En esta sesión repasaré mi trayectoria y la de Vera Tamayo, explicando cómo nos conocimos mi socio Daniel Tamayo y yo y cómo, proyecto tras proyecto, fuimos definiendo nuestra forma de entender el diseño y la evolución del proceso creativo de nuestro estudio a lo largo de los años. También hablaré de Monthly, el proyecto que nos ayuda a comunicar y definir el carácter del estudio a través de su imaginario visual. Por último, explicaré en profundidad algunos de nuestros proyectos más representativos, que van desde el diseño editorial hasta las identidades de marca y las campañas.

David Vera Nací en 1991 en Barberà del Vallès, una ciudad suburbana donde también crecí. Desde allí empecé a construir mi imaginario visual, que va desde Streetsharks, a Blade Runner, pasando por Denis Rodman, Camarón de la Isla o Jean Paul Gaultier. En 2014 me gradué como diseñador gráfico en ESDI (Ramon Llull) y en 2019 cofundé el estudio de diseño Vera Tamayo, del que ahora soy Director Creativo. Siempre me ha gustado la comunicación y trato de descubrirla en las conversaciones cotidianas, pero también escribiendo, enseñando, diseñando, boxeando, en terapia y también en meditación. Desde 2021 también doy clases en ESDI (Ramon Llull). Me encanta Doctor en Alaska.

Vera Tamayo es un estudio de diseño gráfico con sede en Barcelona, fundado en 2019 por Daniel Tamayo y por mí. El estudio está especializado en diseño atemporal que se adapta al carácter único de cada marca. Nuestro principal objetivo es que los clientes se sientan seguros y profundamente conectados con las propuestas. Para conseguirlo, nuestro equipo trabaja estrechamente con los clientes para encontrar conceptos diferenciales que definan la marca y crear discursos coherentes que den sentido a la forma.

What can we learn from Ray & Charles Eames that might apply to the challenges we face today?

Ray y Charles Eames demostraron una y otra vez la capacidad única del diseño para satisfacer las necesidades de clientes dispares, encontrando al mismo tiempo formas de mejorar la calidad de vida para todos. ¿Qué podemos aprender como diseñadores y creativos de los Eames que pueda aplicarse a los retos a los que nos enfrentamos hoy en día?

Llisa Demetrios es la nieta más joven de los emblemáticos diseñadores Charles y Ray Eames. Comenzó su carrera como archivista en el Archivo Mies van der Rohe del MoMA de Nueva York, y desde entonces se ha dedicado a extender al mundo los dones más importantes de sus abuelos: su infinita curiosidad y su proceso iterativo de diseño. Su misión personal es dotar a todo el mundo de las lecciones de Charles & Ray para que cualquiera pueda utilizar el diseño para resolver problemas a todas las escalas. Hoy, como conservadora jefe del Eames Institute, Llisa sigue compartiendo las enseñanzas de su legado a través de exposiciones, eventos y visitas públicas en el nuevo espacio público de Richmond.

Llisa Demetrios lleva décadas cuidando de la Colección Eames y comisariando el Rancho Eames, al principio junto a su madre, Lucia Eames, y ahora como Conservadora Jefe junto al equipo del Instituto Eames de Curiosidad Infinita. A Llisa le encanta recibir a los visitantes, ya sean aficionados a los Eames o personas totalmente ajenas al diseño. Antes de la llegada del Instituto, Llisa facilitó los préstamos para la exposición «The World of Charles & Ray Eames» que comenzó en el Barbican Centre de Inglaterra en 2015 y continuó en Suecia, Portugal, Bélgica, Alemania, Michigan y el Oakland  Museum de California en febrero de 2019. También es miembro fundador y actual del Consejo de Administración de la Eames Foundation, que supervisa la histórica Eames House de Los Ángeles, y también accionista de la Eames Office. 

Eames Institute of Infinite Curiosity

El objetivo general del Eames Institute of Infinite Curiosity es desentrañar la forma de trabajar de Ray y Charles Eames, el modo en que impregnaron sus diseños y sus vidas de curiosidad y descubrimiento en todo momento para resolver problemas a cualquier escala. «No hacemos arte, resolvemos problemas», dijo Charles. Y añadió: «¿Cómo llegamos de donde estamos a donde queremos estar?». Demostraron una y otra vez la capacidad única del diseño para atender las necesidades de clientes dispares, encontrando al mismo tiempo formas de mejorar la calidad de vida de todos. 

Poder compartir el legado de Ray y Charles de esta manera, mostrar su increíble proceso y su amplia visión del diseño, es el sueño de toda una vida. Su curiosidad sin límites y su búsqueda incesante de la resolución de problemas en mobiliario, cine, exposiciones, arquitectura y textiles están en el nombre del Instituto. El Instituto aspira a ser un hogar para los solucionadores de problemas curiosos, tanto on-line como on-land. Espero que los esfuerzos del Instituto ayuden a la gente a encontrar inspiración para resolver problemas en su propio mundo.

Laurenz Brunner (CH) dirige un estudio de diseño independiente especializado en diseño editorial y de comunicación, identidad visual y diseño tipográfico. El estudio se encuentra actualmente en un antiguo garaje de automóviles de Zúrich (antes Ámsterdam y Berlín). Su trabajo explora los equilibrios entre la alta cultura y la cultura pop, el concepto y la improvisación, la historia del arte y la ciencia ficción. Entre sus proyectos recientes y en curso figuran Schauspielhaus Zürich, Studio Barnhus, documenta 14, Spotify, Hamburger Bahnhof, Haus der Kulturen der Welt, The Most Beautiful Swiss Books y la editorial Hauser & Wirth.

En 2022, Brunner lanzó Source Type, una plataforma de investigación tipográfica y alfabetización visual. A través de Source Type ha publicado Rapid (2022), Karl (2022) y Reform (2023). Además, es miembro de la fundición tipográfica suiza Lineto, donde ha publicado Akkurat (2004), Circular (2014) y Bradford (2018).

Anteriormente, Brunner enseñó diseño gráfico en la Rietveld Academie y ha sido crítico invitado en la Yale School of Arts, EE. UU.; Werkplaats Typografie, NL y ECAL, CH. Ha recibido en dos ocasiones el Swiss Federal Design Award (2006, 2012), así como varias distinciones de The Most Beautiful Swiss Books, The Best Dutch Book Designs y The Best Books from all over the World.

Laurenz Brunner (CH) dirige un estudio de diseño independiente especializado en diseño editorial y de comunicación, identidad visual y diseño tipográfico. El estudio se encuentra actualmente en un antiguo garaje de automóviles de Zúrich (antes Ámsterdam y Berlín). Su trabajo explora los equilibrios entre la alta cultura y la cultura pop, el concepto y la improvisación, la historia del arte y la ciencia ficción. Entre sus proyectos recientes y en curso figuran Schauspielhaus Zürich, Studio Barnhus, documenta 14, Spotify, Hamburger Bahnhof, Haus der Kulturen der Welt, The Most Beautiful Swiss Books y la editorial Hauser & Wirth.

En 2022, Brunner lanzó Source Type, una plataforma de investigación tipográfica y alfabetización visual. A través de Source Type ha publicado Rapid (2022), Karl (2022) y Reform (2023). Además, es miembro de la fundición tipográfica suiza Lineto, donde ha publicado Akkurat (2004), Circular (2014) y Bradford (2018).

Anteriormente, Brunner enseñó diseño gráfico en la Rietveld Academie y ha sido crítico invitado en la Yale School of Arts, EE. UU.; Werkplaats Typografie, NL y ECAL, CH. Ha recibido en dos ocasiones el Swiss Federal Design Award (2006, 2012), así como varias distinciones de The Most Beautiful Swiss Books, The Best Dutch Book Designs y The Best Books from all over the World.

Publicada entre 1997 y 2004, Nest revolucionó la manera de enfocar la decoración y el diseño de interiores por su talante innovador y nada convencional. La revista se centraba en interiores que contaban historias personales y exploraban el concepto de «hogar» de forma creativa y, en ocasiones, extravagante. En sus páginas se incluían diversidad de contextos que permetían conocer una gama amplia de estilos de vida y cómo el entorno de una persona refleja su identidad. Fue pionera en el uso de técnicas de impresión y diseño gráfico poco convencionales que incluía el uso de diferentes texturas de papel, insertos inusuales, recortes y formatos singulares que transformaban la experiencia de leer la revista en algo interactivo. Irónica y sofisticada, Nest puso en cuestión la noción de buen gusto imperante en las revistas de decoración al uso.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Un “club” es el lugar físico donde se comparten intereses, vivencias y relatos en torno a un territorio y/o realidad. El Club Collage es una experiencia colectiva en la que nos preguntamos cómo vivimos e interpretamos las imágenes que nos rodean a diario, realizando collages utilizando imágenes procedentes de mi archivo. Pensando en una propuesta participativa, mi intención con este taller/club es poner en común mi proceso creativo, adaptando un rol de mediador de un trabajo realizado por múltiples manos. En este caso, las estudiantes realizaron una serie de piezas tomando como punto de partida las formas geométricas de las señales de tráfico junto a elementos comunes de espacios urbanos diversos.

Alberto Feijóo (Alicante, 1985) es un coleccionista, acumulador, aprendiz y artista visual interesado en el campo de la fotografía y en sus relaciones con otras disciplinas como el collage, la instalación o el diseño.
Licenciado en Comunicación por la Universidad de Alicante en 2009 y con un postgrado en Contemporary Photography; Practices and Philosophies en la University of Arts London.
Su trabajo se ha expuesto de manera individual en el IVAM (Centro Julio González) de Valencia, Sala Kursala de la Universidad de Cádiz y en las galerías Luis Adelantado y Punto en Valencia.

También ha participado en exposiciones colectivas en Centro Conde Duque Madrid, LABoral Centro de Arte de Gijón, Centro Cívico Can Felipa en Barcelona, Sala Canal de Isabel II de Madrid, Sala de Arte Joven Comunidad de Madrid, ARCO 23, Fotomuseum Winterthur o The Photographers’ Gallery en Londres.
Como docente ha realizado talleres y actividades educativas en IVAM Valencia, CCCC Valencia, Tate Modern en Londres, entre otros.
En 2021 inicia el proyecto “Club Collage” realizado en multiples ámbitos como museos, galerías, centros penitenciarios o escuelas.

NORM hablará de su instalación TRIANGULATION (expuesta en el espacio de proyectos Elisava) y la situará en el contexto de su trilogía de libros «NORM: Introduction, The Things, Dimension of Two». Más adelante, NORM hablará de: su relación de amor-odio con las herramientas digitales, la tensión entre intuición y combinatoria, la lucha por un lenguaje visual común, la seducción continua de las fuentes, el fin de los sistemas de cuadrícula, los encargos buenos, malos y feos, el valor del material impreso y la poesía de la precisión.

Dimitri Bruni y Manuel Krebs estudiaron diseño gráfico en la Escuela de Artes Aplicadas de Biel-Bienne. En 1999 fundaron el estudio de diseño gráfico NORM en Zúrich. En 2005 Ludovic Varone se unió al estudio. NORM se centra en el diseño y la publicación de libros y tipos de letra. El diseño de libros incluye investigaciones por encargo propio en el campo del diseño tipográfico y gráfico, siendo la más relevante «Norm: Dimension of Two’ (2020), ‘NORM: The Things’ (2002), y ‘Norm: Introduction’ (2000). Sus encargos incluyen colaboraciones con galerías, museos (MoMA, Tate Modern; Louvre; Centre Pompidou; Museum for Gestaltung Zurich) y artistas (Arthur Jafa, Fischli & Weiss, Shirana Shahbazi, Simon Starling).

Entre los ejemplos de diseño tipográfico se incluyen el tipo de letra «Simple» para el aeropuerto de Colonia/Bonn, el tipo de letra corporativo para los relojes Omega, el tipo de letra «Replica», el tipo de letra corporativo para Swatch, y los recientes tipos de letra «Riforma» y «Riforma-Mono» (2018, 2024). En 2020, NORM presentó la exposición individual ‘No es complicado’ en el Museo del Diseño de Zúrich; en 2024, ‘El desorden es más probable que el orden’ en Grafill, Oslo.

Making data speak human

Los diseñadores de todos los ámbitos deben relacionarse cada vez más con los datos. Con el auge de la IA, existe la oportunidad de humanizar los datos de forma innovadora. En esta presentación presentaré proyectos recientes que exploran estas posibilidades, desde una herramienta experimental que traduce las previsiones energéticas en proverbios hasta una aplicación interna que mejora la eficiencia organizativa. Para tender un puente entre la tecnología y la experiencia y la toma de decisiones humanas, los datos tienen que hablar humano.

Yosuke Ushigome es un diseñador/tecnólogo afincado en Londres que actualmente trabaja para Normally como Diseñador Jefe de Interacción. Trabaja en varias disciplinas, centrándose en el diseño de interacción, la creación de prototipos digitales y la investigación sobre el futuro. Durante más de 10 años ha participado en diversos proyectos de I+D y visión de futuro con organizaciones de todo el mundo, como el NHS, Hitachi y Swarovski. También escribe sobre formas más equitativas y sostenibles de interactuar con la tecnología en publicaciones de diseño como Core77 y la revista ICON.

Normally libera el potencial transformador de la IA para clientes como IKEA, Google, Panasonic y el NHS. Contamos con una década de experiencia en la intersección del diseño centrado en el ser humano y la ingeniería de IA, aplicando la IA para mejorar la eficiencia operativa y el crecimiento, y ofrecer productos y servicios innovadores habilitados para la IA.

La publicidad molesta. La publicidad interrumpe. Porque la publicidad es, en el fondo, el precio que una marca paga por no tener un producto memorable. A través del humor, el camino más corto entre dos personas, y de un estilo gráfico reconocible basado en el texto y la sobriedad, PutosModernos convierte el mensaje comercial en contenido que la gente elije ver y, en muchas ocasiones, compartir. En esta sesión, titulada «Spam para hoy: hambre para mañana» Joan explicará su visión de la comunicación a través de una selección de proyectos comerciales, reflexiones y aprendizajes, acompañados con la historia de la evolución de la marca, la construcción de una audiencia propia en el entorno digital y algunas anécdotas de sus éxitos y fracasos.

Joan Alvares

Periodista de formación, publicista de profesión y copywriter por obligación, Joan Alvares (Sabadell, 1983) es redactor publicitario y director creativo. En 2009 fundó Poko, agencia creativa independiente con la que trabajó para clientes como Nike, Artfutura, Ray-Ban, Persol, Garmin, Trident o Warner Bross. Actualmente es socio y director creativo de PutosModernos.

En publicidad ha dirigido campañas para Converse, Lacoste, Beefeater, Nike, FC Barcelona, Cabify, Roxy, Damm, Pepsi, Absolut, Red Hat, Torres, Imagin, Pompeii, Deutsche Bank, Malpaso Ediciones, Penguin Random House, Mobile World Capital, Teatro de la Maestranza, Spotify, Danone, Skate Agora, Arrels, Motorola o la Generalitat de Catalunya, entre otras.Su trabajo ha sido distinguido con 4 premios Laus (ADG-FAD), con el Premio Graffica 2021, con el reconocimiento a Creativo del Año (Agripina) o en el Festival Internacional de la Publicidad Cannes Lions. En 2023 Forbes lo incluyó en la Lista de los 100 Creativos más influyentes en el mundo de los negocios. Ha sido profesor en  Istituto Europeo di Design, University of Westminster (Londres) o Elisava-UPF (Barcelona) y ponente en festivales nacionales e internacionales.

Putos Modernos es una autoparodia de la modernidad a sí misma. ¿Y qué es la modernidad? La modernidad es correr estresado a tu clase de mindfulness, buscar vuelos baratos desde un móvil muy caro o combinar plumón y tobillos al aire. La modernidad eres tú, la modernidad somos todos. Con una comunidad que hoy supera el medio millón de seguidores en redes, PutosModernos crea contenidos, productos y campañas de publicidad para marcas y personas dispuestas a reírse de sí mismas. Entre otros hitos, PutosModernos ha representado a España en la Bienal Internacional del Cartel, celebrada en Santa Cruz (Bolivia), y ha estrenado su propia serie en Filmin (2023).

Algunos medios han definido PutosModernos como «el arte de hacer viral lo sencillo» (revista Emprendedores), «una forma de postpostureo» (La Vanguardia), «dosis diarias de fina ironía» (El Español) , «la realidad sin filtros ni autotune» (El País) o «lo más parecido a una agencia de publicidad moderna», según Toni Segarra.

En esta primera sesión trataremos de averiguar qué es lo que hace que un libro esté bien diseñado y cuáles son los factores que determinan la excelencia del diseño editorial. Veremos ejemplos recientes de publicaciones premiadas en los certámenes Most Beautiful Swiss Books, Best Book Design From All Over The World y los Premios LAUS. Hojeando los libros podremos sentir su presencia material y examinar los elementos que lo conforman: encuadernación, papel, composición, tipografía y la adecuación entre la forma y el contenido. Además, a través del veredicto de estos prestigiosos galardones concedidos por especialistas, podremos analizar las tendencias del diseño editorial actual. Cada estudiante podrá manifestar su opinión al respecto y elegir sus propios favoritos en función de su propia sensibilidad.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

En esta sesión compartiré las historias y los detalles entre bastidores de algunos de los proyectos en los que he participado a lo largo de mi carrera desde la perspectiva de la estrategia y la identidad verbal. El objetivo es mostrar los aspectos clave de mi trabajo y el impacto que tiene en los procesos de diseño y creación visual de los equipos con los que colaboro.

Se tratará sobre todo de palabras, pero que no cunda el pánico, también mostraré algunas imágenes.

Marc Torrell

Me encanta escribir desde que era niño. A medida que fui creciendo, escribí menos. Las novelas y poemas que una vez soñé escribir se convirtieron en titulares, conceptos simples y nombres de marcas. Me licencié en Publicidad y Comunicación Audiovisual, trabajé para grandes agencias internacionales y clientes dinosaurios, y más tarde descubrí el significado del diseño a través de colaboraciones con estudios como Mucho, Hey, Lo Siento, Querida y Pràctica. En 2013, cofundé Usted con mi amigo y socio, Martí Pujolàs.

Consideramos a Usted un híbrido entre una agencia de publicidad tradicional y un estudio de diseño. El enfoque, sea cual sea el proyecto, es siempre el mismo: pensamiento estratégico, concepto con longevidad y dirección artística cuidadosamente elaborada. Trabajamos directamente con los clientes o colaboramos con otros estudios en tareas de conceptualización e identidad verbal para clientes de todos los tamaños y mercados.

Sissel Tolaas es una investigadora y artista olfativa nacida en Noruega y afincada en Berlín (Alemania).
Tolaas lleva desde 1990 investigando, experimentando y trabajando intensamente sobre el tema del olfato. Pionera en este campo, es conocida por su enfoque innovador y único para hacer avanzar la ciencia y la comprensión del olfato.
Gracias a su experiencia en química forense, comunicación química, ecología sensorial, lingüística y artes visuales, ha desarrollado una amplia gama de proyectos interdisciplinarios innovadores relacionados con el olfato, que se han llevado a cabo en todo el mundo.

En enero de 2004, Tolaas fundó el laboratorio profesional de química olfativa SMELL RE_searchLab en Berlín, con el apoyo de la industria y varias universidades.
Su experiencia incluye el reconocimiento, análisis y reproducción avanzados de olores, así como la codificación y comprensión funcional de moléculas olfativas. Ha creado métodos novedosos para codificar moléculas olfativas abstractas y estudiar respuestas lingüísticas tanto a olores individuales como a experiencias olfativas en general. Tolaas ha explorado la ciencia y el arte del olfato en diversos contextos, aplicando sus conocimientos a una gran variedad de propósitos y formatos.
Sus investigaciones y proyectos han sido reconocidos con numerosas becas, distinciones y premios nacionales e internacionales. Es muy capaz de colaborar intensamente con personas de otras disciplinas de todo el mundo.

Tolaas ha expuesto sus proyectos en numerosos museos e instituciones, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), la Galería Nacional de Victoria de Melbourne (NGV), la Fundación de Arte DIA de Nueva York, el CCA de Singapur, la Tate Modern de Londres, el Museo de Arte Minsheng de Shanghai y el Museo MORI de Tokio. Ha colaborado con universidades como el MIT, Nanyang Technical, Tsinghua, Stanford, Harvard y Oxford. Ha creado varios tipos de archivos olfativos, como: Olfato y comunicación/lenguaje; Olfato y codificación; Olfato y Antropoceno; Olfato y extinción; Olfato y ecología sensorial; Moléculas olfativas funcionales. Las colecciones de moléculas olfativas, estructuras complejas olfativas y datos olfativos de Tolaas desde 1990 hasta la actualidad incluyen hasta 20.000 muestras de registros olfativos y fórmulas.

Smell Molecules are the Air’s Alphabet

¿Cuánto de lo que comunicamos está influido por lo que vemos? ¿Y qué ocurre con nuestras historias cuando la vista deja de ser una opción?

¿Cómo podemos activar la información oculta en el aire que nos rodea a todos? El aire es un medio compartido que conecta a todos los seres vivos. Donde hay aire, hay vida, y con la vida llega el lenguaje del olfato. El aire es información y emoción en movimiento.

¿Podrían los detalles transportados por las moléculas olfativas transformar nuestra forma de comunicarnos? ¿Cómo podemos abordar temas críticos desde una perspectiva totalmente nueva a través de la información olfativa? ¿Y si la esencia del contenido pudiera revelarse a través del olfato, ofreciendo una nueva forma de percibir el pasado, el presente y el futuro?

En colaboración con expertos y estudiosos de todo el mundo, me centro en desarrollar un nuevo enfoque para comprender, comunicar y mostrar la química del olfato en diversos contextos. Capturo moléculas olfativas de diversas fuentes, las analizo, construyo bases de datos precisas y creo formas innovadoras de narrar sus historias. Estas moléculas revelan dimensiones que a menudo se pasan por alto.

El objetivo es inspirar un cambio hacia una percepción del mundo más basada en los sentidos. El poder transformador del olfato me ha demostrado que el cambio no sólo es posible, sino esencial. El olfato, profundamente vinculado a la emoción y la memoria, tiene un profundo significado en la experiencia humana. Su conexión con el complejo amígdala-hipocampo aumenta su capacidad para evocar emociones y recuerdos, lo que lo convierte en una herramienta poderosa, aunque olvidada, para entender la vida.

La vida está en todas partes y es constante. Todos respiramos el mismo aire y le damos forma colectivamente. Mi obra nos recuerda esta realidad compartida.

Las influencias históricas, sociológicas y culturales nos han llevado a descuidar parte de nuestro potencial. La educación es vital para despertar estas capacidades dormidas, aprovechando nuestras habilidades sensoriales.

El olfato nos une y enciende la alegría, algo que a menudo se pasa por alto hoy en día. En todas las culturas, enriquece los rituales sociales y las reuniones, dando forma a las conexiones humanas. En un mundo dominado por la inteligencia virtual y artificial, debemos recordar que nuestros sentidos son nuestra interfaz más avanzada, intrínsecamente inteligente y que nos enraíza en nuestra humanidad.

Nuestra profundidad emocional nos distingue de las máquinas, y el olfato desempeña un papel fundamental en ello.

La esencia de la vida reside en volver a conectar con nuestros sentidos olfativos. Entrenar este sentido proporciona nuevas perspectivas sobre los retos sociales y aporta optimismo. Con la creciente inestabilidad mundial, recalibrar nuestros procesos de comunicación y toma de decisiones es más crucial que nunca.

Necesitamos un reinicio sensorial, un enfoque para interpretar los estímulos sensoriales de forma constructiva. El olfato activa los recuerdos y las emociones, fomentando el aprendizaje y la acción. En lugar de estar constantemente en línea, debemos esforzarnos por estar «en la vida», arraigados en experiencias genuinas. Para hacer frente a los retos mundiales hay que volver a conectar con nuestros sentidos, cultivar la tolerancia y redescubrir lo que realmente significa vivir.