Dahyun hablará de cómo podemos convertir lo analógico en digital y explorar las posibilidades de la web. Además, ¿cómo podemos crear sitios web emocionantes de formas inesperadas? ¿Y cómo podemos utilizar las herramientas en línea para mejorar la comunicación hoy en día?

Dahyun Hwang es diseñadora gráfica. Estudió Comunicación Visual en la Universidad de Seúl (Corea) y terminó su máster en la Universidad Bauhaus de Weimar (Alemania). Piensa en cómo podemos conectar lo analógico y lo digital. También es co-iniciadora de HHHA, un colectivo de código creativo. Ha participado en la exposición «Post Modern Child», en el MoCA de Busan, y en la exposición «Post IT», en Tokio. Sus obras han aparecido en Monthly Design, It’s Nice That, CA Magazine, etc.

HHHA (Hej Hello Hallo Annyeong) es un colectivo de código creativo en el que creadoras se reúnen para compartir y explorar obras basadas en la web. Dahyun Hwang co-inició HHHA con Naree Shin, y reunieron a otras compañeras de equipo que viven en diversos lugares como Alemania, Dinamarca y Corea.

Conservar significa cuidar. Literalmente. En el caso del diseño, estos objetos -y las exposiciones en las que aparecen- hablan del impulso humano hacia el progreso, del liderazgo creativo, de las economías materiales y de las innovaciones tecnológicas. Pero, ¿qué significa el comisariado en el ámbito del diseño en el siglo XXI? ¿Cómo pueden las exposiciones y los libros contribuir a fomentar sociedades más justas, social y ecológicamente sostenibles? En su conferencia, ofrecerá una visión de la práctica del comisariado y de las cuestiones más amplias que pueden influir en la forma de presentar, debatir y practicar el diseño en el futuro.

Viviane Stappmanns es conservadora del Vitra Design Museum de Weil am Rhein. Está interesada en explorar la contribución que los comisarios pueden hacer para repensar el diseño como una práctica preocupada por la sostenibilidad ecológica y social. En su trabajo de exposición y docencia, experimenta con nuevos enfoques colaborativos de comisariado y exposición. Ha impartido clases en diferentes escuelas y universidades, entre ellas la Escuela de Arquitectura y Diseño Urbano de la Universidad RMIT de Melbourne (Australia) y, más recientemente, la Universidad de Arte y Diseño de Karlsruhe.

Antes de trabajar en el Vitra Design Museum, Viviane ha trabajado como editora y comisaria en contextos de arquitectura y diseño en Australia y Alemania, y es licenciada en Diseño de Interiores y Periodismo.
La exposición «¡Aquí estamos! Mujeres en el diseño 1900 – ¡Hoy!» (2021) se inaugurará en el Museo del Diseño de Barcelona en octubre de 2023. Actualmente está trabajando en la exposición itinerante internacional «Garden Futures», que se inaugurará en el Vitra Design Museum en la primavera de 2023.

Folch Ecosistema creativo. Acid House (centro de innovación creativa y empresarial en Barcelona y Madrid), White Horse (producción creativa), Avanti Studio (city branding & way finding ), NOW (innovación y transformación digital), Creative Services (fashion y e-commerce), PILLS (educación digital), Gallery Studio (nuevos formatos musicales), G.Records (sello discográfico), Gallery (innovación musical), Eldorado Agency (agencia creativa outdoor), J.Franc (visualización 3D y soluciones AR/VR), FFF (fundición tipográfica digital) y Self (gestión del talento).

Presentación del Fondo de Reserva Enric Bricall, una colección de libros que por su diseño y tipografía, representa la excelencia en el diseño editorial del siglo XX. Haremos un recorrido histórico desde el 1900 hasta la Postmodernidad, pasando por las vanguardias de entreguerras, la Nueva Tipografía y la gráfica suiza.

Veremos algunos libros representativos de cada época y analizaremos sus características. Trataremos de comprender dónde reside su importancia y porqué han pasado a la historia del diseño gráfico convirtiéndose en ejemplos canónicos del diseño editorial del siglo pasado.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

A nosotros, los humanos, nos cuesta crear empatía hacia grandes cantidades de información. ¿Cómo resolvemos estos retos cuando los problemas a los que nos enfrentamos hoy en día son tan intrínsecamente grandes, interconectados, perversos y globalizados? En esta charla, exploraremos algunos humildes experimentos realizados para superar esta falta de empatía a través del arte, la tecnología y las experiencias participativas.

Pau Garcia es diseñador de medios y cofundador de Domestic Data Streamers, un estudio de 25 personas que desde 2013 se centra en la creación de infoexperiencias. También dirige el Master in Data Design en Elisava. Es profesor invitado en The New School (NYC), Hong Kong Design Institute, el Royal College of Arts (Londres), el Politécnico de Milán y la Escuela de Economía de Barcelona. Construyó y vive permanentemente en la residencia para artistas HeyHuman! y forma parte del Colectivo Posttraumatic. No suele hablar en tercera persona.

Domestic Data Streamers es un estudio premiado que explora cómo expresar los datos a través del cine, la robótica, el código, el teatro o la arquitectura en escuelas, prisiones, cines, las calles de muchas ciudades e incluso la sede de las Naciones Unidas. Trabajan para marcas comerciales y todo tipo de instituciones de la vieja y la nueva escuela. Creen de verdad que los datos pueden ser un verdadero desencadenante del cambio y tender puentes en una sociedad polarizada.

Pràctica: Graphic Hunting

Examinar la realidad nos permite entender el potencial creativo que puede haber detrás de cualquier cosa que nos envuelve; En esta sesión analizaremos, a partir de una serie de case studies de los últimos proyectos de Pràctica, como todo lo que nos rodea puede llegar a ser una fuente inagotable de inspiración si nos prestamos y prestamos atención.

Anna Berbiela

Diseñadora gráfica, directora creativa e ilustradora afincada en Barcelona. Anna Berbiela es cofundadora, junto a Javier Arizu, Carlos Bermúdez y Albert Porta, del estudio de diseño Pràctica. Con sede en Barcelona y Nueva York, Pràctica es un estudio que cree que el diseño es un proceso que implica investigar, pensar, compartir, desafiar… y luego darle forma a todo esto.

Pràctica es un estudio de diseño e identidad con sede en Barcelona y Nueva York que busca revelar la verdad particular de cada marca. Al simplificar la complejidad y dar forma a los conceptos, crea un trabajo que busca tener sentido.

Hacer un libro significa emprender una tarea compleja y eminentemente colectiva. En ella, además de quienes crean contenido, lo diseñan y lo imprimen, deben implicarse otros roles y saberes cuya participación no siempre resulta visible desde fuera. Durante la sesión se repasarán los agentes implicados en la producción editorial, y también los distintos equilibrios que pueden establecerse entre ellos a lo largo del proceso de trabajo.  

En su trayectoria profesional, Mela Dávila Freire ha compaginado el trabajo institucional –en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y el Museo Reina Sofía, entre otros museos– con la investigación, la escritura, la edición y el comisariado. Entre los temas objeto de su interés se cuentan las superposiciones teóricas y prácticas entre archivo y colección de arte, los sesgos ideológicos en las estructuras archivísticas y la revisión feminista del género de las publicaciones de artista.

Su libro más reciente, Mission and Commission: documenta and the Art Market, 1955 – 1968, versa sobre la relación de las primeras documentas con el incipiente mercado del arte a través de la edición de múltiples y obra gráfica.

Blanding, The Branding Paradox

Las marcas son como las personas. Algunas son discretas, otras ruidosas, otras divertidas. Unas se comunican ¡exclamando!, otras tienen una gramática terrible. Las marcas no se crean en el vacío, son producto del mundo que las rodea. En relación a los puntos fuertes y débiles de la competencia, una marca es tanto lo que no es como lo que es. El punto es la diferenciación; eso es la marca. Me desconcierta la epidemia actual de lo que yo llamo «blanding», es decir, marcas diseñadas no para destacar, sino para integrarse. Con resultados anodinos.

Thierry Brunfaut es director creativo y uno de los socios fundadores de Base Design, la red internacional de estudios de branding con sede en Bruselas, Nueva York, Ginebra y Melbourne. Es autor de la conocida serie 5–Minute poster, profesor y ponente habitual en conferencias de diseño y branding en todo el mundo. Thierry tiene un sorprendente y aparentemente contradictorio parecido con Moby y con la rana Gustavo.

Base Design crea marcas con impacto cultural. Nuestro equipo de creativos, estrategas y expertos digitales diseñan y desarrollan marcas simples pero poderosas, y construyen personalidades únicas.

Base sabe que el branding tiene que ver sobre todo con las personas, por lo que se especializa en ayudar a las empresas -ya sean nuevas o establecidas; grandes o pequeñas- a convertirse en marcas centradas en el ser humano con visión, claridad y empatía. La empresa ha evolucionado a lo largo de los años y ahora está dirigida por socios de los cuatro estudios. 

La obra de las diseñadoras Muriel Cooper e Irma Boom sirve para reflexionar sobre el fenómeno del diseñador como autor. Learning from Las Vegas fue uno de los textos seminales de la arquitectura posmoderna, pero el diseño del libro fue motivo de enfrentamiento entre sus autores y Muriel Cooper debido a la falta de adecuación entre fondo y forma. Un caso similar es el de Irma Boom, que reivindica su autonomía creativa en el proceso de creación del libro. Dos personalidades muy fuertes que refutan la imagen del «diseñador invisible».

Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.

El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.