La reciente exposición individual de Anette Lenz en el Museum Angewandte Kunst de Frankfurt, Alemania (2021), es la base de esta conferencia en la que compartirá su perspectiva sobre la cultura, la sociedad y la vida a través de su obra de diseño.

La obra gráfica «I am part of the big picture and the big picture is part of me» de Anette Lenz sirve de adecuado preludio a su concepto de una resonancia del diseño que, en los tiempos que corren, difícilmente podría ser más actual».

Cita de la página web del Museum Angewandte Kunst: «En su primera exposición individual a gran escala en Alemania, Anette Lenz contextualiza, ironiza y comenta su propia actitud ante la vida. Transforma los espacios del Museo en mundos gráficos inmersivos que convierten la comunicación visual en una experiencia tangible: sensual, poética y sugerente. El título «à propos» -que significa «a propósito»- no sólo alude al hecho de que tiene algo que añadir, un comentario propio que hacer, sino que también reivindica la pertinencia, un comentario hecho exactamente en el punto y el momento adecuados. (…)»

Anette Lenz es una diseñadora gráfica alemana afincada en París, Francia.
Su trabajo se centra en las instituciones culturales.
Idear un proyecto, estructurar una identidad visual singular y evolutiva en el corazón del espacio público son cuestiones en las que siempre ha invertido. Considera el diseño gráfico como un poderoso medio de conexión poética y política. Sus carteles forman parte de importantes colecciones internacionales.
Anette Lenz imparte clases en HEAD, la Universidad de Arte y Diseño de Ginebra (Suiza). Es miembro de AGI.

Jose Rosales se graduó en diseño audiovisual en BAU Universidad de diseño. Amante y observador de la cotidianidad. Jugador profesional del FIFA. Mallorquín y Madridista. Urbanita. Perfeccionista. Fundador, director de arte y creativo en Codea Studio. No paro de balancearme de un lado a otro. Nervioso y tranquilo a la vez. Estuve enganchado a la comida china y ahora estoy enganchado al Crossfit. Muy fan de Denis Villeneuve, Jacques Tati, Camarón de la Isla, Kady Cain y Serge Gainsbourg.

Una aproximación al mundo del fotolibro a partir de sus fundamentos y desarrollo. Trabajando con un autor, los estudiantes descubrirán su proceso de creación específico y cómo desarrollar su narrativa, ritmo y secuencia en un libro.

Jon Uriarte estudió Fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya y en el International Center of Photography de Nueva York, además de realizar un máster en Proyectos y Teorías Artísticas por PhotoEspaña y la Universidad Europea de Madrid. Ha expuesto en diversos centros y galerías de arte, tanto en muestras colectivas como individuales, entre los que destacan La Casa Encendida de Madrid, el Koldo Mitxelena de Donostia, el Studio 304 de Nueva York, el centro HBC de Berlín y la Sala d’Art Jove de Barcelona.

Fue fundador de Widephoto, plataforma independiente dedicada al comisariado y actividades en torno a la fotografía contemporánea. Además, conceptualizó y coordinó durante 3 años DONE, el proyecto sobre reflexión y creación visual impulsado por Foto Colectania. Actualmente vive en San Sebastián, desde donde compagina el comisariado de los programas digitales de The Photographers’ Gallery con el comisariado del Festival Internacional de Imagen Getxophoto.

Eyal Weizman es fundador y director de Forensic Architecture y profesor de Culturas Espaciales y Visuales en Goldsmiths, Universidad de Londres, donde en 2005 fundó el Centre for Research Architecture. En 2007 creó, con Sandi Hilal y Alessandro Petti, el colectivo arquitectónico DAAR en Beit Sahour/Palestina.

Es autor de numerosos libros, entre ellos Hollow Land, The Least of all Possible Evils, Investigative Aesthetics, The Roundabout Revolutions, The Conflict Shoreline y Forensic Architecture.

Eyal ha ocupado cargos en numerosas universidades de todo el mundo, como Princeton, ETH Zurich y la Academia de Bellas Artes de Viena.

Es miembro del Consejo Asesor de Tecnología de la Corte Penal Internacional y del Centro de Periodismo de Investigación.

En 2019 fue elegido miembro vitalicio de la Academia Británica. En 2020 recibió un MBE por «servicios a la arquitectura» y en 2021 el London Design Award. Forensic Architecture ha recibido el Premio Peabody de medios interactivos y el Premio de Cultura de la Fundación Europea de la Cultura.

Eyal estudió arquitectura en la Architectural Association, donde se licenció en 1998. En 2006 se doctoró en el London Consortium de Birkbeck, Universidad de Londres.

Forensic Architecture es una agencia de investigación con sede en Goldsmiths, University of London. Nuestro mandato es desarrollar, emplear y difundir nuevas técnicas, métodos y conceptos para investigar la violencia estatal y corporativa. Nuestro equipo incluye arquitectos, desarrolladores, cineastas, periodistas de investigación, científicos y abogados. Somos una agencia interdisciplinaria que opera a través de los derechos humanos, el periodismo, la arquitectura, el arte y la estética, la academia y la ley; en 2022, el programa de los Premios Peabody escribió que habíamos co-creado «todo un nuevo campo académico y una práctica mediática emergente».

En este taller, convertiremos el bootlegging en un método y examinaremos el fenómeno que originalmente se desarrolló a partir del contrabando y la piratería hasta convertirse en una práctica habitual en el sector de la música y la moda, pero hoy también en el mundo del diseño gráfico y las marcas. Tu tarea consistirá en desarrollar tu propio bootleg y explorar los límites entre piratería, homenaje y la recreación. Se espera que la elección de los medios sea libre.

¿Cómo quieres posicionarte y posicionar tu forma de trabajar en un mundo en el que tu trabajo se ve influido por innumerables impresiones, sobre todo de Internet y las redes sociales? Hoy en día se tiene acceso a muchas fuentes de información e influencias. ¿Hasta qué punto dejas que tu trabajo se vea influido por otros estilos y métodos, y cómo puedes reivindicar la autoría de tu obra? ¿A quién pertenece una idea? Intentaremos abordar este tema en el taller y debatirlo. ¡Diviértete!

Después de graduarse en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam, Serge Rompza cofundó el estudio de diseño NODE en Berlín y Oslo en 2003, junto con Anders Hofgaard. Las dos oficinas trabajan de manera colaborativa en identidad, editorial, exposiciones y proyectos interactivos. La lista de clientes incluye Haus der Kulturen der Welt Berlin, Vitra, MIT Program in Art, Culture and Technology (ACT), Pabellón de Lituania / La Bienal de Venecia, Office for Metropolitan Architecture (OMA).

Desde 2004, ha enseñado regularmente en academias de arte y diseño en toda Europa.

Irma Boom es una bookmaker afincada en Ámsterdam. Ha creado más de quinientos libros. Su enfoque experimental desafía a menudo las convenciones de los libros tradicionales, tanto en el diseño físico como en el contenido impreso. Desde 1992, Boom ejerce como crítica en la Universidad de Yale, en New Haven (Connecticut), e imparte conferencias y talleres en todo el mundo. Ha recibido numerosos premios por el diseño de sus libros y, en 2001, fue la persona más joven en recibir el Premio Gutenberg.

Los libros de Boom forman parte de las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Instituto de Arte de Chicago, la Biblioteca Vaticana y el Centro Pompidou de París, entre otras instituciones. Las Colecciones Especiales de la Universidad de Ámsterdam recogen su obra completa. En 2014, Boom recibió el Premio Johannes Vermeer, el premio estatal holandés para las artes. En 2019, recibió el doctorado honoris causa del Royal College of Art de Londres.

La supervivencia del libro o ¡el renacimiento del libro! La distribución de la información siempre ha dependido de su forma cambiante. El libro clásico no puede escapar a ello y ahora lo está sintiendo de forma aguda. El libro digital está decididamente en alza. Pero su aparición en forma de imágenes planas y digitales no tiene por qué amenazar al libro tridimensional. La nueva competencia nos anima incluso a explorar más intensamente las características intrínsecas del libro impreso.

Creo que estamos a las puertas de un nuevo florecimiento del libro clásico. Tal vez incluso haya comenzado ya: el Renacimiento del libro. Para el libro impreso, los diseños preconcebidos son cosa del pasado. El diseñador de libros debe familiarizarse con el contenido antes de iniciar la tarea de concebir una estructura y una forma. Se puede comparar el diseño de un libro con la interpretación de una pieza musical: un director explora la música y la interpreta. El diseñador de libros es un editor y director de textos e imágenes.

El resultado de este esfuerzo es la congelación del tiempo y la información, que es un medio de reflexión; compárese con una fotografía o un cuadro. Una imagen en un momento dado que sirve de referencia de tiempo y lugar. El flujo inherente a Internet no permite ese tipo de tiempo. El libro impreso es definitivo y, por tanto, inmutable. Además, el uso adicional de materiales de base y de horas de trabajo (con la impresión y la encuadernación) te obliga, hasta cierto punto, a tomar decisiones conscientes.

Hago libros en los que el contenido y la forma están estrechamente relacionados. El contenido del material determina en gran medida el diseño. Esto hace que cada libro sea único: nunca el resultado de un tratamiento rutinario. Mis libros tienen presencia física por sus dimensiones, escala y peso. Su forma puede ser rotunda, pero siempre está determinada por el contenido. La necesidad de la intimidad del libro -el papel, el olor a tinta- no es nostalgia ni falso sentimiento.

El libro impreso es una parte fundamental e integral de nuestra tradición y cultura, del conocimiento y la sabiduría publicados y públicos. El libro ha muerto. ¡Viva el libro!

En mi trabajo como diseñadora gráfica independiente siempre me he centrado mucho en las imágenes y en cómo la imagen impresa puede comunicar ideas y ser leída. En mi conferencia me gustaría centrarme más en este tema y explicar cómo lo he explorado a lo largo de diferentes proyectos. Desde algunos encargos hasta mi propio trabajo con la revista BILL y publicaciones relacionadas, así como con MMDC, una serie de publicaciones que retratan bibliotecas.

Hablaré de mi papel como diseñadora gráfica en proyectos por encargo, de cómo estos proyectos contribuyen a la edición de BILL, de la importancia del papel y la exploración del proceso de impresión offset y de cómo distribuyo mis propias publicaciones a través de eventos y encuentros.

Julie Peeters (Hasselt, BE) es diseñadora y editora afincada en Bruselas. Estudió diseño gráfico en Sint Lukas, Gante, fue investigadora en Jan Van Eyck Academy y se graduó en Werkplaats Typografie en 2009. Trabajar en estrecha colaboración con artistas, fotógrafos y comisarios en torno a la impresión es el núcleo de su práctica. En 2021, presentó su primera exposición individual, Daybed, en el MACRO de Roma. Julie ha trabajado en libros de artista con Linder Sterling, Silke Otto Knapp, Rosalind Nashashibi, Yuji Agematsu, Thomas Demand entre muchos otros.

Julie es fundadora y directora creativa de BILL, una revista anual de relatos fotográficos y editora de material visual pausado. Peeters ha impartido clases en la Academia Gerrit Rietveld de Ámsterdam y actualmente enseña en la Escuela de Arte KASK de Gante.

Superponiendo el diseño y las artes visuales con una práctica de edición, publicación y educación, mi trabajo explora las posibilidades del material impreso como medio y lo que significa editar a través del diseño. En 2017 fundé BILL, una publicación periódica anual que adopta la forma de una revista brillante sin palabras, presentando una colección de ensayos visuales de colaboradores invitados que exploran el potencial de las imágenes impresas en una era digital.

Mi trabajo cuestiona y celebra el poder de la impresión. Combinando las funciones de redactora jefe y directora artística, utilizo BILL como herramienta para investigar formas de crear y presentar contenidos, así como vehículo para investigar las posibilidades de la impresión.

Una vez impreso, BILL se convierte en un estímulo para debatir sobre la distribución y el consumo de imágenes, cómo se leen las imágenes en una página y qué significa publicar un objeto impreso en una época de colapso climático y comunicación digital.

La revista The Face
Las revistas constituyen un documento único del espíritu de su época. The Face, diseñada por Neville Brody entre 1981 y 1986, es un buen ejemplo de obra gráfica total. Centrada en la música y la moda, su estilo tuvo una gran influencia y definió en gran manera la estética de los años 80 del siglo XX.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varias revistas icónicas que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos las revistas en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Un sistema de escritura logográfico es un tipo de sistema de escritura en el que cada símbolo o logograma representa una palabra completa o un concepto significativo. En este taller crearemos un nuevo sistema de escritura que esté directamente vinculado a la experiencia humana a partir de una serie de conceptos. Para ello, nos apropiaremos de las referencias culturales, visuales, históricas… de diferentes tribus étnicas existentes que nos darán un punto de partida a partir del cual los alumnos podrán desarrollar el ejercicio.

El estudiante perfeccionará tanto la habilidad conceptual como su capacidad de síntesis para la ideación de una sistema gráfico y desarrollará una sensibilidad hacia la forma/contraforma desde una óptica visual. Buscamos concienciar el valor cultural de la escritura como tal, explorando los límites conceptuales y formales, dando
pie a la experimentación y la investigación. 

LEÓN ROMERO es un estudio de comunicación visual con sede en Barcelona fundado por Jorge León y Mikel Romero. El estudio adopta un enfoque colaborativo de la dirección creativa y el diseño gráfico para producir soluciones audaces y funcionales para la cultura y el comercio.

Impulsado por el diseño tipográfico, LEÓN ROMERO ofrece una amplia gama de servicios que incluyen identidad visual, campañas gráficas, diseño editorial y web, packaging y dirección de arte. El estudio mantiene una sólida relación con una vibrante red de fotógrafos, ilustradores, editores y redactores para realizar proyectos grandes y pequeños.

Libros de Irma Boom

La diseñadora holandesa es uno de los referentes del diseño editorial contemporáneo. Desde el inicio de su carrera a mediados de la década de 1980, Irma Boom ha contribuido a la revalorización del libro como objeto, cuestionando la primacía del formato electrónico que algunos vaticinaban. Sus libros tienen una cualidad material que se proyecta más allá del contenido.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

El diseño de un libro y el de una exposición son dos prácticas distintas pero interrelacionadas. Aunque ambos son conceptos espaciales a través de los cuales se articulan y muestran narrativas, se manifiestan en condiciones físicas y disciplinarias diferentes. La práctica de Julia Born encierra una investigación sobre estos formatos, desafiándolos y ampliando la noción de diseño a través de medios y disciplinas. El lenguaje y sus cualidades ambiguas están en el centro de su proyecto, que explora a través de encargos y trabajos independientes, como su reciente exposición individual All Capitals en el MACRO de Roma, o varias colaboraciones con la coreógrafa Alexandra Bachzetsis.

Julia Born es una diseñadora y educadora afincada en Zúrich. Su trabajo se centra en el diseño editorial, el diseño de exposiciones y las identidades gráficas para diversas instituciones culturales, como el Stedelijk Museum y la Rijksakademie van beeldende kunsten de Ámsterdam; el Kunsthalle y el Kunstmuseum de Basilea; el Museo Guggenheim de Nueva York; el HKW y el Brücke-Museum de Berlín; y la documenta 14 de Atenas/Kassel.

Ha diseñado monografías para artistas como Michel Auder, Miriam Cahn, Vivian Suter y Elisabeth Wild. Born imparte clases de diseño editorial en el Master Type Design de la ECAL, École cantonale d’art de Lausanne, y es profesora invitada en institutos internacionales de arte y diseño. Entre sus exposiciones individuales destacan All Capitals (MACRO-Museo d’Arte Contemporanea di Roma, 2022) y Title of the Show (Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig, 2009). Born ha recibido el Gran Premio Suizo de Diseño, concedido por la Oficina Federal de Cultura de Suiza en 2021.

Aristóteles exploró por primera vez la idea de llegar a ser haciendo, dice ‘llegamos a ser justos haciendo cosas justas, moderados haciendo cosas moderadas, valientes haciendo cosas valientes’. Esa misma idea se traduce hoy en día en el dicho «Fíngelo hasta que lo consigas».

Pero, ¿cuándo lo conseguimos? ¿Cómo lo hacemos? ¿Es un sentimiento externo o interno?

¿Alguien nos lo ha dicho alguna vez: ‘Lo has conseguido. Bien hecho. Has llegado’?

En esta charla, Samar Maakaroun compartirá historias, proyectos, momentos de su carrera que se sitúan de algún modo entre el fingimiento y la realización, y a qué se reduce todo ello.

Árabe y británica a partes iguales, Samar Maakaroun es una diseñadora y directora creativa conocida por su enfoque multilingüe y creativo del diseño.

Creció en Beirut y se trasladó a Londres en 2005, por lo que domina tres idiomas y dos culturas. A lo largo de más de 20 años de experiencia en branding, narrativa digital, escenografía y tipografía, su carrera se ha centrado en equilibrar la estética, el contexto y el patrimonio con la voz y el propósito de la marca.

En un mundo globalizado con florecientes comunidades diaspóricas en todas las ciudades, Samar cree en la fluidez y los matices de la identidad, y ve la complejidad como una fuente de inspiración creativa y poder narrativo. Su trabajo explora el espacio intermedio, donde las culturas y las lenguas se cruzan, se integran, se alinean o divergen.

Samar fundó Right to Left en 2021, una agencia de diseño a caballo entre culturas y tradiciones tipográficas. Especializado en el diseño de marcas híbridas, el equipo multidisciplinar habla siete idiomas y atraviesa tres generaciones, trabajando para integrar con fluidez mundos, culturas y lenguajes a través del naming, la estrategia de marca, los sistemas de marca y las identidades.

El proyecto tipográfico 29 Words for 29 Letters, que explora el lenguaje, la traducción y la fluidez del significado a través del diseño, es un ejemplo de su enfoque de salto lingüístico y cruce de culturas.

En 2023, Samar llevó su equipo Right to Left a la oficina londinense de Pentagram, donde se incorporó como uno de los once socios.