Designing for the living web

¿Y si la web no fuera un lugar para el que diseñamos, sino un medio con el que diseñamos?
Un espacio que escucha, responde, recuerda y, en ocasiones, se desvía del guion.
¿Qué ocurre cuando las experiencias digitales transmiten presencia e intención? ¿Cuando la identidad cambia en tiempo real? ¿Y cómo puede eso cambiar la forma en que percibimos una marca hoy en día?
Esta charla ofrece un momento para hacer una pausa, un recordatorio de que la web no es estática, sino viva, inquieta y abierta a infinitas posibilidades.

Delphine Volkaert es diseñadora digital sénior en Base Design Brussels. Tras graduarse en La Cambre y ampliar sus perspectivas gracias a un intercambio en la EINA de Barcelona, ha dedicado diez años a explorar cómo se comportan y evolucionan las marcas en Internet. Su trabajo comienza con ideas conceptuales claras que desarrolla hasta convertirlas en sistemas digitales dinámicos y receptivos. Le motiva la apertura del ámbito digital, un espacio en el que la identidad puede cambiar constantemente, reinventarse y traspasar las formas fijas.

Base Design es una red internacional de estudios creativos. Una empresa de culturas que trabaja en Bruselas, Nueva York, Ginebra, Melbourne, Saigón y nuestro estudio Digital.
Somos independientes por naturaleza y estamos conectados por elección. Cada estudio está arraigado en su propia ciudad y cultura, pero unidos por una curiosidad, un oficio y unos valores compartidos. Juntos trabajamos en estrategia, diseño y tecnología para crear ideas que se mueven con el mundo: claras, significativas y construidas para perdurar.
Fundada a principios de los años 90, Base sigue evolucionando a través de la colaboración. Hoy en día, el grupo está dirigido por socios de todos los estudios, dando forma a un modelo que crece a través de la diferencia en lugar de la duplicación.

Estamos siendo testigos de una nueva forma de consumir información, ya que los medios digitales actuales se presentan como el nuevo contenedor de información. Si lo analizamos desde el punto de vista del diseño gráfico, podríamos decir que nos encontramos ante nuevas formas de comunicación.
En este taller estudiaremos las posibilidades que ofrecen estos nuevos medios y aprenderemos a adaptar lo que queremos comunicar a través de un formato óptimo para los medios digitales.

Los sistemas gráficos animados consisten en desarrollar el comportamiento audiovisual de una marca a través de un concepto creativo que utiliza el movimiento como eje principal de comunicación.

Desarrollaremos un sistema gráfico animado que refleje los valores que hay detrás de una marca y los desarrollaremos en la comunicación de medios digitales.

David Galar es diseñador gráfico especializado en motion design. Graduado en Diseño gráfico y postgrado en Motion graphics por Idep Barcelona y Diplomado en Marketing y gestión comercial por ESIC y Skema Bussines School. Trabajó en el estudio Mucho donde desarrolló, principalmente, proyectos de identidad. De 2015 a 2018 trabajó como freelance, en 2019 fundó el estudio Gimmewings y posteriormente, en 2022 funda el estudio de Motion Design Thru.

En esta primera sesión trataremos de averiguar qué es lo que hace que un libro esté bien diseñado y cuáles son los factores que determinan la excelencia del diseño editorial. Veremos ejemplos recientes de publicaciones premiadas en los certámenes Most Beautiful Swiss Books, Best Book Design From All Over The World y los Premios LAUS. Hojeando los libros podremos sentir su presencia material y examinar los elementos que lo conforman: encuadernación, papel, composición, tipografía y la adecuación entre la forma y el contenido. Además, a través del veredicto de estos prestigiosos galardones concedidos por especialistas, podremos analizar las tendencias del diseño editorial actual. Cada estudiante podrá manifestar su opinión al respecto y elegir sus propios favoritos en función de su propia sensibilidad.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Unbound

De julio a octubre de 2025, el Museo Stedelijk rindió homenaje al icono del diseño holandés Karel Martens con una retrospectiva completa comisariada por Thomas Castro. Karel y Thomas «hojearán» las 200 páginas de las obras de Martens e invitarán al público a participar en una animada conversación con anécdotas, reflexiones y ejemplos únicos de obras, sistemas y bocetos de su archivo personal. Desde sellos y libros hasta monotipos, señalización arquitectónica y experimentos digitales, esta es una oportunidad única para profundizar en la obra de una de las voces más influyentes del diseño gráfico.

Karel Martens (1939) es un diseñador gráfico y educador holandés. Estudió en la Academia de Arte y Diseño de Arnhem, donde se graduó en 1961. De 1977 a 2020, impartió clases a nivel internacional en ArtEZ, la Jan van Eyck Academie y la Universidad de Yale, y cofundó Werkplaats Typografie en 1998. Martens diseñó la galardonada revista OASE de 1990 a 2021. Su obra forma parte de colecciones como las del SFMOMA y el Instituto de Arte de Chicago, y se ha expuesto en exposiciones individuales en P! (Nueva York), Kunstverein München, 019 (Gante) y Platform-L (Seúl). Recibió el premio BNO Piet Zwart en 2023.

Además de los trabajos por encargo, Martens ha desarrollado de forma constante una práctica autónoma, sobre todo a través de sus monotipos, que comenzó en la década de 1960. Desde la década de 1990, ha utilizado fichas de archivo del Stedelijk Museum Amsterdam, imprimiendo objetos encontrados en ellas para crear composiciones que integran imágenes impresas con texto de archivo existente. Conocido por su enfoque experimental de la tipografía, las cuadrículas, el color y la impresión, su obra se mueve con fluidez entre libros, sellos, monotipos, señalización y sistemas digitales.

Thomas Castro (1967) es diseñador gráfico, educador y comisario, y desde 2019 es comisario de diseño gráfico en el Stedelijk Museum Amsterdam. Allí puso en marcha el circuito público de carteles Post/No/Bills, comisarió la exposición Karel Martens: Unbound y editó el libro recopilatorio Stedelijk Museum Posters by Color. Anteriormente, cofundó el estudio multidisciplinar LUST y LUSTlab en 1996, que fue galardonado con el premio BNO Piet Zwart en 2017 por su obra de dos décadas. Su práctica conecta la creación, la educación y la curaduría, con un enfoque en la expansión del canon del diseño gráfico.

Joost Grootens es un diseñador gráfico neerlandés reconocido por su enfoque innovador en el diseño de libros, especialmente en el ámbito de los atlas y las obras de referencia. Su trabajo se caracteriza por la habilidad en presentar información compleja de manera accesible y visualmente atractiva promoviendo la idea de que el diseño debe servir al contenido y no competir con él. Emplea infografías, gráficos y mapas para simplificar y organizar grandes cantidades de datos dirigidos sobre todo a un público científico y académico al que proporciona una navegación visual intuitiva que permite explorar el libro de manera no lineal. Veremos varios ejemplos de su obra que demuestran que este tipo de libros pueden ser funcionales y hermosos a la vez. Grootens sabe encontrar belleza en la información y poesía en los datos.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Creación de narrativas personales mediante IA y sonido

Inspirado en El manifiesto cyborg de Donna Haraway, este taller explora la intersección entre la creatividad humana y la inteligencia artificial a través de la creación musical inclusiva. Los participantes utilizan IA generativa musical para transformar textos personales y letras en canciones completas, sin necesidad de tener experiencia musical. El proceso hace hincapié en la autoexpresión, la identidad y la narración. La experiencia se extiende a la creación visual, ya que los participantes diseñan sencillos carteles animados o vídeos que reflejan los temas, las emociones y las palabras clave de sus canciones generadas por IA.

Tereza Ruller (ella) se identifica como madre, diseñadora de comunicación y educadora. Su estudio, The Rodina, explora las posibilidades espaciales e interactivas de los entornos virtuales e híbridos como espacios para nuevos pensamientos y estéticas que surgen de la intersección entre la cultura y la tecnología.

A través de su práctica independiente y su investigación doctoral en la Universidad de Leiden, examina enfoques performativos y críticos del diseño de comunicación, haciendo hincapié en el carácter lúdico, la participación y la relacionalidad. Al abordar las crisis ecológicas y sociales, busca desarrollar cambios colectivos de perspectiva.

Ruller es profesora de Diseño de Comunicación Digital en la HfG Karlsruhe y tutora de Narrativas Críticas en la Academia de Diseño de Eindhoven, donde fomenta prácticas de diseño contemporáneo que estimulan el pensamiento a través de la creación y exploran formas de interactuar con la tecnología, la sociedad y el medio ambient

An exploration of creative processes & custom workflows using visual algorithms

El taller presenta el enfoque experimental de Hamill Industries hacia la creación visual, que va más allá de las herramientas puramente digitales para adentrarse en los dispositivos de fabricación propia, los efectos prácticos y la experimentación manual. A partir de materiales cotidianos, la observación de la naturaleza y el diálogo entre las tecnologías analógicas y digitales, su práctica abarca diversas herramientas, como consolas de los años 80, osciloscopios, pigmentos, luz e inteligencia artificial. A través de estudios de casos y documentación entre bastidores, el seminario revela una metodología abierta, basada en el ensayo y el error, arraigada en una mentalidad artesanal y centrada en la creación de herramientas y procesos personalizados.

Con un fuerte énfasis en los trabajos recientes basados en la IA, el seminario invita a los participantes a tratar la IA generativa como un motor creativo flexible en lugar de como una caja negra. Utilizando plataformas de código abierto como ComfyUI y conjuntos de datos de construcción propia, los participantes exploran la creación de un «atlas visual de cuerpos imposibles», buscando la belleza en el error y la desviación de la estética estándar. El objetivo es fomentar la agencia creativa, el aprendizaje DIY y la exploración estética personal en la intersección entre lo real y lo algorítmico.

Hamill Industries (el dúo artístico formado por Pablo Barquin y Anna Diaz) crea películas, instalaciones y producciones teatrales. Inspirándose en el mundo físico, no solo reimaginan la esfera virtual, sino también la realidad. A caballo entre inventores e ilusionistas, sus proyectos son siempre obras muy sensoriales, independientemente del medio final. Su trabajo explora lo visual ampliado, comprometido con cuestionar y difuminar los límites entre lo digital y lo tangible. La flexibilidad transmedia se ve facilitada por una amplia investigación en talleres, en los que se desarrollan herramientas de última generación. Su visión pionera en torno al uso de la tecnología se ha ganado la confianza de colaboradores e instituciones, entre los que se encuentran el Ballet de San Francisco (con Tamara Rojo), Floating Points, el CCCB o Caixaforum, entre muchos otros.

How to Build Small-scale Autonomous Power Systems
Este taller introduce a los alumnos al diseño y la construcción de sistemas de energía renovable autónomos a pequeña escala y los dispositivos que funcionan con ellos. Se centra en habilidades prácticas como la construcción de instalaciones de energía solar, la creación de aparatos de calefacción alimentados por energía solar y la modificación de productos comerciales para que funcionen con electricidad solar de bajo voltaje. Un principio clave es evitar las baterías, que suelen ser la parte menos sostenible de los sistemas energéticos, mediante el diseño de aparatos y configuraciones eléctricas que puedan funcionar directamente con la energía solar variable.

Más allá de las habilidades técnicas, el taller promueve un enfoque ascendente para el diseño de energías renovables. En lugar de ampliar los sistemas renovables para apoyar estilos de vida basados en combustibles fósiles y con un alto consumo energético, los estudiantes aprenden a ajustar la demanda energética a las fuentes de energía disponibles localmente y de carácter intermitente. Esta mentalidad hace hincapié en el diseño dentro de unos límites y aborda cuestiones más amplias, como el cambio climático, la resiliencia y la seguridad energéticas, el consumismo, los residuos electrónicos, el derecho a la reparación y las prácticas de diseño circulares y sostenibles.

Kris De Decker es el autor de Low-tech Magazine, que cuestiona la idea de que todos los problemas requieren una solución de alta tecnología. Desde 2018, la revista funciona con un servidor alimentado por energía solar y se imprime desde 2019. Ha publicado investigaciones sobre la demanda de energía en la Universidad de Lancaster y es cofundador de Human Power Plant, que explora el uso de la energía humana. Desde 2016, colabora en el diseño de objetos inspirados en el pasado para orientar la tecnología hacia direcciones más sostenibles.

Irma Boom es una de las diseñadoras de libros más influyentes en el ámbito contemporáneo, conocida por su enfoque innovador y experimental en el diseño editorial. Boom desafía las convenciones y obliga al lector a interactuar con el libro de una manera diferente, reconsiderando su función y estructura. La diseñadora colabora estrechamente con los autores y editores de los libros que diseña influyendo no solo en la estética sino también en la narrativa visual y el contenido. Su obra ha supuesto una revalorización del libro como objeto físico, una experiencia imbatible respecto a los libros electrónicos. Veremos algunos de sus libros más importantes, como el dedicado a la artista textil Sheila Hicks, el libro invisible sobre Chanel o los diminutos catálogos consagrados a su propia obra.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.

Exploraremos tres revistas que fueron pioneras de una nueva forma de entender el diseño editorial: Colors (1991-1995), Nest (1997-2004) y Dot, dot, dot (2000-2010). Estas publicaciones supusieron un enfoque innovador tanto en el concepto como en el estilo. Colors, diseñada por Tibor Kalman, desafió los convencionalismos de la estrategia corporativa con una mezcla provocadora de imágenes y texto. Nest, editada y diseñada por Joseph Holtzman, aportó una visión irónica y sofisticada que cuestionó la noción de buen gusto imperante en las revistas de decoración al uso. Dot, dot, dot fue una peculiar revista sobre grafismo y cultura visual fundada por Peter Bilak que contribuyó a enriquecer el discurso en torno al diseño gráfico, demostrando que estaba profundamente conectado con otras disciplinas y aspectos del ámbito cultural.

En las sesiones de Bookworm exploraremos revistas y libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. El material procede de las colecciones de la biblioteca de Elisava, especialmente de su Fondo de Reserva en el cual se conservan publicaciones que, por su diseño, constituyen un recorrido por lo mejor del pasado y del presente del grafismo moderno aplicado al ámbito del diseño editorial.

Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Situaremos las publicaciones en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial de los siglos XX y XXI. El contacto directo con los libros y las revistas que veremos en cada sesión nos permitirá experimentar el documento impreso desde un punto de vista material: encuadernación, papel, composición, ilustraciones, tipografía. Así mismo, podremos valorar la adecuación entre la forma y el contenido.