Joost Grootens es un diseñador gráfico neerlandés reconocido por su enfoque innovador en el diseño de libros, especialmente en el ámbito de los atlas y las obras de referencia. Su trabajo se caracteriza por la habilidad en presentar información compleja de manera accesible y visualmente atractiva promoviendo la idea de que el diseño debe servir al contenido y no competir con él. Emplea infografías, gráficos y mapas para simplificar y organizar grandes cantidades de datos dirigidos sobre todo a un público científico y académico al que proporciona una navegación visual intuitiva que permite explorar el libro de manera no lineal. Veremos varios ejemplos de su obra que demuestran que este tipo de libros pueden ser funcionales y hermosos a la vez. Grootens sabe encontrar belleza en la información y poesía en los datos.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Unbound

De julio a octubre de 2025, el Museo Stedelijk rindió homenaje al icono del diseño holandés Karel Martens con una retrospectiva completa comisariada por Thomas Castro. Karel y Thomas «hojearán» las 200 páginas de las obras de Martens e invitarán al público a participar en una animada conversación con anécdotas, reflexiones y ejemplos únicos de obras, sistemas y bocetos de su archivo personal. Desde sellos y libros hasta monotipos, señalización arquitectónica y experimentos digitales, esta es una oportunidad única para profundizar en la obra de una de las voces más influyentes del diseño gráfico.

Karel Martens (1939) es un diseñador gráfico y educador holandés. Estudió en la Academia de Arte y Diseño de Arnhem, donde se graduó en 1961. De 1977 a 2020, impartió clases a nivel internacional en ArtEZ, la Jan van Eyck Academie y la Universidad de Yale, y cofundó Werkplaats Typografie en 1998. Martens diseñó la galardonada revista OASE de 1990 a 2021. Su obra forma parte de colecciones como las del SFMOMA y el Instituto de Arte de Chicago, y se ha expuesto en exposiciones individuales en P! (Nueva York), Kunstverein München, 019 (Gante) y Platform-L (Seúl). Recibió el premio BNO Piet Zwart en 2023.

Además de los trabajos por encargo, Martens ha desarrollado de forma constante una práctica autónoma, sobre todo a través de sus monotipos, que comenzó en la década de 1960. Desde la década de 1990, ha utilizado fichas de archivo del Stedelijk Museum Amsterdam, imprimiendo objetos encontrados en ellas para crear composiciones que integran imágenes impresas con texto de archivo existente. Conocido por su enfoque experimental de la tipografía, las cuadrículas, el color y la impresión, su obra se mueve con fluidez entre libros, sellos, monotipos, señalización y sistemas digitales.

Thomas Castro (1967) es diseñador gráfico, educador y comisario, y desde 2019 es comisario de diseño gráfico en el Stedelijk Museum Amsterdam. Allí puso en marcha el circuito público de carteles Post/No/Bills, comisarió la exposición Karel Martens: Unbound y editó el libro recopilatorio Stedelijk Museum Posters by Color. Anteriormente, cofundó el estudio multidisciplinar LUST y LUSTlab en 1996, que fue galardonado con el premio BNO Piet Zwart en 2017 por su obra de dos décadas. Su práctica conecta la creación, la educación y la curaduría, con un enfoque en la expansión del canon del diseño gráfico.

En esta primera sesión trataremos de averiguar qué es lo que hace que un libro esté bien diseñado y cuáles son los factores que determinan la excelencia del diseño editorial. Veremos ejemplos recientes de publicaciones premiadas en los certámenes Most Beautiful Swiss Books, Best Book Design From All Over The World y los Premios LAUS. Hojeando los libros podremos sentir su presencia material y examinar los elementos que lo conforman: encuadernación, papel, composición, tipografía y la adecuación entre la forma y el contenido. Además, a través del veredicto de estos prestigiosos galardones concedidos por especialistas, podremos analizar las tendencias del diseño editorial actual. Cada estudiante podrá manifestar su opinión al respecto y elegir sus propios favoritos en función de su propia sensibilidad.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

A partir de un showcase de proyectos web desarrollados junto a estudios de diseño, analizaremos cómo las decisiones de diseño influyen directamente en el desarrollo, las animaciones, las interacciones y el resultado final. Veremos ejemplos reales de handoff, qué información es clave para desarrollar sin fricción y qué errores generan retrabajo, feedback innecesario o desviaciones respecto al diseño original.

Andreu Llos es fundador y director de LLOS&. Tras más de una década trabajando con estudios de diseño, dirige proyectos web donde el diseño, la tecnología y el proceso deben estar alineados desde el inicio. Su rol se centra en definir criterios técnicos, acompañar a los equipos creativos y garantizar que las propuestas visuales se traduzcan en productos digitales sólidos y fieles al diseño.

LLOS& es un estudio de desarrollo web con base en Barcelona, especializado en proyectos digitales con un fuerte enfoque en el diseño. El estudio colabora estrechamente con equipos creativos para desarrollar webs a medida, trabajando con distintos stacks (desde WordPress hasta arquitecturas headless con Nuxt) y cuidando especialmente el front-end, las animaciones, las interacciones y la robustez del resultado final.

Estamos siendo testigos de una nueva forma de consumir información, ya que los medios digitales actuales se presentan como el nuevo contenedor de información. Si lo analizamos desde el punto de vista del diseño gráfico, podríamos decir que nos encontramos ante nuevas formas de comunicación.
En este taller estudiaremos las posibilidades que ofrecen estos nuevos medios y aprenderemos a adaptar lo que queremos comunicar a través de un formato óptimo para los medios digitales.

Los sistemas gráficos animados consisten en desarrollar el comportamiento audiovisual de una marca a través de un concepto creativo que utiliza el movimiento como eje principal de comunicación.

Desarrollaremos un sistema gráfico animado que refleje los valores que hay detrás de una marca y los desarrollaremos en la comunicación de medios digitales.

David Galar es diseñador gráfico especializado en motion design. Graduado en Diseño gráfico y postgrado en Motion graphics por Idep Barcelona y Diplomado en Marketing y gestión comercial por ESIC y Skema Bussines School. Trabajó en el estudio Mucho donde desarrolló, principalmente, proyectos de identidad. De 2015 a 2018 trabajó como freelance, en 2019 fundó el estudio Gimmewings y posteriormente, en 2022 funda el estudio de Motion Design Thru.

Designing for the living web

¿Y si la web no fuera un lugar para el que diseñamos, sino un medio con el que diseñamos?
Un espacio que escucha, responde, recuerda y, en ocasiones, se desvía del guion.
¿Qué ocurre cuando las experiencias digitales transmiten presencia e intención? ¿Cuando la identidad cambia en tiempo real? ¿Y cómo puede eso cambiar la forma en que percibimos una marca hoy en día?
Esta charla ofrece un momento para hacer una pausa, un recordatorio de que la web no es estática, sino viva, inquieta y abierta a infinitas posibilidades.

Delphine Volkaert es diseñadora digital sénior en Base Design Brussels. Tras graduarse en La Cambre y ampliar sus perspectivas gracias a un intercambio en la EINA de Barcelona, ha dedicado diez años a explorar cómo se comportan y evolucionan las marcas en Internet. Su trabajo comienza con ideas conceptuales claras que desarrolla hasta convertirlas en sistemas digitales dinámicos y receptivos. Le motiva la apertura del ámbito digital, un espacio en el que la identidad puede cambiar constantemente, reinventarse y traspasar las formas fijas.

Base Design es una red internacional de estudios creativos. Una empresa de culturas que trabaja en Bruselas, Nueva York, Ginebra, Melbourne, Saigón y nuestro estudio Digital.
Somos independientes por naturaleza y estamos conectados por elección. Cada estudio está arraigado en su propia ciudad y cultura, pero unidos por una curiosidad, un oficio y unos valores compartidos. Juntos trabajamos en estrategia, diseño y tecnología para crear ideas que se mueven con el mundo: claras, significativas y construidas para perdurar.
Fundada a principios de los años 90, Base sigue evolucionando a través de la colaboración. Hoy en día, el grupo está dirigido por socios de todos los estudios, dando forma a un modelo que crece a través de la diferencia en lugar de la duplicación.

La charla llevará al público a un viaje a través de la evolución de un estudio de diseño, destacando un enfoque narrativo del diseño y su impacto en las soluciones gráficas. La charla desglosa proyectos seleccionados para revelar cómo la narración guía las decisiones creativas desde el concepto hasta el resultado final.

Xavier Lienas es diseñador gráfico y director creativo con más de 15 años de experiencia. Tras varios años trabajando como diseñador para agencias y estudios, en 2014 cofundó BAKOOM, donde desarrolla identidades, campañas y proyectos de comunicación para una amplia gama de marcas, empresas e instituciones. Además, es cofundador del Latent Festival y compagina su práctica profesional con la docencia en universidades de diseño, donde imparte clases sobre diseño y dirección de proyectos creativos.

Somos Bakoom, un estudio de diseño gráfico donde abordamos cada proyecto como una narrativa única. Guiados por una sólida mentalidad conceptual, combinamos estrategia, narración y estética audaz para crear identidades visuales y soluciones gráficas con claridad y carácter.

Nuestro trabajo ha sido reconocido con los premios ADG Laus y European Design Awards, consolidando una trayectoria que combina concepto, emoción y estrategia visual. También somos los fundadores y directores del Latent Festival, un evento dedicado al talento emergente en el diseño y la creatividad.

En esta sesión compartiré las historias y los detalles entre bastidores de algunos de los proyectos en los que he participado a lo largo de mi carrera desde la perspectiva de la estrategia y la identidad verbal. El objetivo es mostrar los aspectos clave de mi trabajo y el impacto que tiene en los procesos de diseño y creación visual de los equipos con los que colaboro.

Se tratará sobre todo de palabras, pero que no cunda el pánico, también mostraré algunas imágenes.

Marc Torrell

Me encanta escribir desde que era niño. A medida que fui creciendo, escribí menos. Las novelas y poemas que una vez soñé escribir se convirtieron en titulares, conceptos simples y nombres de marcas. Me licencié en Publicidad y Comunicación Audiovisual, trabajé para grandes agencias internacionales y clientes dinosaurios, y más tarde descubrí el significado del diseño a través de colaboraciones con estudios como Mucho, Hey, Lo Siento, Querida y Pràctica. En 2013, cofundé Usted con mi amigo y socio, Martí Pujolàs.

Consideramos a Usted un híbrido entre una agencia de publicidad tradicional y un estudio de diseño. El enfoque, sea cual sea el proyecto, es siempre el mismo: pensamiento estratégico, concepto con longevidad y dirección artística cuidadosamente elaborada. Trabajamos directamente con los clientes o colaboramos con otros estudios en tareas de conceptualización e identidad verbal para clientes de todos los tamaños y mercados.

Day After Day

Aunque no siempre se siente del todo cómodo con la etiqueta de «diseñador», Ronan Bouroullec es sin duda uno de los profesionales más prolíficos y admirados de la actualidad. Durante más de tres décadas, su taller de París —dirigido junto a su hermano Erwan hasta 2023— ha producido una notable serie de «objetos singulares», a menudo en colaboración con importantes fabricantes de diseño como Alessi, Artek y Vitra. En una conversación especial con la periodista Anne Quito, Bouroullec reflexiona sobre la trayectoria de su carrera y explica cómo su práctica del dibujo ha seguido siendo un pilar fundamental de su vida y su trabajo. Las viñetas de su última monografía, Ronan Bouroullec: Day After Day (Phaidon, 2023), serán uno de los platos fuertes de la velada.

Nacido en Quimper, Bretaña, Ronan Bouroullec es un célebre artista y diseñador afincado en París. Su estudio, que anteriormente dirigía junto a su hermano menor Erwan, ha colaborado con algunas de las empresas de diseño más prestigiosas del mundo, como Artek, Alessi, Cappellini, Galerie Kreo, Hay, Kartell, Kvadrat, Magis, Mattiazzi, Mutina y Vitra. También es un artista prolífico, y sus dibujos se han expuesto en museos y galerías de todo el mundo, como el Centro Pompidou de París, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo Victoria and Albert de Londres.

El estudio de Ronan Bouroullec, fundado hace 30 años, tiene su sede en París y cuenta con un equipo de seis asistentes.

Undisciplined Toolkit habla de historias olvidadas y «desordenadas», y presenta una amplia gama de superficies y estrategias poco convencionales para salvar la brecha entre el trabajo autónomo y el trabajo por encargo. Las herramientas determinan la forma en que señalamos y limpiamos, pero también reflejan lo que aplastamos y lo que abordamos. Esta conferencia explora la necesidad de traspasar los límites de las herramientas y superar las funciones puramente pragmáticas, abordando la creatividad burocrática, los juegos de rol y las narrativas alternativas. Trabajar de forma indisciplinada significa navegar por el caos, flotando entre el conocimiento y el desconocimiento.

Desde 2011, Anja Kaiser trabaja de forma independiente y colabora con otros diseñadores gráficos y programadores. Hasta marzo de 2023, ocupó la cátedra interina de Tipografía en la Academia de Bellas Artes de Leipzig. En 2017, recibió el premio INFORM de la Galería de Arte Contemporáneo de Leipzig, en reconocimiento a sus prácticas de diseño conceptual. En 2020, Le Signe – Centre National du Graphisme de Chaumont le dedicó una exposición completa a su obra. En 2021, junto con Rebecca Stephany, coeditó el «Glossary of Undisciplined Design», publicado por Spector Books.

Anja Kaiser es una diseñadora gráfica y artista que trabaja en contextos culturales y subculturales. Su práctica se centra en la apropiación de medios resistentes y métodos indisciplinados. Explora narrativas alternativas y herramientas porosas dentro del diseño gráfico. Su trabajo investiga los límites entre el diseño gráfico, el arte y la música. Desde 2018, es responsable, junto con Jim Kühnel, del concepto visual del Rewire Festival. También construye ocasionalmente muebles, como mesas para las salas de estudio de la Bauhaus Dessau, u organiza eventos de arte sonoro como parte de un colectivo.

El agua tiene un profundo significado cultural, histórico y medioambiental en Barcelona. Ha moldeado la identidad, la economía y el paisaje urbano de la ciudad durante siglos. El mar ha conectado durante mucho tiempo a Barcelona con el comercio, la migración y el intercambio cultural, mientras que las fuentes, las playas y los paseos marítimos resaltan su presencia en la vida cotidiana. Tras décadas de sequía y la aparición de inundaciones anuales como nueva normalidad, el agua desempeñará un papel cada vez más importante en el futuro de la ciudad, la región, el país, el continente y el planeta.

Durante el taller de cinco días, los participantes elegirán un tema relacionado con este asunto y elaborarán una publicación de entre 12 y 16 páginas en formato DIN A4 en la que documentarán sus ideas utilizando tres técnicas de impresión.

El objetivo del taller es desarrollar las habilidades de observación, investigación, edición, redacción, maquetación y publicación de los participantes. Los temas pueden ser históricos, contemporáneos o especulativos.

Patrick Thomas es un artista gráfico, autor y educador. Estudió en el Central Saint Martins y en el Royal College of Art de Londres antes de trasladarse a Barcelona en 1991. Actualmente vive y trabaja en Berlín. Ha expuesto sus serigrafías de edición limitada en los cinco continentes, muchas de ellas se encuentran ahora en colecciones privadas y públicas.

Desde octubre de 2013 es profesor de la Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart. Es miembro de Alliance Graphique Internationale.

Copy pop: new narratives in contemporary music

En esta sesión, exploraremos cómo varios músicos de diferentes épocas y estilos han creado narrativas que aportan significado y complejidad a sus álbumes. ¿Cuándo pasó la música de ser una colección de canciones a convertirse en un «álbum conceptual» y por qué? ¿Cuál es el propósito de estas narrativas? ¿Cómo amplían la historia que cuenta un disco? ¿Y por qué un álbum necesita historias que lo acompañen?

Gabriel Ventura (Granollers, 1988) es poeta. Es licenciado en Humanidades y tiene un máster en Estudios Literarios, Artísticos y del Pensamiento por la Universidad Pompeu Fabra (UPF). Su trabajo explora la poesía, la performance y la imagen en movimiento como medios creativos. Entre sus libros se encuentran W (2017), Apunts per a un incendi dels ulls (2020) —que inspiró una exposición homónima en el MACBA—, La nit portuguesa (2021) —un diario de rodaje de una película de Albert Serra— y El millor dels mons impossibles (2025). Trabaja en la intersección entre la poesía y otras artes, colaborando con artistas visuales, cineastas y músicos como Rosa Tharrats, Albert Serra y Rosalía. Actualmente es director del festival POESIA i + y profesor en BAU.

El recorrido creativo de Gabriel Ventura suele comenzar con la poesía, para luego extenderse a la acción, la pedagogía, la investigación y el vídeo. En su enfoque, la literatura sirve como una poderosa herramienta para fomentar las conexiones emocionales en una era marcada por la hiperinformación y la dispersión global. Ventura considera sus textos como entidades enigmáticas e independientes con el potencial de remodelar la realidad que los envuelve. Su trabajo refleja una exploración holística de las artes, utilizando la poesía como punto de partida para involucrarse con diversas disciplinas y medios, contribuyendo en última instancia a un panorama creativo transformador e interconectado.