Valentina Marun, Danae Lois Gomez & Juli Groshaus, son Business Designers y Design Strategists en Vandals, una Consultora Estratégica que transforma la visión en valor, conectando investigación, diseño y negocio para refinar la dirección, enfocar en lo que realmente importa e impulsar el cambio. No solo construyen estrategias: habilitan decisiones audaces y acompañan la transformación desde el insight hasta la acción. ¿El objetivo? Ayudar a las organizaciones a avanzar, desafiando supuestos, conectando claridad con ejecución y guiando a los equipos a entender dónde están ahora, hacia dónde pueden ir y cómo llegar hasta allí.

20 años en el diseño

En empresas sin ánimo de lucro y con ánimo de lucro, en startups y a gran escala, en juntas directivas y en residencias, en medios impresos y con IA, como escritor, diseñador, profesor y líder, la carrera de Rob ha abarcado una amplia gama de proyectos en la intersección del diseño, la cultura y la tecnología. En esta charla compartirá algunos trabajos recientes de Notion, así como trabajos de Google y el MoMA, conectados en sus usos de la investigación estratégica, la narración centrada en la marca y el diseño multidisciplinar centrado en el ser humano para transmitir historias y experiencias únicas a audiencias globales.

Rob Giampietro es un diseñador afincado en Nueva York, donde es Jefe Creativo de Notion, una herramienta de productividad celebrada por la lista «AI 50» de Forbes en 2024. Activo en los mundos del diseño, el arte y la tecnología, Rob ha ocupado puestos de liderazgo creativo en Google (Material Design, Research & Machine Intelligence, Search/Assistant) y en el MoMA, donde fue Director de Diseño durante la histórica ampliación del museo en 2019.

Rob enseñó durante más de una década en el programa MFA de Diseño Gráfico de RISD y ha sido vicepresidente de AIGA/NY. En 2024, fue presidente del jurado de los 100º premios anuales 50 Books 50 Covers de AIGA. Graduado por Yale, Rob ha sido becario en MacDowell y en la Academia Americana de Roma, además de recibir el reconocimiento de los Premios Nacionales de Diseño por su trabajo en Project Projects. Rob ha sido asesor del Aspen Ideas Festival y es administrador y miembro del consejo de la Aperture Foundation.

Notion es el espacio de trabajo conectado que permite a equipos e individuos compartir fácilmente documentos, tomar notas, gestionar proyectos y organizar conocimientos, todo en un mismo lugar. Los usuarios pueden crear y personalizar hermosos documentos, hojas de ruta, bases de conocimientos y mucho más, ayudándoles a trabajar de forma más inteligente y rápida.

En un mundo en constante cambio, la arquitectura se enfrenta al reto de representar, habitar y dar forma a realidades diversas a escala global.
Este taller propone un ejercicio experimental: el diseño de banderas para la Unión Internacional de Arquitectos (UIA), la organización que reúne a arquitectos de todos los continentes bajo una visión compartida del futuro construido. La bandera, como símbolo, concentra la identidad de una comunidad.
Su poder reside en su capacidad para sintetizar valores, territorios y aspiraciones en un lenguaje gráfico esencial.

Aunque se desconoce su origen exacto, las banderas han acompañado a las civilizaciones desde la antigüedad, estableciéndose como un lenguaje esencial para expresar identidad, pertenencia y aspiraciones compartidas.

El ejercicio consiste en rediseñar la bandera de la Unión Internacional de Arquitectos (UIA), reinterpretando su identidad desde una óptica contemporánea.
El nuevo diseño debe alejarse por completo de la bandera actual de la UIA, con el objetivo de construir en su lugar un símbolo que refleje la diversidad, la sostenibilidad y el futuro de la arquitectura a escala mundial.

El ejercicio comenzará con la fusión de tres puntos de referencia que servirán de base para el desarrollo de la bandera:
1. Movimientos arquitectónicos

2. Geografías y climas

3. Valores fundamentales de la UIA

LEÓN ROMERO es un estudio de comunicación visual con sede en Barcelona fundado por Jorge León y Mikel Romero. El estudio aborda los proyectos a través de la dirección creativa y el diseño visual, ofreciendo soluciones audaces y funcionales tanto en el ámbito cultural como en el comercial, al tiempo que fusiona a la perfección los mundos físico y digital de una manera cohesiva.

Impulsado por el diseño tipográfico, LEÓN ROMERO ofrece una amplia gama de servicios, como identidad visual, campañas gráficas, diseño editorial y web, packaging y dirección artística. El estudio mantiene sólidas relaciones con una vibrante red de fotógrafos, ilustradores, editores y redactores, y realiza proyectos de todos los tamaños.

Dot Dot Dot supuso un cambio de paradigma en el sector de las revistas dedicadas al grafismo y a la cultura visual. Publicada entre el año 2000 y el 2010, propició un diseño editorial más experimental y crítico. A lo largo de 20 números, contribuyó a enriquecer el discurso en torno al diseño gráfico, demostrando que estaba profundamente conectado con otras disciplinas y aspectos del ámbito cultural. De esta manera, el diseñador dejaba de estar exclusivamente al servicio de intereses comerciales y se convertía en autor e investigador dispuesto a cuestionar la realidad y a proponer aspectos alternativos de la cultura. En la revista convive lo popular con lo erudito y lo sublime con lo anodino en una amalgama densa que a menudo produce desconcierto pero que resulta intelectualmente poderosa.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

El salto entre ser estudiante de diseño en la universidad, explorar y practicar la creatividad cada día y aprender a aplicar toda esa expresión creativa que había desarrollado como estudiante, fue como intentar saltar un abismo cuando conseguí mi primer trabajo. De eso hace ya 16 años. Hoy sigo lidiando con la tensión entre «creativo» e «industria», sólo que ahora veo los retos que antes me asustaban como oportunidades para crecer y prosperar. Voy a profundizar en las lecciones que he aprendido en mi viaje de estudiante a estudio, compartiendo los proyectos y procesos que me han llevado hasta aquí, la alegría de la colaboración y de dejar ir tu ego y la importancia de encontrar inspiración fuera de la «industria».

Michelle Phillips estudió diseño gráfico en la Universidad de Brighton (Inglaterra). En 2010 se trasladó a Berlín y realizó vídeos musicales antes de cofundar Studio Yukiko, una agencia creativa y de diseño con sede en Berlín.
Michelle es también miembro fundador y directora artística de Flaneur Magazine y Sofa Magazine y ha sido jurado de los premios TDC de Nueva York y D&AD.

Studio Yukiko fue cofundado por Michelle Phillips y Johannes Conrad en 2012, una agencia creativa con sede en Berlín especializada en dirección creativa, dirección de arte, estrategia de marca, generación de conceptos y diseño gráfico para clientes comerciales, culturales e independientes por igual.
El estudio también dirige sus propios proyectos, como Flaneur y Sofa Magazine. Con estos proyectos de investigación, Yukiko experimenta continuamente con formas contemporáneas de narración visual y fomenta un conocimiento más profundo del público con el que se relacionan sus proyectos.

The Odd Approach — Encontrar el equilibrio entre una visión creativa audaz y las limitaciones del mundo real.
Casos prácticos — Exploración de proyectos clave:
Concepto — Mantener la autenticidad al tiempo que se garantiza la funcionalidad.
Producción — materializar las ideas dentro de unos límites técnicos y sostenibles.
Ejecución — adaptarse sin perder la identidad.
Puntos clave — Convertir la tensión en una ventaja creativa.

Cris Moya diseña y gestiona espacios y eventos, desde renovaciones hasta activaciones de marca en festivales. Con formación en Publicidad, Gestión Cultural y Diseño Espacial, combina investigación, diseño y marketing. Tras dirigir festivales como Offf Barcelona y 4YFN, fundó Detour en 2016, y más tarde dirigió This is Odd. Ahora, en Odd Spaces, trabaja mezclando emoción y función para dar vida a las identidades de marca.

Álvaro Ferrer es un arquitecto afincado en Barcelona centrado en diseños reflexivos, sencillos y eficaces que integran contextos físicos, naturales y culturales. Cree en la coexistencia respetuosa de los edificios y su entorno, equilibrando las soluciones contemporáneas con la tradición. Su trabajo abarca proyectos residenciales, espacios públicos, exposiciones, museografía, paisaje, parques infantiles y arquitectura efímera.

Odd es un estudio que diseña y produce espacios efímeros y permanentes desde Barcelona. Exploramos el punto de encuentro entre la producción cultural, el diseño, la comunicación y la arquitectura, combinando diversas perspectivas para crear soluciones que provoquen un cambio significativo en nuestro entorno.

Irma Boom es una de las diseñadoras de libros más influyentes en el ámbito contemporáneo, conocida por su enfoque innovador y experimental en el diseño editorial. Boom desafía las convenciones y obliga al lector a interactuar con el libro de una manera diferente, reconsiderando su función y estructura. La diseñadora colabora estrechamente con los autores y editores de los libros que diseña influyendo no solo en la estética sino también en la narrativa visual y el contenido. Su obra ha supuesto una revalorización del libro como objeto físico, una experiencia imbatible respecto a los libros electrónicos. Veremos algunos de sus libros más importantes, como el dedicado a la artista textil Sheila Hicks, el libro invisible sobre Chanel o los diminutos catálogos consagrados a su propia obra.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Recorreremos algunos de nuestros proyectos y cómo hemos trabajado en ellos, desde el diseño hasta el desarrollo. APN se centra en la colaboración; trabajamos con muchos clientes, estudios y diseñadores diferentes, lo que hace que cada proyecto sea completamente distinto, con sus propios retos, colaboradores, necesidades y estructura. Tanto si estamos construyendo un sitio web desde cero, trabajando con una identidad establecida o colaborando con otros estudios de diseño, cada proyecto aporta algo nuevo. A lo largo de esta charla, mostraremos las distintas etapas por las que pasamos.

Tras estudiar diseño gráfico en Elisava, Christian trabajó en estudios de diseño como Deutsche und Japaner y Naranjo-Etxeberria. En 2018, cofundó Carter Studio, un estudio de diseño gráfico con sede en Madrid. Después de casi tres años, dejó Carter para comenzar APN, con el objetivo de centrarse más en el lado digital, con un énfasis particular en el diseño web.



Lucía estudió diseño de moda en Madrid y trabajó para varias marcas de ropa independientes antes de pasar tres años como diseñadora de moda en Inditex. Durante este tiempo, aprendió a programar y desarrolló un gran interés por el diseño gráfico, lo que la llevó a dejar su trabajo y unirse a APN.

APN es un estudio creativo centrado en el diseño y el desarrollo web. Ofrecemos una amplia gama de servicios que incluyen branding, diseño gráfico y producción digital. Nuestro trabajo abarca varios sectores, colaborando con instituciones culturales, marcas de moda, creativos independientes y empresas comerciales.

Computational Craft

Además de ofrecer una visión de la obra de Vera, esta charla se sumerge en la creación de movimiento a través de la artesanía y la computación. Vera muestra cómo el tacto del tejido, el punto y otras artesanías tangibles pueden extenderse al ámbito digital.

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Vera van de Seyp es diseñadora computacional y educadora afincada en Nueva York. Su trabajo explora las herramientas de diseño generativo, la tipografía computacional y el uso de la inteligencia artificial para el diseño. Vera ha completado recientemente una beca de investigación con el grupo Future Sketches del MIT Media Lab y ha estudiado en la KABK y en la Universidad de Leiden. 

Vera van de Seyp ha colaborado con clientes como WIRED, Serpentine Galleries London y Google Arts and Culture. También enseña e imparte talleres y conferencias para inspirar a los creativos a crear (y codificar) sus propias herramientas de diseño. Es miembro de la Alliance Graphique Internationale (AGI). Entre sus proyectos se incluyen sitios web lúdicos, instalaciones de lenguaje generativo, tipos de letra en perpetua transformación, herramientas tipográficas, simposios de codificación creativa y tejidos hechos con una máquina de tricotar pirateada.

Una aproximación al mundo del fotolibro a partir de sus fundamentos y desarrollo. Trabajando con un autor, los estudiantes descubrirán su proceso de creación específico y cómo desarrollar su narrativa, ritmo y secuencia en un libro.

Jon Uriarte estudió Fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya y en el International Center of Photography de Nueva York, además de realizar un máster en Proyectos y Teorías Artísticas por PhotoEspaña y la Universidad Europea de Madrid. Ha expuesto en diversos centros y galerías de arte, tanto en muestras colectivas como individuales, entre los que destacan La Casa Encendida de Madrid, el Koldo Mitxelena de Donostia, el Studio 304 de Nueva York, el centro HBC de Berlín y la Sala d’Art Jove de Barcelona.

Fue fundador de Widephoto, plataforma independiente dedicada al comisariado y actividades en torno a la fotografía contemporánea. Además, conceptualizó y coordinó durante 3 años DONE, el proyecto sobre reflexión y creación visual impulsado por Foto Colectania. Actualmente vive en San Sebastián, desde donde compagina el comisariado de los programas digitales de The Photographers’ Gallery con el comisariado del Festival Internacional de Imagen Getxophoto.

Taller de cinco días para aprender a crear una secuencia de título principal para una película.
Desde el concepto hasta la creación de un style frame y cómo elegir la tipografía adecuada y todos los elementos necesarios.
En este taller aprenderemos paso a paso el arte que hay detrás de la creación de una secuencia de título principal para una película.
Exploraremos y aprenderemos los elementos que componen la secuencia de apertura de una película.
Pondremos el peso del taller en la importancia crítica de un concepto sólido, la comprensión del movimiento para contar una historia, y cómo utilizar nuestros conocimientos de diseño gráfico para crear un storyboard de 9 fotogramas.

Ana Criado es una diseñadora gráfica y directora creativa nominada a los Emmy que reside en California y Valencia. Conocida por su excepcional trabajo en el desarrollo de destacadas secuencias de títulos principales para cine y televisión. Con más de 20 años de experiencia en diseño gráfico, identidad corporativa, comunicación y diseño gráfico en movimiento.

Durante los últimos 12 años, Ana ha colaborado con algunos de los estudios más prestigiosos de Hollywood, creando cautivadoras secuencias de títulos para notables producciones como Star Trek: Discovery, Star Trek: Picard, American Horror Story, Godzilla, también ha creado trabajos gráficos para La 89 Ceremonia de los Oscars, Apple, Nike, T-Mobile, IBM, entre otros.

Hoy en día podemos fabricar cualquier cosa. La fabricación digital funciona ahora tanto a escala micro como macro, combinando múltiples materiales y utilizando diferentes procesos de materialización. La complejidad y la personalización ya no son impedimentos para el diseño. 

Aunque podemos fabricar cualquier cosa, el diseño parece estar limitado por nuestros instrumentos de diseño: sólo podemos diseñar lo que podemos representar directamente. Si nos fijamos en los artefactos impresos en 3D, a menudo existe una discrepancia entre la maravilla de la tecnología y el convencionalismo del diseño. Parecemos incapaces de explotar la nueva libertad que nos ofrece la fabricación digital.  En resumen: actualmente podemos fabricar más de lo que podemos diseñar.

Lo que hace falta es un nuevo tipo de instrumento de diseño. Necesitamos herramientas de búsqueda y exploración, y no simplemente de control y ejecución. Hasta ahora, disponemos de innumerables herramientas para aumentar nuestra eficacia y precisión. ¿Por qué no crear también herramientas que nos sirvan de musa, que nos inspiren y nos ayuden a ser creativos? Herramientas para dibujar lo indibujable e imaginar lo inimaginable.

Lo que podemos ganar son experiencias espaciales y táctiles totalmente nuevas. Un diseño lúdico que estimule los sentidos, despierte la curiosidad e invite a la interacción. Un entorno de diseño que permita el control y la sorpresa al mismo tiempo, y que acoja y celebre lo imprevisto.

Michael Hansmeyer es un arquitecto y programador que escribe algoritmos para generar y fabricar formas arquitectónicas. Entre sus trabajos más recientes figuran el diseño de una torre de hormigón impresa en 3D en los Alpes suizos, la instalación de un bosque de columnas en el Grand Palais de París y la fabricación de un muqarna para el Museo de Arte Mori de Tokio. Michael impartió clases de arquitectura como profesor visitante en la Academia de Bellas Artes de Viena y en la Southeast University de Nanjing, y como conferenciante en el grupo CAAD de la ETH de Zúrich. Anteriormente trabajó para Herzog & de Meuron architects, y es licenciado en arquitectura por la Universidad de Columbia.