El diseño de un libro y el de una exposición son dos prácticas distintas pero interrelacionadas. Aunque ambos son conceptos espaciales a través de los cuales se articulan y muestran narrativas, se manifiestan en condiciones físicas y disciplinarias diferentes. La práctica de Julia Born encierra una investigación sobre estos formatos, desafiándolos y ampliando la noción de diseño a través de medios y disciplinas. El lenguaje y sus cualidades ambiguas están en el centro de su proyecto, que explora a través de encargos y trabajos independientes, como su reciente exposición individual All Capitals en el MACRO de Roma, o varias colaboraciones con la coreógrafa Alexandra Bachzetsis.

Julia Born es una diseñadora y educadora afincada en Zúrich. Su trabajo se centra en el diseño editorial, el diseño de exposiciones y las identidades gráficas para diversas instituciones culturales, como el Stedelijk Museum y la Rijksakademie van beeldende kunsten de Ámsterdam; el Kunsthalle y el Kunstmuseum de Basilea; el Museo Guggenheim de Nueva York; el HKW y el Brücke-Museum de Berlín; y la documenta 14 de Atenas/Kassel.

Ha diseñado monografías para artistas como Michel Auder, Miriam Cahn, Vivian Suter y Elisabeth Wild. Born imparte clases de diseño editorial en el Master Type Design de la ECAL, École cantonale d’art de Lausanne, y es profesora invitada en institutos internacionales de arte y diseño. Entre sus exposiciones individuales destacan All Capitals (MACRO-Museo d’Arte Contemporanea di Roma, 2022) y Title of the Show (Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig, 2009). Born ha recibido el Gran Premio Suizo de Diseño, concedido por la Oficina Federal de Cultura de Suiza en 2021.

Aristóteles exploró por primera vez la idea de llegar a ser haciendo, dice ‘llegamos a ser justos haciendo cosas justas, moderados haciendo cosas moderadas, valientes haciendo cosas valientes’. Esa misma idea se traduce hoy en día en el dicho «Fíngelo hasta que lo consigas».

Pero, ¿cuándo lo conseguimos? ¿Cómo lo hacemos? ¿Es un sentimiento externo o interno?

¿Alguien nos lo ha dicho alguna vez: ‘Lo has conseguido. Bien hecho. Has llegado’?

En esta charla, Samar Maakaroun compartirá historias, proyectos, momentos de su carrera que se sitúan de algún modo entre el fingimiento y la realización, y a qué se reduce todo ello.

Árabe y británica a partes iguales, Samar Maakaroun es una diseñadora y directora creativa conocida por su enfoque multilingüe y creativo del diseño.

Creció en Beirut y se trasladó a Londres en 2005, por lo que domina tres idiomas y dos culturas. A lo largo de más de 20 años de experiencia en branding, narrativa digital, escenografía y tipografía, su carrera se ha centrado en equilibrar la estética, el contexto y el patrimonio con la voz y el propósito de la marca.

En un mundo globalizado con florecientes comunidades diaspóricas en todas las ciudades, Samar cree en la fluidez y los matices de la identidad, y ve la complejidad como una fuente de inspiración creativa y poder narrativo. Su trabajo explora el espacio intermedio, donde las culturas y las lenguas se cruzan, se integran, se alinean o divergen.

Samar fundó Right to Left en 2021, una agencia de diseño a caballo entre culturas y tradiciones tipográficas. Especializado en el diseño de marcas híbridas, el equipo multidisciplinar habla siete idiomas y atraviesa tres generaciones, trabajando para integrar con fluidez mundos, culturas y lenguajes a través del naming, la estrategia de marca, los sistemas de marca y las identidades.

El proyecto tipográfico 29 Words for 29 Letters, que explora el lenguaje, la traducción y la fluidez del significado a través del diseño, es un ejemplo de su enfoque de salto lingüístico y cruce de culturas.

En 2023, Samar llevó su equipo Right to Left a la oficina londinense de Pentagram, donde se incorporó como uno de los once socios.

La revista Emigre
Emigre fue una revista de tipografía que tuvo una trascendencia considerable a finales del siglo pasado ya que cuestionó el cánon moderno en cuanto a retícula, composición y legibilidad. Sus editores y diseñadores, Rudy Vanderlans y Zuzana Licko, iniciaron un debate que popularizó el hecho tipográfico a través de la publicidad y el diseño gráfico.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varias revistas icónicas que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos las revistas en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

El objetivo del taller es crear un objeto gráfico que interactúe con el viento y sea capaz de generar energía. Durante el taller, los participantes desarrollarán su propia Wind Thing. Estos objetos deberán aunar la apariencia artística de un objeto cinético con la función de un aerogenerador a pequeña escala.
Empezaremos a hacer pruebas sencillas con el color, el dibujo, las formas y la rotación. Deberán influirse mutuamente para crear una unidad. A partir de ahí elegirás el diseño que mejor funcione. Juntos desarrollaremos un prototipo funcional capaz de girar y generar electricidad.

El mundo busca soluciones en las transiciones energéticas. Los aerogeneradores de gran tamaño son a menudo indeseados debido a su tamaño y apariencia. Los aerogeneradores a pequeña escala bellamente diseñados podrían convertirse en un complemento de energía eólica para el contexto privado.

El trabajo de Raw Color refleja un sofisticado tratamiento del material y el color mezclando los campos del diseño gráfico y la fotografía. Esto se plasma a través de la investigación y la experimentación, construyendo su lenguaje visual. Daniera ter Haar y Christoph Brach trabajan en proyectos propios y por encargo en su estudio de Eindhoven.

El dúo vienés honey & bunny debate los objetivos y métodos del diseño del futuro con la ayuda de objetos comestibles y actividades relacionadas con la alimentación. Presentarán una visión general del diseño de alimentos y el diseño resiliente. Junto con los estudiantes participantes, diseñarán objetos comestibles, debatirán sobre ellos y harán una presentación de estos procesos de diseño.

El 30% de las emisiones climáticas proceden de la producción de alimentos y en las zonas meridionales de la UE trabajan más de 150 000 esclavos en los campos para alimentar a Europa – ¿más preguntas?

Sonja Stummerer y Martin Hablesreiter fundaron el estudio interdisciplinar honey & bunny en Viena en 2003. Desarrollaron y construyeron varios loft, tiendas y apartamentos, dirigieron «food design – the film», crearon las exposiciones «food design» para el Designforum MQ de Viena, «food | design | humanity» en Lodz y «eat | body | design» en Zúrich, entre otras. Su instalación «EAT DESIGN» forma parte de la colección permanente del Museo de Artes Aplicadas de Viena.

Honey & bunny han participado en numerosas exposiciones internacionales individuales y colectivas como diseñadores y artistas de Eat Art. Recientemente, han creado las instalaciones «room 333» para el Museo de la Imagen de Breda/ NL, «food design objects» para el Palazzo Triennale de Milán, «table manners» para la Bienal de Gwangju y «eat VALUE design» para el Victoria and Albert Museum de Londres. Honey & bunny desarrolló y presentó performances de diseño y arte de comer en la Semana del Diseño de París 2015, la Expo de Milán 2015 y la Republic de Salzburgo, entre otras.

Continuando con el juego de construcción, el objetivo del taller es imaginar un sistema sencillo para construir cometas celulares. Estas cometas tendrán que ser plegables y relativamente grandes cuando estén construidas. Al final del taller, todas las cometas se colgarán en el vestíbulo de la escuela. Deben ser estéticas y poéticas pero también bien pensadas en el sistema de construcción. El objetivo del taller es explorar formas geométricas repetitivas con materiales específicos de cometas como el spinnaker o las estructuras. Es importante pensar en cometas que cuenten una historia y creen un volumen coherente común a todos los participantes.

Victor Guerithault (nacido en 1993, París, FR) es un diseñador especializado en cometas y estructuras aéreas graduado en EESAB Rennes (Escuela Europea de Artes) en 2018. Apasionado por las estructuras ligeras, las arquitecturas y las cometas, encontró una manera de desempolvar los sistemas aerodinámicos de una manera divertida.
Las cometas son objetos milenarios que tienen el poder de crear interacciones, vínculos sociales, sueños y recuerdos. El objetivo no es simplemente hacer volar tus cometas, sino construirla de la A a la Z y además poder transformarla en pocos minutos.

Guiados por geometrías básicas pero igualmente complejas, estos aerodinos son 100% personalizables, lo que los convierte en su primera cualidad.
De hecho, todos los proyectos, colaboraciones o encargos en los que he trabajado han visto la luz gracias a este sistema. Ya he trabajado para Louis Vuitton, Hermès, Le Coq Sportif y Burberry. Este juego de construcción me permite trabajar con diferentes estructuras como escuelas, marcas y festivales. Las cometas son objetos infantiles en serio, varios diseñadores o arquitectos reconocidos se han apasionado por estos objetos milenarios, como la pareja Charles y Ray Eames.

Únete a nosotros en un curso de inmersión de una semana a medida para diseñadores, en el que exploraremos la integración de la IA en el proceso creativo. Este programa profesional ofrece una experiencia práctica con las últimas herramientas de IA, lo que le permite innovar y elevar tu trabajo de diseño. Perfecto para aquellos que buscan mantenerse a la vanguardia en el siempre cambiante mundo del diseño, nuestro curso es una mezcla de habilidades prácticas y conocimientos de vanguardia. Porque todo el mundo tiene miedo de perder su trabajo a manos de la IA.

Conoce al dúo dinámico Thinh Truong (Artificial) y Vero Gryshchuk (Inteligencia) en el mundo del diseño y la educación en IA. Vero, licenciada en diseño gráfico por Elisava y aficionada al diseño especulativo. Thinh Truong, diseñador multidisciplinar juguetón y perspicaz, graduado en Motion Graphics por el IED Barcelona. Juntos, sus destinos se cruzaron en Domestic Data Streamers, donde iniciaron el viaje de la IA profundizando en la investigación de la IA y su aplicación en la industria creativa.

No son sólo profesores, sino buscadores de diversión, mezclando su experiencia en diseño con la IA generativa. ¿Sus clases? Un viaje creativo en la apasionante encrucijada del diseño y el estímulo experimental.

Los fundadores de BIG-GAME eligieron estudiar diseño porque querían crear objetos que formaran parte de la vida cotidiana de la gente. Casi 20 años después de fundar el estudio, transformar una idea en un producto sigue siendo la parte más emocionante de su trabajo. El diseño no es una ciencia exacta, no existe lo correcto o lo incorrecto. Hay muchas maneras de pasar de una idea a un producto acabado. A veces se inspiran en lugares insólitos y utilizan sus propios métodos para crear modelos y prototipos.

Augustin Scott de Martinville, Grégoire Jeanmonod y Elric Petit son BIG-GAME. El estudio describe su trabajo como sencillo, funcional y optimista. Realiza diversos productos y accesorios para empresas como Alessi, Hay, Karimoku New Standard, Muji, Magis o Muuto. El trabajo de BIG-GAME suele ser accesible, encantador y, sobre todo, útil.

El estudio ha recibido numerosos premios, como el Swiss Design Award, el iF design award, el Wallpaper Design Award, el Good Design Award, el Hublot Design Award y el Design Preis Schweiz. Las obras de BIG-GAME forman parte de las colecciones del Museum fur Gestaltung, el Vitra Design Museum, el Centre Georges Pompidou y el MoMA. El estudio tiene su sede en Lausana (Suiza). Además de dedicarse al diseño, los tres fundadores de BIG-GAME son profesores en la ECAL / Universidad de Artes y Diseño de Lausana.

Restricciones positivas y negativas en el diseño gráfico.

¿Cuándo las restricciones en el diseño ayudan a la creatividad y cuándo nos obligan a encontrar nuevas soluciones? Bajo el prisma de esta pregunta, cada componente de un diseño se revisará durante esta conferencia y se analizará desde diferentes ángulos (sistema de cuadrícula, bloque de texto, tipo de letra y materialidad).

Nacida en 1990 en la parte francófona de Suiza, Giliane Cachin es una diseñadora gráfica independiente con sede en Zúrich. Después de graduarse de ECAL en 2014, trabajó para el estudio NORM, así como para la fundición Lineto y su fundador Cornel Windlin. Hoy en día, además de dirigir su propio estudio, enseña diseño editorial en ECAL y tipografía en ZHdK, junto con David Keshavjee y Marietta Eugster.

Cuando era niña, Giliane Cachin acompañó a su padre ingeniero a las ferias de la industria de la impresión y estaba fascinada por todo tipo de visualización de datos, como dibujos técnicos, tablas de información, pruebas de impresión en color, etc. Hoy en día, en su práctica, le gusta trabajar en torno a la densidad de la información y la implementación de sistemas de cuadrícula para hacer que el contenido sea claro y accesible, mientras deja que los datos disponibles guíen sus diseños.