En este showcase repasaré diferentes proyectos y experiencias que tienen que ver con las cosas que nos hacen felices en el estudio. Normalmente relacionadas con crear y pensar con los menos ingredientes posibles. También sobre repensar por qué hacemos lo que hacemos y regenerar la motivación por nuestra profesión.

Marc Castellví (Barcelona, 1989) es motion designer y director. Ha cofundado proyectos como No Más de Mamá (2012), Outro Studio (2014) y Abuela (2020-actualidad). En Abuela, se especializa en narrativas visuales, ayudando a los clientes a dar forma a sus historias, definir un lenguaje visual único y explorar nuevos lenguajes y formatos de producción.

Abuela es un estudio con sede en Barcelona formado por los directores creativos Kevin Sabariego y Marc Castellví.

Especializados en narrativas visuales, ayudamos a nuestros clientes a escribir su historia, crear un lenguaje visual único y producirlo por cualquier medio.
Aceptamos proyectos con un enfoque flexible, versátil y abierto.

Nadie hablará de ti como tu Abuela.

Publicada entre 1984 y 2005, Emigre fue la primera revista especializada en tipografía que captó la necesidad de un cambio en el diseño gráfico de la era digital. En sus páginas aparecieron los representantes de una nueva sensibilidad que desafiaba el canon moderno con experimentos tipográficos que fragmentaban la composición y ponían en crisis la legibilidad de los textos. La revista supuso toda una conmoción en el mundo del grafismo de finales del siglo XX y representó la fractura entre la vieja generación analógica,  formada en el espíritu del movimiento moderno, y la nueva generación posmoderna que comenzaba a desarrollarse en un entorno digital. En sus páginas se fomentó el debate en los ámbitos de la profesión y de la academia, dotando a la práctica del diseño gráfico de un sólido discurso teórico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Studio Airport trabaja en la intersección del diseño gráfico y el cine, mostrando una década de narración de historias en diversos formatos, como publicaciones impresas, largometrajes y documentales interactivos. Durante la conferencia exploraremos lo que la narración de historias puede significar para el mayor cementerio público de Nueva York, pero también para la prisión de San Quintín, en la costa oeste. Conoceremos el desarrollo de una marca para materiales de base biológica y la publicación de una revista sobre ecología, diseño y ciencia para el Museo del Diseño de Londres.

El estudio nos da una visión de su enfoque del diseño y de cómo el equipo trabaja en proyectos de mayor y menor escala con la misma dedicación al detalle y adoptando el arte, la artesanía y la innovación a todos los aspectos de su trabajo. La mayoría de sus proyectos se han convertido en profundos mecanismos de narración que equilibran los mundos editorial y artístico.

Gravitando en torno a las expresiones del arte, la cultura, la ecología y la ciencia, Studio Airport redefine la relación entre el diseño gráfico y el cine componiendo momentos en experiencias. El estudio participa en proyectos por encargo, así como en iniciativas propias, siempre guiados por una sensibilidad artística.

Fundado en 2011 por Bram Broerse y Maurits Wouters, Studio Airport está formado por un unido equipo de creativos apoyados por una red de especialistas. En la última década, Studio Airport ha cosechado elogios nacionales e internacionales por su trabajo con Emergence Magazine, SeeAllThis, Normal Phenomena of Life, Hart Island Project, Slowness y Sapiens Magazine, y ha recibido numerosos premios, entre ellos el de Agencia Europea del año 2024. Además del estudio, también son tutores en el máster de Diseño de la Información de la Academia de Diseño de Eindhoven.

[Una herramienta] que subraya que lo que nos hace humanos — nuestras imperfecciones

Como diseñadores, emprendedores y arquitectos de la cultura digital, sentimos la necesidad de reorientar nuestra forma de afrontar el futuro digital. La tecnología intenta crear experiencias sin fisuras, igualar todas nuestras arrugas. La IA nos sugiere un futuro suave y predecible, el chatGPT nos escribe textos perfectos, las faltas de ortografía se extinguen. Esta es una investigación sobre la fricción y el desorden humano: la imperfección y cómo podemos revivirla. El manifiesto del ser humano imperfecto es una llamada a la resistencia y a la reflexión sobre cómo podemos utilizar la tecnología de forma opuesta.

Luna Maurer es diseñadora multimedia, artista, conferenciante y autora. Su trabajo se centra en el impacto de las tecnologías digitales en la vida cotidiana. Explora las características humanas a través de instalaciones, performances, experiencias web y películas. Es cofundadora del estudio Moniker, conocido por sus proyectos participativos y basados en la web, y coautora del influyente manifiesto Conditional Design. Actualmente está redefiniendo las perspectivas de la tecnología digital y es coautora del manifiesto Designing Friction, que aboga por la fricción en la cultura digital.

Diseñar una experiencia lúdica con juegos de mesa críticos

Los juegos son un reflejo de los valores, aspiraciones y luchas de la sociedad, lo que los convierte en poderosas herramientas para el compromiso crítico. Este taller ofrece la oportunidad de desarrollar habilidades de diseño al tiempo que se abordan cuestiones contemporáneas a través del juego, la narración y la interacción. Los participantes adquirirán experiencia práctica en la integración de la mecánica del juego, la comunicación visual y la narrativa en un atractivo proyecto de diseño en forma de juego de mesa.

Al final del taller, nuestro objetivo es inspirar a los participantes para que reconozcan el potencial del diseño de juegos como instrumento de activismo. Queremos que vean los juegos no sólo como un entretenimiento, sino como poderosas herramientas para el debate, la propuesta de alternativas y el fomento de la reimaginación colectiva del mundo en que vivimos.

Tereza Ruller se identifica como madre, diseñadora de comunicación y educadora. En su práctica -The Rodina- investiga el enfoque performativo y crítico del diseño de la comunicación. Su enfoque transdisciplinar hace hincapié en el poder del juego, el espectador activo y las relaciones entre actores humanos y no humanos. El trabajo de Ruller prospera en el contexto cultural, entretejiendo eventos participativos, instalaciones espaciales, entornos virtuales e identidades visuales. Comprometida con los problemas ecológicos y sociales de nuestro tiempo, trata de fomentar la reimaginación colectiva y abrazar la interdependencia que define nuestro mundo compartido. Tereza Ruller es profesora de Diseño de la Comunicación y Prácticas Digitales en HfG Karlsruhe y tutora de Narrativas Críticas en la Academia de Diseño de Eindhoven.

Explora cómo aplicar mejor el diseño y la narración para dar forma a la estrategia, los sistemas y las conversaciones públicas.

La forma en que imaginamos el futuro determina su desarrollo. En el mundo del cine, los medios de comunicación y el entretenimiento, hemos visto cómo las visiones del futuro pueden cambiar las expectativas e inspirar la acción. Hoy en día, el diseño desempeña un papel similar: no se limita a crear soluciones funcionales, sino que visualiza caminos hacia el futuro que parecen reales, identificables y al alcance de la mano.

Este taller ofrece a los estudiantes la oportunidad de contribuir a este proceso. Trabajando en el contexto de un tren de alta velocidad, los estudiantes crearán narrativas visuales que transformen amplias ambiciones sociales -como infraestructuras conectadas, bienestar colectivo y crecimiento sostenible- en ideas claras y viables. Al proporcionar parámetros claros para la exploración creativa, el curso fomenta un pensamiento más profundo, conceptos de diseño más nítidos y resultados más refinados.

Kaave Pour es un emprendedor creativo y fundador de varias empresas centradas en reimaginar el futuro a través del diseño, la política y la colaboración. Anteriormente, fue cofundador, Consejero Delegado y Director Creativo de SPACE10, el aclamado laboratorio de I+D conocido por sus pioneras exploraciones de diseño en colaboración con IKEA, Apple y el MIT. Kaave también dirige Sun-Sun, una empresa centrada en repensar el hogar a través del diseño y la tecnología. Su trabajo abarca el diseño, la cultura y la innovación, centrándose en ideas que crean nuevas posibilidades para nuestra forma de vivir, trabajar y conectarnos. Como Presidente de los Danish Design Awards, aboga por el diseño como forma de crear un impacto reflexivo y tangible en nuestra forma de vivir e interactuar con el mundo.

¿Dónde acaba la inteligencia artificial y dónde empezamos nosotros? El trabajo en constante evolución de la artista e investigadora Sougwen Chung sobre la colaboración entre humanos y máquinas se basa en un viaje internacional de una década de duración. Partiendo de una simple línea, el proceso ha desembocado en reflexiones interdisciplinarias, indagaciones filosóficas e invenciones tecnológicas a través de una práctica artística pionera. Entrelazando las perspectivas del arte y la ciencia, la práctica de Chung imagina futuros alternativos para la relación entre humanos y máquinas. «Abrazar las contradicciones en el arte y la investigación puede allanar el camino hacia una tercera vía, inspirada en la tradición y en el desarrollo de nuevas hibridaciones», afirma Chung.

Sougwen 愫君 Chung es una artista e investigadora chino-canadiense afincada en Londres. Su obra explora las marcas hechas a mano y las marcas hechas por máquinas para entender la dinámica de los seres humanos y los sistemas. Chung fue investigador en el Media Lab del MIT y pionero en el campo de la colaboración entre humanos y máquinas. La obra MEMORY de Sougwen forma parte de la colección permanente del Victoria and Albert Museum, y es el primer modelo de IA coleccionado por una gran institución. Recientemente, Chung ha sido reconocido como Líder Cultural en el Foro Económico Mundial, uno de los cuatro galardonados con el premio TIME100 Impact y nombrado una de las 100 personas más influyentes en IA por TIME.

Scilicet es un estudio que explora la colaboración, los modos de detección y la creación de marcas entre el ser humano y la máquina, lo orgánico y lo sintético, lo improvisado y lo computacional.

Fundado por la artista e investigadora Sougwen Chung, Scilicet es pionero en la colaboración interdisciplinar entre artistas y tecnologías robóticas, centrándose en la experimentación, la invención y el cuidado.

Al abordar la tecnología no como una herramienta sino como un colaborador, Scilicet desarrolla configuraciones del ser humano y la máquina más allá de la automatización. Exploran estas ideas a través de instalaciones, performances, experiencias y artefactos.

Joost Grootens es un diseñador gráfico neerlandés reconocido por su enfoque innovador en el diseño de libros, especialmente en el ámbito de los atlas y las obras de referencia. Su trabajo se caracteriza por la habilidad en presentar información compleja de manera accesible y visualmente atractiva promoviendo la idea de que el diseño debe servir al contenido y no competir con él. Emplea infografías, gráficos y mapas para simplificar y organizar grandes cantidades de datos dirigidos sobre todo a un público científico y académico al que proporciona una navegación visual intuitiva que permite explorar el libro de manera no lineal. Veremos varios ejemplos de su obra que demuestran que este tipo de libros pueden ser funcionales y hermosos a la vez. Grootens sabe encontrar belleza en la información y poesía en los datos.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Un taller de cinco días para aprender el pensamiento procedimental y cómo desarrollar sistemas en lugar de soluciones puntuales. Este curso combina el diseño tipográfico, los procesos de diseño y los sistemas flexibles, y no requiere ningún conocimiento o experiencia particular en software. Los alumnos aprenderán flujos de trabajo procedimentales y desarrollarán sistemas de diseño flexibles.

El objetivo del taller es introducir los fundamentos de un flujo de trabajo de diseño procedimental y aplicar el pensamiento procedimental para desarrollar formas de letras y sistemas tipográficos.

Este taller está concebido como un curso intensivo para estudiantes interesados en adquirir procesos y habilidades para incorporar el pensamiento procedimental a sus flujos de trabajo de forma divertida y creativa. Este curso debería despertar la curiosidad y abrir nuevas vías de investigación.

Daniel Wenzel es un diseñador y tecnólogo creativo alemán afincado en Nueva York. Especializado en tipografía y procesos generativos, se mueve en la intersección del arte, el diseño y la tecnología.

Formó parte de DIA Studio durante hace siete años y actualmente trabaja de forma independiente. A lo largo de su carrera, ha contribuido a proyectos que utilizan el pensamiento procedimental en beneficio de sistemas coherentes y avances tecnológicos. Ha trabajado para clientes de renombre internacional como Apple, Google, Louis Vuitton, MoMA, Nike y The New York Times. Su trabajo ha aparecido en publicaciones y exposiciones de todo el mundo y ha sido reconocido con premios como el Young Guns 22.

Además de su práctica profesional, Daniel imparte clases en el Pratt Institute y la Cooper Union de Nueva York. Anteriormente, ha impartido clases en el Master de Diseño Visual, programa de Tipografía en ELISAVA en Barcelona, talleres en HEAD Genève y HS Mainz, y conferencias en KABK, Weltformat, TDC Inscript, y el MIT Media Lab, entre otros.

Procedural Typography Diseño de programas y sistemas para la expresión tipográfica. 

Explorando el papel de las herramientas en el proceso de diseño y su influencia en la estética, la eficiencia y la escalabilidad, desde el dominio de los estándares de la industria, el aprendizaje de nuevas herramientas como parte de los esfuerzos de resolución de problemas de un proyecto, el mal uso o la fabricación de sus propias herramientas, hasta la influencia de la IA y su potencial de asistencia.

Proporcionar ideas sobre el pensamiento procedimental aplicado a la tipografía y otras disciplinas del diseño, haciendo hincapié en el desarrollo de sistemas visuales coherentes y flexibles y fomentando un enfoque metódico pero creativo de los retos del diseño.

Daniel Wenzel es un diseñador y tecnólogo creativo alemán afincado en Nueva York. Especializado en tipografía y procesos generativos, se mueve en la intersección del arte, el diseño y la tecnología. 

Forma parte de DIA Studio desde hace siete años y actualmente trabaja de forma independiente. A lo largo de su carrera, ha contribuido a proyectos que utilizan el pensamiento procedimental en beneficio de sistemas coherentes y avances tecnológicos. Ha trabajado para clientes de renombre internacional como Apple, Google, Louis Vuitton, MoMA, Nike y The New York Times. Su trabajo ha aparecido en publicaciones y exposiciones de todo el mundo y ha sido reconocido con premios como el Young Guns 22.

Además de su práctica profesional, Daniel imparte clases en el Pratt Institute y la Cooper Union de Nueva York. Anteriormente, ha impartido clases en el Master de Diseño Visual, programa de Tipografía en ELISAVA en Barcelona, talleres en HEAD Genève y HS Mainz, y conferencias en KABK, Weltformat, TDC Inscript, y el MIT Media Lab, entre otros.

26A1® es una fundición tipográfica independiente fundada en 2022. Nuestro enfoque es experimental, expresivo y con la intención de desafiar las convenciones.

Nos esforzamos por crear tipos de letra que vayan más allá de la estética y busquen la funcionalidad y la innovación. Aprovechando la tecnología, pretendemos tender un puente entre el diseño tipográfico clásico y las posibilidades del futuro.

Nuestra investigación consiste en desafiar los límites del diseño tipográfico. Buscamos un reino donde la forma siga a la función, donde la ambición impulse la innovación y donde la intersección del arte, el diseño y la tecnología se convierta en un lienzo para la transformación positiva.

Nuestro objetivo es crear software para hacer avanzar el campo del diseño: herramientas que agilicen el proceso de diseño u ofrezcan nuevos marcos, que abran nuevas perspectivas de posibilidades de diseño. Al hacer accesibles estas herramientas, pretendemos capacitar a un espectro más amplio de diseñadores para que innoven y desafíen el statu quo. Aunque nuestro trabajo nos impulsa a tener un impacto directo, también reconocemos el potencial exponencial de equipar a otros con herramientas innovadoras que les permitan cambiar las cosas a su manera.

Loose Associations explora los momentos clave del viaje de 22 años de NODE a través de las personas, ideas y proyectos que lo definieron. Utilizando conexiones asociativas, la presentación pone de relieve cómo las colaboraciones y experiencias se entrelazan, construyéndose unas sobre otras para dar forma a una práctica dinámica. NODE le invita a descubrir cómo todo -y todos- está interconectado en su proceso creativo.

Serge Rompza se licenció en la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam y cofundó el estudio de diseño gráfico NODE en 2003 con su socio noruego Anders Hofgaard. NODE, que opera entre Berlín y Oslo, colabora con clientes como OMA, Diller Scofidio + Renfro, MIT (ACT) y Hermès.
Desde 2004, Serge enseña activamente en universidades de todo el mundo, fomentando una nueva generación de diseñadores. Tiene una larga relación con Elisava.

NODE es un estudio de diseño con sede en Berlín y Oslo fundado en 2003 por Anders Hofgaard y Serge Rompza. El estudio trabaja en colaboración en diversos medios para una amplia gama de clientes, desde particulares a instituciones, centrándose en la impresión, la identidad, las exposiciones y el trabajo interactivo. Además de proyectos de estudio, NODE da conferencias y organiza talleres en academias de arte y diseño.

La cuadrícula tiene 4 x 4 puntos de coordenadas.
Los puntos están ordenados alfabéticamente de la A a la P, de izquierda a derecha, de arriba abajo.

La cuadrícula tiene 16 puntos.

La retícula permite 120 uniones de 2 puntos.

Ej.
A con B,C,D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (15)
B a C,D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (14)
C a D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (13)
etc.

La retícula permite 560 conexiones de 3 puntos.

Ej.
A-B a C,D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (14)
A-C a D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (13)
de A-D a E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (12)
etc.

Se eliminan 41 combinaciones con superficie cero.
Los 519 restantes son todos los triángulos posibles en esta retícula.

Para cada uno de estos 519 triángulos, se suman todos los triángulos con los que comparten un lado.

Ej.
Para el triángulo A-B-C (por los lados que contienen a A): A-B-C y A-B-C
lado A-B a A-B a C,D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (14)
lado A-C a A-C a C,D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (14)

Se eliminan las combinaciones que contienen una superficie de cero.
Los triángulos iniciales y los triángulos añadidos se distinguen por el color, los colores no se sobreimprimen.
Los triángulos que comparten tres lados, forman parte de triángulos que comparten un lado.
Estos aparecen dos veces de forma visualmente idéntica, uno de ellos se elimina.

Hay 12.981 combinaciones de 2 triángulos que comparten 1 lado, en una retícula de 4 por 4 puntos.

En geometría, una triangulación es la división de una forma en triángulos. En psicología, es la práctica de una persona de introducir a una tercera en su relación para mantener el control. Puede que estemos más cerca del segundo punto, aunque estemos introduciendo un segundo triángulo para perder el control. Es una disposición simple, la interacción de los dos triángulos crea instantáneamente formas de gran dinamismo que burlan el sistema básico en ángulo recto. Todas las combinaciones son similares, todas son diferentes, todas bellas y perfectas en su compleja sencillez y claridad gráfica. Era imposible resistirse a verlas todas.