Undisciplined Toolkit habla de historias olvidadas y «desordenadas», y presenta una amplia gama de superficies y estrategias poco convencionales para salvar la brecha entre el trabajo autónomo y el trabajo por encargo. Las herramientas determinan la forma en que señalamos y limpiamos, pero también reflejan lo que aplastamos y lo que abordamos. Esta conferencia explora la necesidad de traspasar los límites de las herramientas y superar las funciones puramente pragmáticas, abordando la creatividad burocrática, los juegos de rol y las narrativas alternativas. Trabajar de forma indisciplinada significa navegar por el caos, flotando entre el conocimiento y el desconocimiento.

Desde 2011, Anja Kaiser trabaja de forma independiente y colabora con otros diseñadores gráficos y programadores. Hasta marzo de 2023, ocupó la cátedra interina de Tipografía en la Academia de Bellas Artes de Leipzig. En 2017, recibió el premio INFORM de la Galería de Arte Contemporáneo de Leipzig, en reconocimiento a sus prácticas de diseño conceptual. En 2020, Le Signe – Centre National du Graphisme de Chaumont le dedicó una exposición completa a su obra. En 2021, junto con Rebecca Stephany, coeditó el «Glossary of Undisciplined Design», publicado por Spector Books.

Anja Kaiser es una diseñadora gráfica y artista que trabaja en contextos culturales y subculturales. Su práctica se centra en la apropiación de medios resistentes y métodos indisciplinados. Explora narrativas alternativas y herramientas porosas dentro del diseño gráfico. Su trabajo investiga los límites entre el diseño gráfico, el arte y la música. Desde 2018, es responsable, junto con Jim Kühnel, del concepto visual del Rewire Festival. También construye ocasionalmente muebles, como mesas para las salas de estudio de la Bauhaus Dessau, u organiza eventos de arte sonoro como parte de un colectivo.

El agua tiene un profundo significado cultural, histórico y medioambiental en Barcelona. Ha moldeado la identidad, la economía y el paisaje urbano de la ciudad durante siglos. El mar ha conectado durante mucho tiempo a Barcelona con el comercio, la migración y el intercambio cultural, mientras que las fuentes, las playas y los paseos marítimos resaltan su presencia en la vida cotidiana. Tras décadas de sequía y la aparición de inundaciones anuales como nueva normalidad, el agua desempeñará un papel cada vez más importante en el futuro de la ciudad, la región, el país, el continente y el planeta.

Durante el taller de cinco días, los participantes elegirán un tema relacionado con este asunto y elaborarán una publicación de entre 12 y 16 páginas en formato DIN A4 en la que documentarán sus ideas utilizando tres técnicas de impresión.

El objetivo del taller es desarrollar las habilidades de observación, investigación, edición, redacción, maquetación y publicación de los participantes. Los temas pueden ser históricos, contemporáneos o especulativos.

Patrick Thomas es un artista gráfico, autor y educador. Estudió en el Central Saint Martins y en el Royal College of Art de Londres antes de trasladarse a Barcelona en 1991. Actualmente vive y trabaja en Berlín. Ha expuesto sus serigrafías de edición limitada en los cinco continentes, muchas de ellas se encuentran ahora en colecciones privadas y públicas.

Desde octubre de 2013 es profesor de la Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart. Es miembro de Alliance Graphique Internationale.

Copy pop: new narratives in contemporary music

En esta sesión, exploraremos cómo varios músicos de diferentes épocas y estilos han creado narrativas que aportan significado y complejidad a sus álbumes. ¿Cuándo pasó la música de ser una colección de canciones a convertirse en un «álbum conceptual» y por qué? ¿Cuál es el propósito de estas narrativas? ¿Cómo amplían la historia que cuenta un disco? ¿Y por qué un álbum necesita historias que lo acompañen?

Gabriel Ventura (Granollers, 1988) es poeta. Es licenciado en Humanidades y tiene un máster en Estudios Literarios, Artísticos y del Pensamiento por la Universidad Pompeu Fabra (UPF). Su trabajo explora la poesía, la performance y la imagen en movimiento como medios creativos. Entre sus libros se encuentran W (2017), Apunts per a un incendi dels ulls (2020) —que inspiró una exposición homónima en el MACBA—, La nit portuguesa (2021) —un diario de rodaje de una película de Albert Serra— y El millor dels mons impossibles (2025). Trabaja en la intersección entre la poesía y otras artes, colaborando con artistas visuales, cineastas y músicos como Rosa Tharrats, Albert Serra y Rosalía. Actualmente es director del festival POESIA i + y profesor en BAU.

El recorrido creativo de Gabriel Ventura suele comenzar con la poesía, para luego extenderse a la acción, la pedagogía, la investigación y el vídeo. En su enfoque, la literatura sirve como una poderosa herramienta para fomentar las conexiones emocionales en una era marcada por la hiperinformación y la dispersión global. Ventura considera sus textos como entidades enigmáticas e independientes con el potencial de remodelar la realidad que los envuelve. Su trabajo refleja una exploración holística de las artes, utilizando la poesía como punto de partida para involucrarse con diversas disciplinas y medios, contribuyendo en última instancia a un panorama creativo transformador e interconectado.

Systemic Type Design

El diseño tipográfico sistémico es más que diseñar fuentes. Un sistema tipográfico es una herramienta de diseño eficaz que ayuda a los diseñadores a crear. Si se hace

bien, el acto de escribir es el acto de diseñar sin necesidad de maquetar el texto. En este curso desarrollaremos un sistema tipográfico experimental que genera de forma casi automática fantásticas aplicaciones de diseño.

Martin Lorenz bien podría haberse convertido en cocinero, dibujante de cómics o arquitecto, de no haber sido por unas prácticas en el estudio de diseño Müller + Volkmann. Lorenz estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Darmstadt y en la Real Academia de las Artes (KABK) de La Haya. Tras trabajar cuatro años en el estudio Hort, se trasladó a Barcelona para fundar TwoPoints.Net con Lupi Asensio y realizó su Máster y Doctorado en Investigación en Diseño en la UB. Lorenz da clases en Elisava desde 2006 y todavía le gusta cocinar.

Surveillance art, dying phones, and fake likes

En esta fascinante charla, Dries Depoorter se adentra en su mundo artístico, difuminando los límites entre la tecnología y la creatividad. Los asistentes realizarán un recorrido por los proyectos recientes y futuros de Depoorter, lo que les permitirá conocer los procesos conceptuales y técnicos que hay detrás de su trabajo. Dries ofrecerá demostraciones en directo de su arte en forma de regalos de «me gusta» o seguidores. Esta conferencia ofrece una oportunidad única para conocer mejor los proyectos que le han valido el reconocimiento mundial.

El tecnólogo creativo y artista belga Dries Depoorter, afincado en Gante, crea obras que invitan a reflexionar sobre la tecnología, la vigilancia, la inteligencia artificial y las redes sociales de una manera lúdica que hace reír a la gente al tiempo que transmite mensajes serios de forma accesible. Sus proyectos exploran la cultura digital que puede inspirar a los profesionales del marketing:

retos de privacidad, aplicaciones de inteligencia artificial, vigilancia y proyectos auténticos en redes sociales.

Con su experiencia única en electrónica e innovación digital, Dries se ha convertido en la voz de las marcas y los profesionales del marketing con visión de futuro que buscan navegar por el complejo panorama digital actual. Su enfoque artístico puede inspirar directamente a las marcas a pensar de forma diferente y desarrollar conceptos de marketing originales que destaquen. A través de su trabajo, Dries demuestra cómo la combinación de la creatividad con los conocimientos tecnológicos crea momentos virales.

Su galardonada aplicación «Die With Me», a la que solo se puede acceder cuando la batería del teléfono del usuario baja del 5 %, demuestra cómo la escasez y las experiencias únicas de los usuarios pueden crear un fuerte compromiso. El Black Friday, duplica el precio de su aplicación en lugar de ofrecer descuentos, mostrando a las marcas cómo romper las reglas del marketing puede atraer la atención.

En su proyecto viral «The Follower», Dries aprovecha las cámaras abiertas y la inteligencia artificial para revelar la realidad que se esconde detrás de los momentos seleccionados de Instagram, ofreciendo a los profesionales del marketing una visión sin filtros del comportamiento de los consumidores y la creación de contenidos.

Por su parte, «The Flemish Scrollers» utiliza la inteligencia artificial para identificar automáticamente a los políticos que utilizan teléfonos inteligentes durante las sesiones parlamentarias, lo que pone de relieve cómo la tecnología puede generar responsabilidad y transparencia en los espacios públicos.

Dries ha expuesto en lugares prestigiosos como el Barbican de Londres, Art Basel, el Festival Mutek de Montreal, ZKM, Bozar, WIRED y Ars Electronica.

Del Entendimiento a la Oportunidad

Esta sesión marca un punto de inflexión — De explorar y cuestionar a articular lo que realmente hemos comprendido desde el primer acercamiento. Nos hemos acercado al área del problema, es momento de reunirlo todo y entender hacia dónde nos conduce.

Los grupos presentarán su entendimiento del problema: el contexto en el que existe, a quién impacta y por qué es relevante. Pero, más importante aún, articularán cómo abre espacio para el diseño, a través de una declaración clara y bien fundamentada de “¿Cómo podríamos…?”.

A través del feedback entre pares y la reflexión compartida, aprenderán a ver su propio trabajo desde nuevas perspectivas, a desafiar supuestos y a encontrar fortaleza en la diversidad de miradas.

Juli Groshaus es Business Designer y Design Strategist en Vandals. Le apasiona convertir las decisiones del día a día en métricas claras que  permitan evaluar procesos, facilitar conversaciones claves y asegurar que las decisiones tomadas a nivel estratégico estén fundamentadas en un enfoque que considere a las personas, al negocio y al sistema en su conjunto.

Vandals es una Consultora Estratégica que transforma la visión en valor, conectando investigación, diseño y negocio para refinar la dirección, enfocar en lo que realmente importa e impulsar el cambio. No solo construyen estrategias: habilitan decisiones audaces y acompañan la transformación desde el insight hasta la acción. ¿El objetivo? Ayudar a las organizaciones a avanzar, desafiando supuestos, conectando claridad con ejecución y guiando a los equipos a entender dónde están ahora, hacia dónde pueden ir y cómo llegar hasta allí.

Estudié periodismo y trabajé como periodista, pero hoy en día mi escritura se encuentra entre el periodismo, la escritura académica y el ensayo. Me encanta investigar y lo hago de forma muy exhaustiva. Creo en la calidad más que en la cantidad: Low-tech Magazine no publica con frecuencia, pero muchos artículos siguen siendo populares durante años. Alrededor de 2016 también empecé a trabajar con diseñadores y otros colaboradores para crear objetos que reflejaran el enfoque de la revista: encontrar inspiración en el pasado e intentar dirigir el desarrollo tecnológico en una dirección diferente. Creo en el poder de la comunidad: construir cosas juntos, combinando diferentes habilidades.

¿Cómo se diseña una atmósfera?

¿Puedes imaginar un lugar, la sensación de estar dentro de él? ¿El olor, la temperatura, la tensión o la calma que impregna el aire? Quizás te recuerde a algún lugar en el que has estado antes. Quizás quieras quedarte, o quizás no quieras volver a sentirte así nunca más.

La narrativa de una marca en la práctica suele ser una colección de palabras y fragmentos, una visión amorfa que está destinada a ser sentida, no fácilmente leída o resumida. Cuando hablamos de crear un «ambiente», en realidad nos referimos a organizar todos los elementos dentro de una habitación ficticia para crear un estado de ánimo específico.

Pero, ¿qué tipo de ambiente quieres crear?

Uno muy definido, algo perfectamente controlado, puede parecer preciso o puede resultar alienante. A veces, los espacios más interesantes son aquellos que mantienen la tensión: los que te hacen cuestionar, detenerte, pensar. En otros casos, la atmósfera invita a la comodidad; se siente familiar, como algo que podría ser nuestro.

En esta sesión, exploraremos los diferentes rincones desde los que puedes empezar a construir una atmósfera, y cómo utilizarla como mentalidad puede ayudarte a crear mundos interesantes y complejos en los que la gente quiera estar.

La mejor forma de describirme es admitiendo que soy curioso, tengo un sentido del humor cuestionable, me cuesta mantener la atención durante mucho tiempo y tengo una obsesión por obsesionarme. Me atraen las contradicciones y, a menudo, me siento más cómodo en los términos medios.

Mi fascinación por las imágenes me llevó a convertirme en diseñador gráfico, mientras que mi tendencia a cuestionarlo todo me empujó hacia el pensamiento estratégico. El equilibrio entre estas dos energías me ha permitido colaborar en proyectos únicos con estudios, marcas y particulares por igual.

Anteriormente he trabajado para marcas como: Nomad Coffee, Pull&Bear, Adidas, Bershka, Amazon Music Es, Estrella Galicia, ELISAVA, TOUS, VICIO. Y colaborado con: Querida, ESCOLA, Mañana, Socis Club, Gallery Studios, Folch Studio.

Hoy (16/10/25) (16:05) CENTRO es una consultoría ficticia de estrategia y creatividad dirigida por Nicolás Cevallos. Ofrecemos soluciones a medida para proyectos que necesitan un equilibrio entre el pensamiento estratégico y la visión creativa, convirtiendo los insights en ideas.

Nos interesa comprender la relación entre las personas y el comercio. Estudiamos el futuro de la cultura y su inminente canibalización. Nos importa el arte. Construimos relaciones con individuos, colectivos y marcas, y desarrollamos estrategias para sobrevivir en un mar de uniformidad y aburrimiento.

Architecting creative work

Esta clase magistral explora cómo un proyecto evoluciona desde ser solo una buena idea hasta convertirse en una propuesta con dirección, coherencia y propósito. A través de marcos prácticos y ejercicios, obtendrás un método que podrás utilizar, adaptar y hacer tuyo para transformar ideas dispersas en sistemas vivos. El tipo de trabajo que no solo se ve bien, sino que se siente coherente, conmovedor y capaz de tener el impacto que imaginaste.

Clara Rodés es directora de estrategia en Codea, donde une la estrategia y la dirección creativa para ayudar a marcas e instituciones a crear trabajos con intención. Con sede en Barcelona, también imparte clases en la Universidad Elisava, donde ayuda a los estudiantes a pensar de forma crítica sobre su trabajo y a conectar el pensamiento estratégico con sistemas creativos que cobran sentido en la cultura.

Codea es una empresa creativa especializada en dirección creativa, diseño y producción.
Con sede en Barcelona y Londres, trabajamos en la intersección entre el concepto y la artesanía, fusionando la dirección creativa, el diseño y la producción de alta gama en cine y fotografía en un único proceso cohesionado. Nuestro trabajo identifica las convenciones para desafiarlas, ofreciendo un resultado impactante y elegante. Creemos que la publicidad tradicional es obsoleta; nadie quiere ser interrumpido por mensajes sin alma. Se dice que nuestro trabajo refleja el pulso de la cultura, pero a nosotros nos gusta decir que nos tomamos en serio nuestras propias bromas.

Valentina Marun, Danae Lois Gomez & Juli Groshaus, son Business Designers y Design Strategists en Vandals, una Consultora Estratégica que transforma la visión en valor, conectando investigación, diseño y negocio para refinar la dirección, enfocar en lo que realmente importa e impulsar el cambio. No solo construyen estrategias: habilitan decisiones audaces y acompañan la transformación desde el insight hasta la acción. ¿El objetivo? Ayudar a las organizaciones a avanzar, desafiando supuestos, conectando claridad con ejecución y guiando a los equipos a entender dónde están ahora, hacia dónde pueden ir y cómo llegar hasta allí.

20 años en el diseño

En empresas sin ánimo de lucro y con ánimo de lucro, en startups y a gran escala, en juntas directivas y en residencias, en medios impresos y con IA, como escritor, diseñador, profesor y líder, la carrera de Rob ha abarcado una amplia gama de proyectos en la intersección del diseño, la cultura y la tecnología. En esta charla compartirá algunos trabajos recientes de Notion, así como trabajos de Google y el MoMA, conectados en sus usos de la investigación estratégica, la narración centrada en la marca y el diseño multidisciplinar centrado en el ser humano para transmitir historias y experiencias únicas a audiencias globales.

Rob Giampietro es un diseñador afincado en Nueva York, donde es Jefe Creativo de Notion, una herramienta de productividad celebrada por la lista «AI 50» de Forbes en 2024. Activo en los mundos del diseño, el arte y la tecnología, Rob ha ocupado puestos de liderazgo creativo en Google (Material Design, Research & Machine Intelligence, Search/Assistant) y en el MoMA, donde fue Director de Diseño durante la histórica ampliación del museo en 2019.

Rob enseñó durante más de una década en el programa MFA de Diseño Gráfico de RISD y ha sido vicepresidente de AIGA/NY. En 2024, fue presidente del jurado de los 100º premios anuales 50 Books 50 Covers de AIGA. Graduado por Yale, Rob ha sido becario en MacDowell y en la Academia Americana de Roma, además de recibir el reconocimiento de los Premios Nacionales de Diseño por su trabajo en Project Projects. Rob ha sido asesor del Aspen Ideas Festival y es administrador y miembro del consejo de la Aperture Foundation.

Notion es el espacio de trabajo conectado que permite a equipos e individuos compartir fácilmente documentos, tomar notas, gestionar proyectos y organizar conocimientos, todo en un mismo lugar. Los usuarios pueden crear y personalizar hermosos documentos, hojas de ruta, bases de conocimientos y mucho más, ayudándoles a trabajar de forma más inteligente y rápida.

En un mundo en constante cambio, la arquitectura se enfrenta al reto de representar, habitar y dar forma a realidades diversas a escala global.
Este taller propone un ejercicio experimental: el diseño de banderas para la Unión Internacional de Arquitectos (UIA), la organización que reúne a arquitectos de todos los continentes bajo una visión compartida del futuro construido. La bandera, como símbolo, concentra la identidad de una comunidad.
Su poder reside en su capacidad para sintetizar valores, territorios y aspiraciones en un lenguaje gráfico esencial.

Aunque se desconoce su origen exacto, las banderas han acompañado a las civilizaciones desde la antigüedad, estableciéndose como un lenguaje esencial para expresar identidad, pertenencia y aspiraciones compartidas.

El ejercicio consiste en rediseñar la bandera de la Unión Internacional de Arquitectos (UIA), reinterpretando su identidad desde una óptica contemporánea.
El nuevo diseño debe alejarse por completo de la bandera actual de la UIA, con el objetivo de construir en su lugar un símbolo que refleje la diversidad, la sostenibilidad y el futuro de la arquitectura a escala mundial.

El ejercicio comenzará con la fusión de tres puntos de referencia que servirán de base para el desarrollo de la bandera:
1. Movimientos arquitectónicos

2. Geografías y climas

3. Valores fundamentales de la UIA

LEÓN ROMERO es un estudio de comunicación visual con sede en Barcelona fundado por Jorge León y Mikel Romero. El estudio aborda los proyectos a través de la dirección creativa y el diseño visual, ofreciendo soluciones audaces y funcionales tanto en el ámbito cultural como en el comercial, al tiempo que fusiona a la perfección los mundos físico y digital de una manera cohesiva.

Impulsado por el diseño tipográfico, LEÓN ROMERO ofrece una amplia gama de servicios, como identidad visual, campañas gráficas, diseño editorial y web, packaging y dirección artística. El estudio mantiene sólidas relaciones con una vibrante red de fotógrafos, ilustradores, editores y redactores, y realiza proyectos de todos los tamaños.