Irma Boom es una de las diseñadoras de libros más influyentes en el ámbito contemporáneo, conocida por su enfoque innovador y experimental en el diseño editorial. Boom desafía las convenciones y obliga al lector a interactuar con el libro de una manera diferente, reconsiderando su función y estructura. La diseñadora colabora estrechamente con los autores y editores de los libros que diseña influyendo no solo en la estética sino también en la narrativa visual y el contenido. Su obra ha supuesto una revalorización del libro como objeto físico, una experiencia imbatible respecto a los libros electrónicos. Veremos algunos de sus libros más importantes, como el dedicado a la artista textil Sheila Hicks, el libro invisible sobre Chanel o los diminutos catálogos consagrados a su propia obra.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Recorreremos algunos de nuestros proyectos y cómo hemos trabajado en ellos, desde el diseño hasta el desarrollo. APN se centra en la colaboración; trabajamos con muchos clientes, estudios y diseñadores diferentes, lo que hace que cada proyecto sea completamente distinto, con sus propios retos, colaboradores, necesidades y estructura. Tanto si estamos construyendo un sitio web desde cero, trabajando con una identidad establecida o colaborando con otros estudios de diseño, cada proyecto aporta algo nuevo. A lo largo de esta charla, mostraremos las distintas etapas por las que pasamos.

Tras estudiar diseño gráfico en Elisava, Christian trabajó en estudios de diseño como Deutsche und Japaner y Naranjo-Etxeberria. En 2018, cofundó Carter Studio, un estudio de diseño gráfico con sede en Madrid. Después de casi tres años, dejó Carter para comenzar APN, con el objetivo de centrarse más en el lado digital, con un énfasis particular en el diseño web.



Lucía estudió diseño de moda en Madrid y trabajó para varias marcas de ropa independientes antes de pasar tres años como diseñadora de moda en Inditex. Durante este tiempo, aprendió a programar y desarrolló un gran interés por el diseño gráfico, lo que la llevó a dejar su trabajo y unirse a APN.

APN es un estudio creativo centrado en el diseño y el desarrollo web. Ofrecemos una amplia gama de servicios que incluyen branding, diseño gráfico y producción digital. Nuestro trabajo abarca varios sectores, colaborando con instituciones culturales, marcas de moda, creativos independientes y empresas comerciales.

Computational Craft

Además de ofrecer una visión de la obra de Vera, esta charla se sumerge en la creación de movimiento a través de la artesanía y la computación. Vera muestra cómo el tacto del tejido, el punto y otras artesanías tangibles pueden extenderse al ámbito digital.

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Vera van de Seyp es diseñadora computacional y educadora afincada en Nueva York. Su trabajo explora las herramientas de diseño generativo, la tipografía computacional y el uso de la inteligencia artificial para el diseño. Vera ha completado recientemente una beca de investigación con el grupo Future Sketches del MIT Media Lab y ha estudiado en la KABK y en la Universidad de Leiden. 

Vera van de Seyp ha colaborado con clientes como WIRED, Serpentine Galleries London y Google Arts and Culture. También enseña e imparte talleres y conferencias para inspirar a los creativos a crear (y codificar) sus propias herramientas de diseño. Es miembro de la Alliance Graphique Internationale (AGI). Entre sus proyectos se incluyen sitios web lúdicos, instalaciones de lenguaje generativo, tipos de letra en perpetua transformación, herramientas tipográficas, simposios de codificación creativa y tejidos hechos con una máquina de tricotar pirateada.

Una aproximación al mundo del fotolibro a partir de sus fundamentos y desarrollo. Trabajando con un autor, los estudiantes descubrirán su proceso de creación específico y cómo desarrollar su narrativa, ritmo y secuencia en un libro.

Jon Uriarte estudió Fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya y en el International Center of Photography de Nueva York, además de realizar un máster en Proyectos y Teorías Artísticas por PhotoEspaña y la Universidad Europea de Madrid. Ha expuesto en diversos centros y galerías de arte, tanto en muestras colectivas como individuales, entre los que destacan La Casa Encendida de Madrid, el Koldo Mitxelena de Donostia, el Studio 304 de Nueva York, el centro HBC de Berlín y la Sala d’Art Jove de Barcelona.

Fue fundador de Widephoto, plataforma independiente dedicada al comisariado y actividades en torno a la fotografía contemporánea. Además, conceptualizó y coordinó durante 3 años DONE, el proyecto sobre reflexión y creación visual impulsado por Foto Colectania. Actualmente vive en San Sebastián, desde donde compagina el comisariado de los programas digitales de The Photographers’ Gallery con el comisariado del Festival Internacional de Imagen Getxophoto.

Taller de cinco días para aprender a crear una secuencia de título principal para una película.
Desde el concepto hasta la creación de un style frame y cómo elegir la tipografía adecuada y todos los elementos necesarios.
En este taller aprenderemos paso a paso el arte que hay detrás de la creación de una secuencia de título principal para una película.
Exploraremos y aprenderemos los elementos que componen la secuencia de apertura de una película.
Pondremos el peso del taller en la importancia crítica de un concepto sólido, la comprensión del movimiento para contar una historia, y cómo utilizar nuestros conocimientos de diseño gráfico para crear un storyboard de 9 fotogramas.

Ana Criado es una diseñadora gráfica y directora creativa nominada a los Emmy que reside en California y Valencia. Conocida por su excepcional trabajo en el desarrollo de destacadas secuencias de títulos principales para cine y televisión. Con más de 20 años de experiencia en diseño gráfico, identidad corporativa, comunicación y diseño gráfico en movimiento.

Durante los últimos 12 años, Ana ha colaborado con algunos de los estudios más prestigiosos de Hollywood, creando cautivadoras secuencias de títulos para notables producciones como Star Trek: Discovery, Star Trek: Picard, American Horror Story, Godzilla, también ha creado trabajos gráficos para La 89 Ceremonia de los Oscars, Apple, Nike, T-Mobile, IBM, entre otros.

Hoy en día podemos fabricar cualquier cosa. La fabricación digital funciona ahora tanto a escala micro como macro, combinando múltiples materiales y utilizando diferentes procesos de materialización. La complejidad y la personalización ya no son impedimentos para el diseño. 

Aunque podemos fabricar cualquier cosa, el diseño parece estar limitado por nuestros instrumentos de diseño: sólo podemos diseñar lo que podemos representar directamente. Si nos fijamos en los artefactos impresos en 3D, a menudo existe una discrepancia entre la maravilla de la tecnología y el convencionalismo del diseño. Parecemos incapaces de explotar la nueva libertad que nos ofrece la fabricación digital.  En resumen: actualmente podemos fabricar más de lo que podemos diseñar.

Lo que hace falta es un nuevo tipo de instrumento de diseño. Necesitamos herramientas de búsqueda y exploración, y no simplemente de control y ejecución. Hasta ahora, disponemos de innumerables herramientas para aumentar nuestra eficacia y precisión. ¿Por qué no crear también herramientas que nos sirvan de musa, que nos inspiren y nos ayuden a ser creativos? Herramientas para dibujar lo indibujable e imaginar lo inimaginable.

Lo que podemos ganar son experiencias espaciales y táctiles totalmente nuevas. Un diseño lúdico que estimule los sentidos, despierte la curiosidad e invite a la interacción. Un entorno de diseño que permita el control y la sorpresa al mismo tiempo, y que acoja y celebre lo imprevisto.

Michael Hansmeyer es un arquitecto y programador que escribe algoritmos para generar y fabricar formas arquitectónicas. Entre sus trabajos más recientes figuran el diseño de una torre de hormigón impresa en 3D en los Alpes suizos, la instalación de un bosque de columnas en el Grand Palais de París y la fabricación de un muqarna para el Museo de Arte Mori de Tokio. Michael impartió clases de arquitectura como profesor visitante en la Academia de Bellas Artes de Viena y en la Southeast University de Nanjing, y como conferenciante en el grupo CAAD de la ETH de Zúrich. Anteriormente trabajó para Herzog & de Meuron architects, y es licenciado en arquitectura por la Universidad de Columbia.

En este showcase repasaré diferentes proyectos y experiencias que tienen que ver con las cosas que nos hacen felices en el estudio. Normalmente relacionadas con crear y pensar con los menos ingredientes posibles. También sobre repensar por qué hacemos lo que hacemos y regenerar la motivación por nuestra profesión.

Marc Castellví (Barcelona, 1989) es motion designer y director. Ha cofundado proyectos como No Más de Mamá (2012), Outro Studio (2014) y Abuela (2020-actualidad). En Abuela, se especializa en narrativas visuales, ayudando a los clientes a dar forma a sus historias, definir un lenguaje visual único y explorar nuevos lenguajes y formatos de producción.

Abuela es un estudio con sede en Barcelona formado por los directores creativos Kevin Sabariego y Marc Castellví.

Especializados en narrativas visuales, ayudamos a nuestros clientes a escribir su historia, crear un lenguaje visual único y producirlo por cualquier medio.
Aceptamos proyectos con un enfoque flexible, versátil y abierto.

Nadie hablará de ti como tu Abuela.

Publicada entre 1984 y 2005, Emigre fue la primera revista especializada en tipografía que captó la necesidad de un cambio en el diseño gráfico de la era digital. En sus páginas aparecieron los representantes de una nueva sensibilidad que desafiaba el canon moderno con experimentos tipográficos que fragmentaban la composición y ponían en crisis la legibilidad de los textos. La revista supuso toda una conmoción en el mundo del grafismo de finales del siglo XX y representó la fractura entre la vieja generación analógica,  formada en el espíritu del movimiento moderno, y la nueva generación posmoderna que comenzaba a desarrollarse en un entorno digital. En sus páginas se fomentó el debate en los ámbitos de la profesión y de la academia, dotando a la práctica del diseño gráfico de un sólido discurso teórico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Studio Airport trabaja en la intersección del diseño gráfico y el cine, mostrando una década de narración de historias en diversos formatos, como publicaciones impresas, largometrajes y documentales interactivos. Durante la conferencia exploraremos lo que la narración de historias puede significar para el mayor cementerio público de Nueva York, pero también para la prisión de San Quintín, en la costa oeste. Conoceremos el desarrollo de una marca para materiales de base biológica y la publicación de una revista sobre ecología, diseño y ciencia para el Museo del Diseño de Londres.

El estudio nos da una visión de su enfoque del diseño y de cómo el equipo trabaja en proyectos de mayor y menor escala con la misma dedicación al detalle y adoptando el arte, la artesanía y la innovación a todos los aspectos de su trabajo. La mayoría de sus proyectos se han convertido en profundos mecanismos de narración que equilibran los mundos editorial y artístico.

Gravitando en torno a las expresiones del arte, la cultura, la ecología y la ciencia, Studio Airport redefine la relación entre el diseño gráfico y el cine componiendo momentos en experiencias. El estudio participa en proyectos por encargo, así como en iniciativas propias, siempre guiados por una sensibilidad artística.

Fundado en 2011 por Bram Broerse y Maurits Wouters, Studio Airport está formado por un unido equipo de creativos apoyados por una red de especialistas. En la última década, Studio Airport ha cosechado elogios nacionales e internacionales por su trabajo con Emergence Magazine, SeeAllThis, Normal Phenomena of Life, Hart Island Project, Slowness y Sapiens Magazine, y ha recibido numerosos premios, entre ellos el de Agencia Europea del año 2024. Además del estudio, también son tutores en el máster de Diseño de la Información de la Academia de Diseño de Eindhoven.

[Una herramienta] que subraya que lo que nos hace humanos — nuestras imperfecciones

Como diseñadores, emprendedores y arquitectos de la cultura digital, sentimos la necesidad de reorientar nuestra forma de afrontar el futuro digital. La tecnología intenta crear experiencias sin fisuras, igualar todas nuestras arrugas. La IA nos sugiere un futuro suave y predecible, el chatGPT nos escribe textos perfectos, las faltas de ortografía se extinguen. Esta es una investigación sobre la fricción y el desorden humano: la imperfección y cómo podemos revivirla. El manifiesto del ser humano imperfecto es una llamada a la resistencia y a la reflexión sobre cómo podemos utilizar la tecnología de forma opuesta.

Luna Maurer es diseñadora multimedia, artista, conferenciante y autora. Su trabajo se centra en el impacto de las tecnologías digitales en la vida cotidiana. Explora las características humanas a través de instalaciones, performances, experiencias web y películas. Es cofundadora del estudio Moniker, conocido por sus proyectos participativos y basados en la web, y coautora del influyente manifiesto Conditional Design. Actualmente está redefiniendo las perspectivas de la tecnología digital y es coautora del manifiesto Designing Friction, que aboga por la fricción en la cultura digital.

Diseñar una experiencia lúdica con juegos de mesa críticos

Los juegos son un reflejo de los valores, aspiraciones y luchas de la sociedad, lo que los convierte en poderosas herramientas para el compromiso crítico. Este taller ofrece la oportunidad de desarrollar habilidades de diseño al tiempo que se abordan cuestiones contemporáneas a través del juego, la narración y la interacción. Los participantes adquirirán experiencia práctica en la integración de la mecánica del juego, la comunicación visual y la narrativa en un atractivo proyecto de diseño en forma de juego de mesa.

Al final del taller, nuestro objetivo es inspirar a los participantes para que reconozcan el potencial del diseño de juegos como instrumento de activismo. Queremos que vean los juegos no sólo como un entretenimiento, sino como poderosas herramientas para el debate, la propuesta de alternativas y el fomento de la reimaginación colectiva del mundo en que vivimos.

Tereza Ruller se identifica como madre, diseñadora de comunicación y educadora. En su práctica -The Rodina- investiga el enfoque performativo y crítico del diseño de la comunicación. Su enfoque transdisciplinar hace hincapié en el poder del juego, el espectador activo y las relaciones entre actores humanos y no humanos. El trabajo de Ruller prospera en el contexto cultural, entretejiendo eventos participativos, instalaciones espaciales, entornos virtuales e identidades visuales. Comprometida con los problemas ecológicos y sociales de nuestro tiempo, trata de fomentar la reimaginación colectiva y abrazar la interdependencia que define nuestro mundo compartido. Tereza Ruller es profesora de Diseño de la Comunicación y Prácticas Digitales en HfG Karlsruhe y tutora de Narrativas Críticas en la Academia de Diseño de Eindhoven.

Explora cómo aplicar mejor el diseño y la narración para dar forma a la estrategia, los sistemas y las conversaciones públicas.

La forma en que imaginamos el futuro determina su desarrollo. En el mundo del cine, los medios de comunicación y el entretenimiento, hemos visto cómo las visiones del futuro pueden cambiar las expectativas e inspirar la acción. Hoy en día, el diseño desempeña un papel similar: no se limita a crear soluciones funcionales, sino que visualiza caminos hacia el futuro que parecen reales, identificables y al alcance de la mano.

Este taller ofrece a los estudiantes la oportunidad de contribuir a este proceso. Trabajando en el contexto de un tren de alta velocidad, los estudiantes crearán narrativas visuales que transformen amplias ambiciones sociales -como infraestructuras conectadas, bienestar colectivo y crecimiento sostenible- en ideas claras y viables. Al proporcionar parámetros claros para la exploración creativa, el curso fomenta un pensamiento más profundo, conceptos de diseño más nítidos y resultados más refinados.

Kaave Pour es un emprendedor creativo y fundador de varias empresas centradas en reimaginar el futuro a través del diseño, la política y la colaboración. Anteriormente, fue cofundador, Consejero Delegado y Director Creativo de SPACE10, el aclamado laboratorio de I+D conocido por sus pioneras exploraciones de diseño en colaboración con IKEA, Apple y el MIT. Kaave también dirige Sun-Sun, una empresa centrada en repensar el hogar a través del diseño y la tecnología. Su trabajo abarca el diseño, la cultura y la innovación, centrándose en ideas que crean nuevas posibilidades para nuestra forma de vivir, trabajar y conectarnos. Como Presidente de los Danish Design Awards, aboga por el diseño como forma de crear un impacto reflexivo y tangible en nuestra forma de vivir e interactuar con el mundo.