revista, desde un punto de vista técnico y específico.
Tipografía, con una retrospectiva puramente visual del diseño de Chamberí, tipografía ad-hoc diseñada por Íñigo Jerez para la revista, la cual Eugenia de la Torriente, directora de la revista entre enero de 2017 y diciembre de 2020, describe “Chamberí es una combinación aparentemente irreconciliable de racionalidad y exuberancia. Parte de un esqueleto muy cartesiano, pero tiene una parte visual final de espíritu más folclórico, si se puede calificar así, gracias a una serie de detalles que remiten a la tradición española como acentos, travesaños y curvas ascendentes. Cuando crece, es juguetona, alegre y cálida y se aleja tanto de su base racional que cuesta reconocerla.”
La suma de estos espacios supone una inmersión completa en el trabajo que supone la dirección de arte de una revista de moda en la actualidad, con la complejidad que supone heredar la historia de una cabecera como Vogue, vinculada a personajes de enorme trascendencia como Alexander Liberman: “director de arte de Vogue en EEUU y director editorial de Condé Nast, y quien en sus más de 50 años en la compañía sentó las bases de esta cabecera y muchas otras. Las maquetas de Liberman eran muy sencillas porque hacía un uso muy directo de la maquetación, con pocas florituras en el texto. En las últimas décadas, la tendencia en las revistas de moda ha sido precisamente la contraria: muchos elementos por página, cajas con formas…” (Eugenia de la Torriente).
Esta labor de diseño y dirección de arte, no solo es consciente de la parte histórica sino del complejo momento que viven las grandes cabeceras editoriales, adaptadas a una realidad digital donde conviven con nuevas propuestas visuales. El recorrido finaliza con un extenso repaso a las portadas de Vogue de estos último cuatro años que, de manera orgánica, muestra una evolución definitiva y una dirección clara de la apuesta por portadas icónicas, basadas en la imagen y memorables para la audiencia.
