Presentación del Fondo de Reserva Enric Bricall, una colección de libros que por su diseño y tipografía, representa la excelencia en el diseño editorial del siglo XX. Haremos un recorrido histórico desde el 1900 hasta la Postmodernidad, pasando por las vanguardias de entreguerras, la Nueva Tipografía y la gráfica suiza.

Veremos algunos libros representativos de cada época y analizaremos sus características. Trataremos de comprender dónde reside su importancia y porqué han pasado a la historia del diseño gráfico convirtiéndose en ejemplos canónicos del diseño editorial del siglo pasado.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

A nosotros, los humanos, nos cuesta crear empatía hacia grandes cantidades de información. ¿Cómo resolvemos estos retos cuando los problemas a los que nos enfrentamos hoy en día son tan intrínsecamente grandes, interconectados, perversos y globalizados? En esta charla, exploraremos algunos humildes experimentos realizados para superar esta falta de empatía a través del arte, la tecnología y las experiencias participativas.

Pau Garcia es diseñador de medios y cofundador de Domestic Data Streamers, un estudio de 25 personas que desde 2013 se centra en la creación de infoexperiencias. También dirige el Master in Data Design en Elisava. Es profesor invitado en The New School (NYC), Hong Kong Design Institute, el Royal College of Arts (Londres), el Politécnico de Milán y la Escuela de Economía de Barcelona. Construyó y vive permanentemente en la residencia para artistas HeyHuman! y forma parte del Colectivo Posttraumatic. No suele hablar en tercera persona.

Domestic Data Streamers es un estudio premiado que explora cómo expresar los datos a través del cine, la robótica, el código, el teatro o la arquitectura en escuelas, prisiones, cines, las calles de muchas ciudades e incluso la sede de las Naciones Unidas. Trabajan para marcas comerciales y todo tipo de instituciones de la vieja y la nueva escuela. Creen de verdad que los datos pueden ser un verdadero desencadenante del cambio y tender puentes en una sociedad polarizada.

Pràctica: Graphic Hunting

Examinar la realidad nos permite entender el potencial creativo que puede haber detrás de cualquier cosa que nos envuelve; En esta sesión analizaremos, a partir de una serie de case studies de los últimos proyectos de Pràctica, como todo lo que nos rodea puede llegar a ser una fuente inagotable de inspiración si nos prestamos y prestamos atención.

Anna Berbiela

Diseñadora gráfica, directora creativa e ilustradora afincada en Barcelona. Anna Berbiela es cofundadora, junto a Javier Arizu, Carlos Bermúdez y Albert Porta, del estudio de diseño Pràctica. Con sede en Barcelona y Nueva York, Pràctica es un estudio que cree que el diseño es un proceso que implica investigar, pensar, compartir, desafiar… y luego darle forma a todo esto.

Pràctica es un estudio de diseño e identidad con sede en Barcelona y Nueva York que busca revelar la verdad particular de cada marca. Al simplificar la complejidad y dar forma a los conceptos, crea un trabajo que busca tener sentido.

Hacer un libro significa emprender una tarea compleja y eminentemente colectiva. En ella, además de quienes crean contenido, lo diseñan y lo imprimen, deben implicarse otros roles y saberes cuya participación no siempre resulta visible desde fuera. Durante la sesión se repasarán los agentes implicados en la producción editorial, y también los distintos equilibrios que pueden establecerse entre ellos a lo largo del proceso de trabajo.  

En su trayectoria profesional, Mela Dávila Freire ha compaginado el trabajo institucional –en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y el Museo Reina Sofía, entre otros museos– con la investigación, la escritura, la edición y el comisariado. Entre los temas objeto de su interés se cuentan las superposiciones teóricas y prácticas entre archivo y colección de arte, los sesgos ideológicos en las estructuras archivísticas y la revisión feminista del género de las publicaciones de artista.

Su libro más reciente, Mission and Commission: documenta and the Art Market, 1955 – 1968, versa sobre la relación de las primeras documentas con el incipiente mercado del arte a través de la edición de múltiples y obra gráfica.

Blanding, The Branding Paradox

Las marcas son como las personas. Algunas son discretas, otras ruidosas, otras divertidas. Unas se comunican ¡exclamando!, otras tienen una gramática terrible. Las marcas no se crean en el vacío, son producto del mundo que las rodea. En relación a los puntos fuertes y débiles de la competencia, una marca es tanto lo que no es como lo que es. El punto es la diferenciación; eso es la marca. Me desconcierta la epidemia actual de lo que yo llamo «blanding», es decir, marcas diseñadas no para destacar, sino para integrarse. Con resultados anodinos.

Thierry Brunfaut es director creativo y uno de los socios fundadores de Base Design, la red internacional de estudios de branding con sede en Bruselas, Nueva York, Ginebra y Melbourne. Es autor de la conocida serie 5–Minute poster, profesor y ponente habitual en conferencias de diseño y branding en todo el mundo. Thierry tiene un sorprendente y aparentemente contradictorio parecido con Moby y con la rana Gustavo.

Base Design crea marcas con impacto cultural. Nuestro equipo de creativos, estrategas y expertos digitales diseñan y desarrollan marcas simples pero poderosas, y construyen personalidades únicas.

Base sabe que el branding tiene que ver sobre todo con las personas, por lo que se especializa en ayudar a las empresas -ya sean nuevas o establecidas; grandes o pequeñas- a convertirse en marcas centradas en el ser humano con visión, claridad y empatía. La empresa ha evolucionado a lo largo de los años y ahora está dirigida por socios de los cuatro estudios. 

La obra de las diseñadoras Muriel Cooper e Irma Boom sirve para reflexionar sobre el fenómeno del diseñador como autor. Learning from Las Vegas fue uno de los textos seminales de la arquitectura posmoderna, pero el diseño del libro fue motivo de enfrentamiento entre sus autores y Muriel Cooper debido a la falta de adecuación entre fondo y forma. Un caso similar es el de Irma Boom, que reivindica su autonomía creativa en el proceso de creación del libro. Dos personalidades muy fuertes que refutan la imagen del «diseñador invisible».

Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

Off track

En esta conferencia, Vrints-Kolsteren te adentrará en su proceso creativo. Desde sus fuentes de inspiración hasta la forma de construir sistemas visuales.

Como un juego, una identidad visual se construye a partir de un conjunto de reglas. La forma de aplicar estas reglas determinará el resultado final. El truco es navegar libremente dentro del juego, como un viajero que se desvía del camino pero tiene un mapa para sentirse seguro.

Vrints-Kolsteren es un estudio de diseño con sede en Amberes fundado por Vincent Vrints y Naomi Kolsteren en 2015, que trabaja tanto a nivel local como internacional. El sello del estudio es el desarrollo de identidades visuales con un claro y fuerte enfoque en la tipografía. Al trabajar en una identidad, crean un sistema, un conjunto de reglas, que puede evolucionar con el tiempo.
Además, el tratamiento de lo orgánico frente a las formas rudimentarias y las líneas rectas es una narrativa recurrente dentro de su práctica.

Vrints-Kolsteren hace hincapié en la colaboración y le gusta trabajar estrechamente con sus clientes. No quieren ver al cliente como un cliente, en el sentido estricto de la palabra, sino que consideran que todas las partes son iguales.
Vrints-Kolsteren está influenciada por el periodo modernista, con claras referencias a esa época, a sus diseñadores y artistas, lo que puede apreciarse pronto en su atención por la forma, el trazado de líneas y, sobre todo, el uso de cuadrículas y conjuntos de reglas.

En los años sesenta se empezó a cuestionar el canon moderno. El malestar social y los movimientos contraculturales se trasladaron al diseño gráfico. Una nueva estética alejada de la retícula suiza dio paso a composiciones tipográficas lúdicas que conectaban con las «palabras en libertad» de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, especialmente el Futurismo y el Dadaísmo. Robert Massin, en Francia, y Corita Kent, en Estados Unidos, dominaron con maestría el uso de la palabra impresa en sus creaciones.

Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

En esta charla, la artista y diseñadora, Sarah Boris, hablará sobre su cambio de práctica, desde ser diseñadora interna y directora de arte para algunas de las principales instituciones de arte en el Reino Unido, hasta crear su propio estudio en 2015. Presentará algunos de sus proyectos personales y no comerciales que han dado forma a su práctica y están informando de nuevas direcciones, incluyendo proyectos autopublicados como ‘Global Warming Anyone?’, o su libro de artista ‘Le Théâtre Graphique’ y su último diseño escultórico de banco en forma de corazón.

Sarah Boris es una artista y diseñadora gráfica afincada en Londres. Después de trabajar durante más de diez años para organizaciones como Phaidon, el Barbican Centre y el Institute of Contemporary Arts, se estableció por su cuenta en 2015, centrándose en las identidades visuales, el diseño editorial y el desarrollo de su práctica artística personal. Entre sus clientes se encuentran The Photographers’ Gallery, Tate, The National Gallery y Christie’s, entre otros.

Paralelamente a los proyectos por encargo, Sarah crea obras de arte serigrafiadas durante las residencias de artistas. Su obra fue adquirida por el Museo Stedelijk de Ámsterdam y se expuso en el Museo del Diseño de Londres y en Une Saison Graphique, en Le Havre (Francia). Fue presidenta del jurado de diseño de libros del D&AD en 2016 y forma parte del jurado de diseño gráfico de los Premios Latinoamericanos de Diseño 2022.

La gráfica suiza lideró la escena internacional después de la Segunda Guerra Mundial. En los años 50 y 60, el estilo suizo, una versión refinada de la Nueva Tipografía, se convirtió en la solución universal para cualquier necesidad de comunicación visual, desde el diseño de libros hasta el de carteles, pasando por la publicidad y la imagen corporativa. Max Bill y Karl Gerstner, entre otros muchos, crearon un sofisticado lenguaje enraizado en la vanguardia para comunicar con la sociedad de consumo.

Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.

Influenciada tanto por el feminismo como por la tipografía suiza, Lucienne compartirá su viaje por el diseño gráfico desde el afán utópico hasta el dilema distópico. Siempre ha considerado el diseño gráfico como un acto político. Al principio este mensaje fue recibido con incredulidad, pero cuando su libro Good: An Introduction to Ethics in Graphic Design salió a la calle, el tema fue entrando en la agenda. Desde entonces, ella y sus colegas han comisariado y diseñado exposiciones sobre el diseño gráfico en la salud y la política (Can Graphic Design Save Your Life?

y Hope to Nope: Graphic Design and Politics 2008-18) y han trabajado en múltiples campañas de ONGs, han ayudado a difundir el cambio climático y, más recientemente, han desarrollado la instalación Perhaps it’s not you, it’s me. en la que Lucienne contempla la posibilidad de «dejar» a su pareja de toda la vida, el diseño gráfico.

 Aquí explica por qué el divorcio era una opción, defiende el valor del diseño gráfico y reflexiona sobre lo que todos debemos hacer a continuación.

Lucienne Roberts es fundadora del estudio de diseño LR+ y cofundadora de la iniciativa de reivindicación GD&. Graduada por la Central Saint Martins, la práctica de Lucienne se caracteriza por su permanente interés en el diseño ético. El trabajo de LR+ abarca el diseño de exposiciones, libros e identidad corporativa. GD& crea libros y exposiciones vívidas que exploran cómo el diseño gráfico se conecta con todas las demás cosas. Sus proyectos incluyen la creación y la co-curación de dos exposiciones aclamadas por la crítica en Londres.

Lost in Translation

Serge Rompza

Después de graduarse en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam, Serge Rompza cofundó el estudio de diseño NODE en Berlín y Oslo en 2003, junto con Anders Hofgaard. Las dos oficinas trabajan de manera colaborativa en identidad, editorial, exposiciones y proyectos interactivos. La lista de clientes incluye Haus der Kulturen der Welt Berlin, Vitra, MIT Program in Art, Culture and Technology (ACT), Pabellón de Lituania / La Bienal de Venecia, Office for Metropolitan Architecture (OMA). Desde 2004, ha enseñado regularmente en academias de arte y diseño en toda Europa.