Irma Boom es una bookmaker afincada en Ámsterdam. Ha creado más de quinientos libros. Su enfoque experimental desafía a menudo las convenciones de los libros tradicionales, tanto en el diseño físico como en el contenido impreso. Desde 1992, Boom ejerce como crítica en la Universidad de Yale, en New Haven (Connecticut), e imparte conferencias y talleres en todo el mundo. Ha recibido numerosos premios por el diseño de sus libros y, en 2001, fue la persona más joven en recibir el Premio Gutenberg.

Los libros de Boom forman parte de las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Instituto de Arte de Chicago, la Biblioteca Vaticana y el Centro Pompidou de París, entre otras instituciones. Las Colecciones Especiales de la Universidad de Ámsterdam recogen su obra completa. En 2014, Boom recibió el Premio Johannes Vermeer, el premio estatal holandés para las artes. En 2019, recibió el doctorado honoris causa del Royal College of Art de Londres.

La supervivencia del libro o ¡el renacimiento del libro! La distribución de la información siempre ha dependido de su forma cambiante. El libro clásico no puede escapar a ello y ahora lo está sintiendo de forma aguda. El libro digital está decididamente en alza. Pero su aparición en forma de imágenes planas y digitales no tiene por qué amenazar al libro tridimensional. La nueva competencia nos anima incluso a explorar más intensamente las características intrínsecas del libro impreso.

Creo que estamos a las puertas de un nuevo florecimiento del libro clásico. Tal vez incluso haya comenzado ya: el Renacimiento del libro. Para el libro impreso, los diseños preconcebidos son cosa del pasado. El diseñador de libros debe familiarizarse con el contenido antes de iniciar la tarea de concebir una estructura y una forma. Se puede comparar el diseño de un libro con la interpretación de una pieza musical: un director explora la música y la interpreta. El diseñador de libros es un editor y director de textos e imágenes.

El resultado de este esfuerzo es la congelación del tiempo y la información, que es un medio de reflexión; compárese con una fotografía o un cuadro. Una imagen en un momento dado que sirve de referencia de tiempo y lugar. El flujo inherente a Internet no permite ese tipo de tiempo. El libro impreso es definitivo y, por tanto, inmutable. Además, el uso adicional de materiales de base y de horas de trabajo (con la impresión y la encuadernación) te obliga, hasta cierto punto, a tomar decisiones conscientes.

Hago libros en los que el contenido y la forma están estrechamente relacionados. El contenido del material determina en gran medida el diseño. Esto hace que cada libro sea único: nunca el resultado de un tratamiento rutinario. Mis libros tienen presencia física por sus dimensiones, escala y peso. Su forma puede ser rotunda, pero siempre está determinada por el contenido. La necesidad de la intimidad del libro -el papel, el olor a tinta- no es nostalgia ni falso sentimiento.

El libro impreso es una parte fundamental e integral de nuestra tradición y cultura, del conocimiento y la sabiduría publicados y públicos. El libro ha muerto. ¡Viva el libro!

En mi trabajo como diseñadora gráfica independiente siempre me he centrado mucho en las imágenes y en cómo la imagen impresa puede comunicar ideas y ser leída. En mi conferencia me gustaría centrarme más en este tema y explicar cómo lo he explorado a lo largo de diferentes proyectos. Desde algunos encargos hasta mi propio trabajo con la revista BILL y publicaciones relacionadas, así como con MMDC, una serie de publicaciones que retratan bibliotecas.

Hablaré de mi papel como diseñadora gráfica en proyectos por encargo, de cómo estos proyectos contribuyen a la edición de BILL, de la importancia del papel y la exploración del proceso de impresión offset y de cómo distribuyo mis propias publicaciones a través de eventos y encuentros.

Julie Peeters (Hasselt, BE) es diseñadora y editora afincada en Bruselas. Estudió diseño gráfico en Sint Lukas, Gante, fue investigadora en Jan Van Eyck Academy y se graduó en Werkplaats Typografie en 2009. Trabajar en estrecha colaboración con artistas, fotógrafos y comisarios en torno a la impresión es el núcleo de su práctica. En 2021, presentó su primera exposición individual, Daybed, en el MACRO de Roma. Julie ha trabajado en libros de artista con Linder Sterling, Silke Otto Knapp, Rosalind Nashashibi, Yuji Agematsu, Thomas Demand entre muchos otros.

Julie es fundadora y directora creativa de BILL, una revista anual de relatos fotográficos y editora de material visual pausado. Peeters ha impartido clases en la Academia Gerrit Rietveld de Ámsterdam y actualmente enseña en la Escuela de Arte KASK de Gante.

Superponiendo el diseño y las artes visuales con una práctica de edición, publicación y educación, mi trabajo explora las posibilidades del material impreso como medio y lo que significa editar a través del diseño. En 2017 fundé BILL, una publicación periódica anual que adopta la forma de una revista brillante sin palabras, presentando una colección de ensayos visuales de colaboradores invitados que exploran el potencial de las imágenes impresas en una era digital.

Mi trabajo cuestiona y celebra el poder de la impresión. Combinando las funciones de redactora jefe y directora artística, utilizo BILL como herramienta para investigar formas de crear y presentar contenidos, así como vehículo para investigar las posibilidades de la impresión.

Una vez impreso, BILL se convierte en un estímulo para debatir sobre la distribución y el consumo de imágenes, cómo se leen las imágenes en una página y qué significa publicar un objeto impreso en una época de colapso climático y comunicación digital.

La revista The Face
Las revistas constituyen un documento único del espíritu de su época. The Face, diseñada por Neville Brody entre 1981 y 1986, es un buen ejemplo de obra gráfica total. Centrada en la música y la moda, su estilo tuvo una gran influencia y definió en gran manera la estética de los años 80 del siglo XX.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varias revistas icónicas que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos las revistas en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Un sistema de escritura logográfico es un tipo de sistema de escritura en el que cada símbolo o logograma representa una palabra completa o un concepto significativo. En este taller crearemos un nuevo sistema de escritura que esté directamente vinculado a la experiencia humana a partir de una serie de conceptos. Para ello, nos apropiaremos de las referencias culturales, visuales, históricas… de diferentes tribus étnicas existentes que nos darán un punto de partida a partir del cual los alumnos podrán desarrollar el ejercicio.

El estudiante perfeccionará tanto la habilidad conceptual como su capacidad de síntesis para la ideación de una sistema gráfico y desarrollará una sensibilidad hacia la forma/contraforma desde una óptica visual. Buscamos concienciar el valor cultural de la escritura como tal, explorando los límites conceptuales y formales, dando
pie a la experimentación y la investigación. 

LEÓN ROMERO es un estudio de comunicación visual con sede en Barcelona fundado por Jorge León y Mikel Romero. El estudio adopta un enfoque colaborativo de la dirección creativa y el diseño gráfico para producir soluciones audaces y funcionales para la cultura y el comercio.

Impulsado por el diseño tipográfico, LEÓN ROMERO ofrece una amplia gama de servicios que incluyen identidad visual, campañas gráficas, diseño editorial y web, packaging y dirección de arte. El estudio mantiene una sólida relación con una vibrante red de fotógrafos, ilustradores, editores y redactores para realizar proyectos grandes y pequeños.

Libros de Irma Boom

La diseñadora holandesa es uno de los referentes del diseño editorial contemporáneo. Desde el inicio de su carrera a mediados de la década de 1980, Irma Boom ha contribuido a la revalorización del libro como objeto, cuestionando la primacía del formato electrónico que algunos vaticinaban. Sus libros tienen una cualidad material que se proyecta más allá del contenido.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

El diseño de un libro y el de una exposición son dos prácticas distintas pero interrelacionadas. Aunque ambos son conceptos espaciales a través de los cuales se articulan y muestran narrativas, se manifiestan en condiciones físicas y disciplinarias diferentes. La práctica de Julia Born encierra una investigación sobre estos formatos, desafiándolos y ampliando la noción de diseño a través de medios y disciplinas. El lenguaje y sus cualidades ambiguas están en el centro de su proyecto, que explora a través de encargos y trabajos independientes, como su reciente exposición individual All Capitals en el MACRO de Roma, o varias colaboraciones con la coreógrafa Alexandra Bachzetsis.

Julia Born es una diseñadora y educadora afincada en Zúrich. Su trabajo se centra en el diseño editorial, el diseño de exposiciones y las identidades gráficas para diversas instituciones culturales, como el Stedelijk Museum y la Rijksakademie van beeldende kunsten de Ámsterdam; el Kunsthalle y el Kunstmuseum de Basilea; el Museo Guggenheim de Nueva York; el HKW y el Brücke-Museum de Berlín; y la documenta 14 de Atenas/Kassel.

Ha diseñado monografías para artistas como Michel Auder, Miriam Cahn, Vivian Suter y Elisabeth Wild. Born imparte clases de diseño editorial en el Master Type Design de la ECAL, École cantonale d’art de Lausanne, y es profesora invitada en institutos internacionales de arte y diseño. Entre sus exposiciones individuales destacan All Capitals (MACRO-Museo d’Arte Contemporanea di Roma, 2022) y Title of the Show (Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig, 2009). Born ha recibido el Gran Premio Suizo de Diseño, concedido por la Oficina Federal de Cultura de Suiza en 2021.

Aristóteles exploró por primera vez la idea de llegar a ser haciendo, dice ‘llegamos a ser justos haciendo cosas justas, moderados haciendo cosas moderadas, valientes haciendo cosas valientes’. Esa misma idea se traduce hoy en día en el dicho «Fíngelo hasta que lo consigas».

Pero, ¿cuándo lo conseguimos? ¿Cómo lo hacemos? ¿Es un sentimiento externo o interno?

¿Alguien nos lo ha dicho alguna vez: ‘Lo has conseguido. Bien hecho. Has llegado’?

En esta charla, Samar Maakaroun compartirá historias, proyectos, momentos de su carrera que se sitúan de algún modo entre el fingimiento y la realización, y a qué se reduce todo ello.

Árabe y británica a partes iguales, Samar Maakaroun es una diseñadora y directora creativa conocida por su enfoque multilingüe y creativo del diseño.

Creció en Beirut y se trasladó a Londres en 2005, por lo que domina tres idiomas y dos culturas. A lo largo de más de 20 años de experiencia en branding, narrativa digital, escenografía y tipografía, su carrera se ha centrado en equilibrar la estética, el contexto y el patrimonio con la voz y el propósito de la marca.

En un mundo globalizado con florecientes comunidades diaspóricas en todas las ciudades, Samar cree en la fluidez y los matices de la identidad, y ve la complejidad como una fuente de inspiración creativa y poder narrativo. Su trabajo explora el espacio intermedio, donde las culturas y las lenguas se cruzan, se integran, se alinean o divergen.

Samar fundó Right to Left en 2021, una agencia de diseño a caballo entre culturas y tradiciones tipográficas. Especializado en el diseño de marcas híbridas, el equipo multidisciplinar habla siete idiomas y atraviesa tres generaciones, trabajando para integrar con fluidez mundos, culturas y lenguajes a través del naming, la estrategia de marca, los sistemas de marca y las identidades.

El proyecto tipográfico 29 Words for 29 Letters, que explora el lenguaje, la traducción y la fluidez del significado a través del diseño, es un ejemplo de su enfoque de salto lingüístico y cruce de culturas.

En 2023, Samar llevó su equipo Right to Left a la oficina londinense de Pentagram, donde se incorporó como uno de los once socios.

La revista Emigre
Emigre fue una revista de tipografía que tuvo una trascendencia considerable a finales del siglo pasado ya que cuestionó el cánon moderno en cuanto a retícula, composición y legibilidad. Sus editores y diseñadores, Rudy Vanderlans y Zuzana Licko, iniciaron un debate que popularizó el hecho tipográfico a través de la publicidad y el diseño gráfico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varias revistas icónicas que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos las revistas en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

El objetivo del taller es crear un objeto gráfico que interactúe con el viento y sea capaz de generar energía. Durante el taller, los participantes desarrollarán su propia Wind Thing. Estos objetos deberán aunar la apariencia artística de un objeto cinético con la función de un aerogenerador a pequeña escala.
Empezaremos a hacer pruebas sencillas con el color, el dibujo, las formas y la rotación. Deberán influirse mutuamente para crear una unidad. A partir de ahí elegirás el diseño que mejor funcione. Juntos desarrollaremos un prototipo funcional capaz de girar y generar electricidad.

El mundo busca soluciones en las transiciones energéticas. Los aerogeneradores de gran tamaño son a menudo indeseados debido a su tamaño y apariencia. Los aerogeneradores a pequeña escala bellamente diseñados podrían convertirse en un complemento de energía eólica para el contexto privado.

El trabajo de Raw Color refleja un sofisticado tratamiento del material y el color mezclando los campos del diseño gráfico y la fotografía. Esto se plasma a través de la investigación y la experimentación, construyendo su lenguaje visual. Daniera ter Haar y Christoph Brach trabajan en proyectos propios y por encargo en su estudio de Eindhoven.

El dúo vienés honey & bunny debate los objetivos y métodos del diseño del futuro con la ayuda de objetos comestibles y actividades relacionadas con la alimentación. Presentarán una visión general del diseño de alimentos y el diseño resiliente. Junto con los estudiantes participantes, diseñarán objetos comestibles, debatirán sobre ellos y harán una presentación de estos procesos de diseño.

El 30% de las emisiones climáticas proceden de la producción de alimentos y en las zonas meridionales de la UE trabajan más de 150 000 esclavos en los campos para alimentar a Europa – ¿más preguntas?

Sonja Stummerer y Martin Hablesreiter fundaron el estudio interdisciplinar honey & bunny en Viena en 2003. Desarrollaron y construyeron varios loft, tiendas y apartamentos, dirigieron «food design – the film», crearon las exposiciones «food design» para el Designforum MQ de Viena, «food | design | humanity» en Lodz y «eat | body | design» en Zúrich, entre otras. Su instalación «EAT DESIGN» forma parte de la colección permanente del Museo de Artes Aplicadas de Viena.

Honey & bunny han participado en numerosas exposiciones internacionales individuales y colectivas como diseñadores y artistas de Eat Art. Recientemente, han creado las instalaciones «room 333» para el Museo de la Imagen de Breda/ NL, «food design objects» para el Palazzo Triennale de Milán, «table manners» para la Bienal de Gwangju y «eat VALUE design» para el Victoria and Albert Museum de Londres. Honey & bunny desarrolló y presentó performances de diseño y arte de comer en la Semana del Diseño de París 2015, la Expo de Milán 2015 y la Republic de Salzburgo, entre otras.

Continuando con el juego de construcción, el objetivo del taller es imaginar un sistema sencillo para construir cometas celulares. Estas cometas tendrán que ser plegables y relativamente grandes cuando estén construidas. Al final del taller, todas las cometas se colgarán en el vestíbulo de la escuela. Deben ser estéticas y poéticas pero también bien pensadas en el sistema de construcción. El objetivo del taller es explorar formas geométricas repetitivas con materiales específicos de cometas como el spinnaker o las estructuras. Es importante pensar en cometas que cuenten una historia y creen un volumen coherente común a todos los participantes.

Victor Guerithault (nacido en 1993, París, FR) es un diseñador especializado en cometas y estructuras aéreas graduado en EESAB Rennes (Escuela Europea de Artes) en 2018. Apasionado por las estructuras ligeras, las arquitecturas y las cometas, encontró una manera de desempolvar los sistemas aerodinámicos de una manera divertida.
Las cometas son objetos milenarios que tienen el poder de crear interacciones, vínculos sociales, sueños y recuerdos. El objetivo no es simplemente hacer volar tus cometas, sino construirla de la A a la Z y además poder transformarla en pocos minutos.

Guiados por geometrías básicas pero igualmente complejas, estos aerodinos son 100% personalizables, lo que los convierte en su primera cualidad.
De hecho, todos los proyectos, colaboraciones o encargos en los que he trabajado han visto la luz gracias a este sistema. Ya he trabajado para Louis Vuitton, Hermès, Le Coq Sportif y Burberry. Este juego de construcción me permite trabajar con diferentes estructuras como escuelas, marcas y festivales. Las cometas son objetos infantiles en serio, varios diseñadores o arquitectos reconocidos se han apasionado por estos objetos milenarios, como la pareja Charles y Ray Eames.

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Conoce al dúo dinámico Thinh Truong (Artificial) y Vero Gryshchuk (Inteligencia) en el mundo del diseño y la educación en IA. Vero, licenciada en diseño gráfico por Elisava y aficionada al diseño especulativo. Thinh Truong, diseñador multidisciplinar juguetón y perspicaz, graduado en Motion Graphics por el IED Barcelona. Juntos, sus destinos se cruzaron en Domestic Data Streamers, donde iniciaron el viaje de la IA profundizando en la investigación de la IA y su aplicación en la industria creativa.

No son sólo profesores, sino buscadores de diversión, mezclando su experiencia en diseño con la IA generativa. ¿Sus clases? Un viaje creativo en la apasionante encrucijada del diseño y el estímulo experimental.