¿Dónde acaba la inteligencia artificial y dónde empezamos nosotros? El trabajo en constante evolución de la artista e investigadora Sougwen Chung sobre la colaboración entre humanos y máquinas se basa en un viaje internacional de una década de duración. Partiendo de una simple línea, el proceso ha desembocado en reflexiones interdisciplinarias, indagaciones filosóficas e invenciones tecnológicas a través de una práctica artística pionera. Entrelazando las perspectivas del arte y la ciencia, la práctica de Chung imagina futuros alternativos para la relación entre humanos y máquinas. «Abrazar las contradicciones en el arte y la investigación puede allanar el camino hacia una tercera vía, inspirada en la tradición y en el desarrollo de nuevas hibridaciones», afirma Chung.

Sougwen 愫君 Chung es una artista e investigadora chino-canadiense afincada en Londres. Su obra explora las marcas hechas a mano y las marcas hechas por máquinas para entender la dinámica de los seres humanos y los sistemas. Chung fue investigador en el Media Lab del MIT y pionero en el campo de la colaboración entre humanos y máquinas. La obra MEMORY de Sougwen forma parte de la colección permanente del Victoria and Albert Museum, y es el primer modelo de IA coleccionado por una gran institución. Recientemente, Chung ha sido reconocido como Líder Cultural en el Foro Económico Mundial, uno de los cuatro galardonados con el premio TIME100 Impact y nombrado una de las 100 personas más influyentes en IA por TIME.

Scilicet es un estudio que explora la colaboración, los modos de detección y la creación de marcas entre el ser humano y la máquina, lo orgánico y lo sintético, lo improvisado y lo computacional.

Fundado por la artista e investigadora Sougwen Chung, Scilicet es pionero en la colaboración interdisciplinar entre artistas y tecnologías robóticas, centrándose en la experimentación, la invención y el cuidado.

Al abordar la tecnología no como una herramienta sino como un colaborador, Scilicet desarrolla configuraciones del ser humano y la máquina más allá de la automatización. Exploran estas ideas a través de instalaciones, performances, experiencias y artefactos.

Joost Grootens es un diseñador gráfico neerlandés reconocido por su enfoque innovador en el diseño de libros, especialmente en el ámbito de los atlas y las obras de referencia. Su trabajo se caracteriza por la habilidad en presentar información compleja de manera accesible y visualmente atractiva promoviendo la idea de que el diseño debe servir al contenido y no competir con él. Emplea infografías, gráficos y mapas para simplificar y organizar grandes cantidades de datos dirigidos sobre todo a un público científico y académico al que proporciona una navegación visual intuitiva que permite explorar el libro de manera no lineal. Veremos varios ejemplos de su obra que demuestran que este tipo de libros pueden ser funcionales y hermosos a la vez. Grootens sabe encontrar belleza en la información y poesía en los datos.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Un taller de cinco días para aprender el pensamiento procedimental y cómo desarrollar sistemas en lugar de soluciones puntuales. Este curso combina el diseño tipográfico, los procesos de diseño y los sistemas flexibles, y no requiere ningún conocimiento o experiencia particular en software. Los alumnos aprenderán flujos de trabajo procedimentales y desarrollarán sistemas de diseño flexibles.

El objetivo del taller es introducir los fundamentos de un flujo de trabajo de diseño procedimental y aplicar el pensamiento procedimental para desarrollar formas de letras y sistemas tipográficos.

Este taller está concebido como un curso intensivo para estudiantes interesados en adquirir procesos y habilidades para incorporar el pensamiento procedimental a sus flujos de trabajo de forma divertida y creativa. Este curso debería despertar la curiosidad y abrir nuevas vías de investigación.

Daniel Wenzel es un diseñador y tecnólogo creativo alemán afincado en Nueva York. Especializado en tipografía y procesos generativos, se mueve en la intersección del arte, el diseño y la tecnología.

Formó parte de DIA Studio durante hace siete años y actualmente trabaja de forma independiente. A lo largo de su carrera, ha contribuido a proyectos que utilizan el pensamiento procedimental en beneficio de sistemas coherentes y avances tecnológicos. Ha trabajado para clientes de renombre internacional como Apple, Google, Louis Vuitton, MoMA, Nike y The New York Times. Su trabajo ha aparecido en publicaciones y exposiciones de todo el mundo y ha sido reconocido con premios como el Young Guns 22.

Además de su práctica profesional, Daniel imparte clases en el Pratt Institute y la Cooper Union de Nueva York. Anteriormente, ha impartido clases en el Master de Diseño Visual, programa de Tipografía en ELISAVA en Barcelona, talleres en HEAD Genève y HS Mainz, y conferencias en KABK, Weltformat, TDC Inscript, y el MIT Media Lab, entre otros.

Procedural Typography Diseño de programas y sistemas para la expresión tipográfica. 

Explorando el papel de las herramientas en el proceso de diseño y su influencia en la estética, la eficiencia y la escalabilidad, desde el dominio de los estándares de la industria, el aprendizaje de nuevas herramientas como parte de los esfuerzos de resolución de problemas de un proyecto, el mal uso o la fabricación de sus propias herramientas, hasta la influencia de la IA y su potencial de asistencia.

Proporcionar ideas sobre el pensamiento procedimental aplicado a la tipografía y otras disciplinas del diseño, haciendo hincapié en el desarrollo de sistemas visuales coherentes y flexibles y fomentando un enfoque metódico pero creativo de los retos del diseño.

Daniel Wenzel es un diseñador y tecnólogo creativo alemán afincado en Nueva York. Especializado en tipografía y procesos generativos, se mueve en la intersección del arte, el diseño y la tecnología. 

Forma parte de DIA Studio desde hace siete años y actualmente trabaja de forma independiente. A lo largo de su carrera, ha contribuido a proyectos que utilizan el pensamiento procedimental en beneficio de sistemas coherentes y avances tecnológicos. Ha trabajado para clientes de renombre internacional como Apple, Google, Louis Vuitton, MoMA, Nike y The New York Times. Su trabajo ha aparecido en publicaciones y exposiciones de todo el mundo y ha sido reconocido con premios como el Young Guns 22.

Además de su práctica profesional, Daniel imparte clases en el Pratt Institute y la Cooper Union de Nueva York. Anteriormente, ha impartido clases en el Master de Diseño Visual, programa de Tipografía en ELISAVA en Barcelona, talleres en HEAD Genève y HS Mainz, y conferencias en KABK, Weltformat, TDC Inscript, y el MIT Media Lab, entre otros.

26A1® es una fundición tipográfica independiente fundada en 2022. Nuestro enfoque es experimental, expresivo y con la intención de desafiar las convenciones.

Nos esforzamos por crear tipos de letra que vayan más allá de la estética y busquen la funcionalidad y la innovación. Aprovechando la tecnología, pretendemos tender un puente entre el diseño tipográfico clásico y las posibilidades del futuro.

Nuestra investigación consiste en desafiar los límites del diseño tipográfico. Buscamos un reino donde la forma siga a la función, donde la ambición impulse la innovación y donde la intersección del arte, el diseño y la tecnología se convierta en un lienzo para la transformación positiva.

Nuestro objetivo es crear software para hacer avanzar el campo del diseño: herramientas que agilicen el proceso de diseño u ofrezcan nuevos marcos, que abran nuevas perspectivas de posibilidades de diseño. Al hacer accesibles estas herramientas, pretendemos capacitar a un espectro más amplio de diseñadores para que innoven y desafíen el statu quo. Aunque nuestro trabajo nos impulsa a tener un impacto directo, también reconocemos el potencial exponencial de equipar a otros con herramientas innovadoras que les permitan cambiar las cosas a su manera.

Loose Associations explora los momentos clave del viaje de 22 años de NODE a través de las personas, ideas y proyectos que lo definieron. Utilizando conexiones asociativas, la presentación pone de relieve cómo las colaboraciones y experiencias se entrelazan, construyéndose unas sobre otras para dar forma a una práctica dinámica. NODE le invita a descubrir cómo todo -y todos- está interconectado en su proceso creativo.

Serge Rompza se licenció en la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam y cofundó el estudio de diseño gráfico NODE en 2003 con su socio noruego Anders Hofgaard. NODE, que opera entre Berlín y Oslo, colabora con clientes como OMA, Diller Scofidio + Renfro, MIT (ACT) y Hermès.
Desde 2004, Serge enseña activamente en universidades de todo el mundo, fomentando una nueva generación de diseñadores. Tiene una larga relación con Elisava.

NODE es un estudio de diseño con sede en Berlín y Oslo fundado en 2003 por Anders Hofgaard y Serge Rompza. El estudio trabaja en colaboración en diversos medios para una amplia gama de clientes, desde particulares a instituciones, centrándose en la impresión, la identidad, las exposiciones y el trabajo interactivo. Además de proyectos de estudio, NODE da conferencias y organiza talleres en academias de arte y diseño.

La cuadrícula tiene 4 x 4 puntos de coordenadas.
Los puntos están ordenados alfabéticamente de la A a la P, de izquierda a derecha, de arriba abajo.

La cuadrícula tiene 16 puntos.

La retícula permite 120 uniones de 2 puntos.

Ej.
A con B,C,D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (15)
B a C,D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (14)
C a D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (13)
etc.

La retícula permite 560 conexiones de 3 puntos.

Ej.
A-B a C,D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (14)
A-C a D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (13)
de A-D a E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (12)
etc.

Se eliminan 41 combinaciones con superficie cero.
Los 519 restantes son todos los triángulos posibles en esta retícula.

Para cada uno de estos 519 triángulos, se suman todos los triángulos con los que comparten un lado.

Ej.
Para el triángulo A-B-C (por los lados que contienen a A): A-B-C y A-B-C
lado A-B a A-B a C,D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (14)
lado A-C a A-C a C,D,E,F,G,H,I,J,K,L,M,N,O,P (14)

Se eliminan las combinaciones que contienen una superficie de cero.
Los triángulos iniciales y los triángulos añadidos se distinguen por el color, los colores no se sobreimprimen.
Los triángulos que comparten tres lados, forman parte de triángulos que comparten un lado.
Estos aparecen dos veces de forma visualmente idéntica, uno de ellos se elimina.

Hay 12.981 combinaciones de 2 triángulos que comparten 1 lado, en una retícula de 4 por 4 puntos.

En geometría, una triangulación es la división de una forma en triángulos. En psicología, es la práctica de una persona de introducir a una tercera en su relación para mantener el control. Puede que estemos más cerca del segundo punto, aunque estemos introduciendo un segundo triángulo para perder el control. Es una disposición simple, la interacción de los dos triángulos crea instantáneamente formas de gran dinamismo que burlan el sistema básico en ángulo recto. Todas las combinaciones son similares, todas son diferentes, todas bellas y perfectas en su compleja sencillez y claridad gráfica. Era imposible resistirse a verlas todas.

En esta sesión repasaré mi trayectoria y la de Vera Tamayo, explicando cómo nos conocimos mi socio Daniel Tamayo y yo y cómo, proyecto tras proyecto, fuimos definiendo nuestra forma de entender el diseño y la evolución del proceso creativo de nuestro estudio a lo largo de los años. También hablaré de Monthly, el proyecto que nos ayuda a comunicar y definir el carácter del estudio a través de su imaginario visual. Por último, explicaré en profundidad algunos de nuestros proyectos más representativos, que van desde el diseño editorial hasta las identidades de marca y las campañas.

David Vera Nací en 1991 en Barberà del Vallès, una ciudad suburbana donde también crecí. Desde allí empecé a construir mi imaginario visual, que va desde Streetsharks, a Blade Runner, pasando por Denis Rodman, Camarón de la Isla o Jean Paul Gaultier. En 2014 me gradué como diseñador gráfico en ESDI (Ramon Llull) y en 2019 cofundé el estudio de diseño Vera Tamayo, del que ahora soy Director Creativo. Siempre me ha gustado la comunicación y trato de descubrirla en las conversaciones cotidianas, pero también escribiendo, enseñando, diseñando, boxeando, en terapia y también en meditación. Desde 2021 también doy clases en ESDI (Ramon Llull). Me encanta Doctor en Alaska.

Vera Tamayo es un estudio de diseño gráfico con sede en Barcelona, fundado en 2019 por Daniel Tamayo y por mí. El estudio está especializado en diseño atemporal que se adapta al carácter único de cada marca. Nuestro principal objetivo es que los clientes se sientan seguros y profundamente conectados con las propuestas. Para conseguirlo, nuestro equipo trabaja estrechamente con los clientes para encontrar conceptos diferenciales que definan la marca y crear discursos coherentes que den sentido a la forma.

What can we learn from Ray & Charles Eames that might apply to the challenges we face today?

Ray y Charles Eames demostraron una y otra vez la capacidad única del diseño para satisfacer las necesidades de clientes dispares, encontrando al mismo tiempo formas de mejorar la calidad de vida para todos. ¿Qué podemos aprender como diseñadores y creativos de los Eames que pueda aplicarse a los retos a los que nos enfrentamos hoy en día?

Llisa Demetrios es la nieta más joven de los emblemáticos diseñadores Charles y Ray Eames. Comenzó su carrera como archivista en el Archivo Mies van der Rohe del MoMA de Nueva York, y desde entonces se ha dedicado a extender al mundo los dones más importantes de sus abuelos: su infinita curiosidad y su proceso iterativo de diseño. Su misión personal es dotar a todo el mundo de las lecciones de Charles & Ray para que cualquiera pueda utilizar el diseño para resolver problemas a todas las escalas. Hoy, como conservadora jefe del Eames Institute, Llisa sigue compartiendo las enseñanzas de su legado a través de exposiciones, eventos y visitas públicas en el nuevo espacio público de Richmond.

Llisa Demetrios lleva décadas cuidando de la Colección Eames y comisariando el Rancho Eames, al principio junto a su madre, Lucia Eames, y ahora como Conservadora Jefe junto al equipo del Instituto Eames de Curiosidad Infinita. A Llisa le encanta recibir a los visitantes, ya sean aficionados a los Eames o personas totalmente ajenas al diseño. Antes de la llegada del Instituto, Llisa facilitó los préstamos para la exposición «The World of Charles & Ray Eames» que comenzó en el Barbican Centre de Inglaterra en 2015 y continuó en Suecia, Portugal, Bélgica, Alemania, Michigan y el Oakland  Museum de California en febrero de 2019. También es miembro fundador y actual del Consejo de Administración de la Eames Foundation, que supervisa la histórica Eames House de Los Ángeles, y también accionista de la Eames Office. 

Eames Institute of Infinite Curiosity

El objetivo general del Eames Institute of Infinite Curiosity es desentrañar la forma de trabajar de Ray y Charles Eames, el modo en que impregnaron sus diseños y sus vidas de curiosidad y descubrimiento en todo momento para resolver problemas a cualquier escala. «No hacemos arte, resolvemos problemas», dijo Charles. Y añadió: «¿Cómo llegamos de donde estamos a donde queremos estar?». Demostraron una y otra vez la capacidad única del diseño para atender las necesidades de clientes dispares, encontrando al mismo tiempo formas de mejorar la calidad de vida de todos. 

Poder compartir el legado de Ray y Charles de esta manera, mostrar su increíble proceso y su amplia visión del diseño, es el sueño de toda una vida. Su curiosidad sin límites y su búsqueda incesante de la resolución de problemas en mobiliario, cine, exposiciones, arquitectura y textiles están en el nombre del Instituto. El Instituto aspira a ser un hogar para los solucionadores de problemas curiosos, tanto on-line como on-land. Espero que los esfuerzos del Instituto ayuden a la gente a encontrar inspiración para resolver problemas en su propio mundo.

Laurenz Brunner (CH) dirige un estudio de diseño independiente especializado en diseño editorial y de comunicación, identidad visual y diseño tipográfico. El estudio se encuentra actualmente en un antiguo garaje de automóviles de Zúrich (antes Ámsterdam y Berlín). Su trabajo explora los equilibrios entre la alta cultura y la cultura pop, el concepto y la improvisación, la historia del arte y la ciencia ficción. Entre sus proyectos recientes y en curso figuran Schauspielhaus Zürich, Studio Barnhus, documenta 14, Spotify, Hamburger Bahnhof, Haus der Kulturen der Welt, The Most Beautiful Swiss Books y la editorial Hauser & Wirth.

En 2022, Brunner lanzó Source Type, una plataforma de investigación tipográfica y alfabetización visual. A través de Source Type ha publicado Rapid (2022), Karl (2022) y Reform (2023). Además, es miembro de la fundición tipográfica suiza Lineto, donde ha publicado Akkurat (2004), Circular (2014) y Bradford (2018).

Anteriormente, Brunner enseñó diseño gráfico en la Rietveld Academie y ha sido crítico invitado en la Yale School of Arts, EE. UU.; Werkplaats Typografie, NL y ECAL, CH. Ha recibido en dos ocasiones el Swiss Federal Design Award (2006, 2012), así como varias distinciones de The Most Beautiful Swiss Books, The Best Dutch Book Designs y The Best Books from all over the World.

Laurenz Brunner (CH) dirige un estudio de diseño independiente especializado en diseño editorial y de comunicación, identidad visual y diseño tipográfico. El estudio se encuentra actualmente en un antiguo garaje de automóviles de Zúrich (antes Ámsterdam y Berlín). Su trabajo explora los equilibrios entre la alta cultura y la cultura pop, el concepto y la improvisación, la historia del arte y la ciencia ficción. Entre sus proyectos recientes y en curso figuran Schauspielhaus Zürich, Studio Barnhus, documenta 14, Spotify, Hamburger Bahnhof, Haus der Kulturen der Welt, The Most Beautiful Swiss Books y la editorial Hauser & Wirth.

En 2022, Brunner lanzó Source Type, una plataforma de investigación tipográfica y alfabetización visual. A través de Source Type ha publicado Rapid (2022), Karl (2022) y Reform (2023). Además, es miembro de la fundición tipográfica suiza Lineto, donde ha publicado Akkurat (2004), Circular (2014) y Bradford (2018).

Anteriormente, Brunner enseñó diseño gráfico en la Rietveld Academie y ha sido crítico invitado en la Yale School of Arts, EE. UU.; Werkplaats Typografie, NL y ECAL, CH. Ha recibido en dos ocasiones el Swiss Federal Design Award (2006, 2012), así como varias distinciones de The Most Beautiful Swiss Books, The Best Dutch Book Designs y The Best Books from all over the World.

Publicada entre 1997 y 2004, Nest revolucionó la manera de enfocar la decoración y el diseño de interiores por su talante innovador y nada convencional. La revista se centraba en interiores que contaban historias personales y exploraban el concepto de «hogar» de forma creativa y, en ocasiones, extravagante. En sus páginas se incluían diversidad de contextos que permetían conocer una gama amplia de estilos de vida y cómo el entorno de una persona refleja su identidad. Fue pionera en el uso de técnicas de impresión y diseño gráfico poco convencionales que incluía el uso de diferentes texturas de papel, insertos inusuales, recortes y formatos singulares que transformaban la experiencia de leer la revista en algo interactivo. Irónica y sofisticada, Nest puso en cuestión la noción de buen gusto imperante en las revistas de decoración al uso.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Un “club” es el lugar físico donde se comparten intereses, vivencias y relatos en torno a un territorio y/o realidad. El Club Collage es una experiencia colectiva en la que nos preguntamos cómo vivimos e interpretamos las imágenes que nos rodean a diario, realizando collages utilizando imágenes procedentes de mi archivo. Pensando en una propuesta participativa, mi intención con este taller/club es poner en común mi proceso creativo, adaptando un rol de mediador de un trabajo realizado por múltiples manos. En este caso, las estudiantes realizaron una serie de piezas tomando como punto de partida las formas geométricas de las señales de tráfico junto a elementos comunes de espacios urbanos diversos.

Alberto Feijóo (Alicante, 1985) es un coleccionista, acumulador, aprendiz y artista visual interesado en el campo de la fotografía y en sus relaciones con otras disciplinas como el collage, la instalación o el diseño.
Licenciado en Comunicación por la Universidad de Alicante en 2009 y con un postgrado en Contemporary Photography; Practices and Philosophies en la University of Arts London.
Su trabajo se ha expuesto de manera individual en el IVAM (Centro Julio González) de Valencia, Sala Kursala de la Universidad de Cádiz y en las galerías Luis Adelantado y Punto en Valencia.

También ha participado en exposiciones colectivas en Centro Conde Duque Madrid, LABoral Centro de Arte de Gijón, Centro Cívico Can Felipa en Barcelona, Sala Canal de Isabel II de Madrid, Sala de Arte Joven Comunidad de Madrid, ARCO 23, Fotomuseum Winterthur o The Photographers’ Gallery en Londres.
Como docente ha realizado talleres y actividades educativas en IVAM Valencia, CCCC Valencia, Tate Modern en Londres, entre otros.
En 2021 inicia el proyecto “Club Collage” realizado en multiples ámbitos como museos, galerías, centros penitenciarios o escuelas.