Los eventos son parte integrante de los programas de máster: desde workshops con profesores invitados hasta ciclos de conferencias con profesionales relevantes.
Mié, 8 abr, 2026
Graphic — Elisava lectures
19.30 h — Sala Aleix Carrió
Abierto al público
Bart de Baets
Paperclips
Paperclips
En su conferencia, el diseñador gráfico Bart de Baets mostrará una gran variedad de trabajos y explicará con más detalle cómo encuentran su forma y cómo se materializan finalmente. Aunque Bart dedica la mayor parte de su tiempo a trabajar en su estudio de Ámsterdam, también compagina esta actividad con un puesto de profesor a tiempo parcial en la Real Academia de La Haya, donde trabaja con los alumnos de primer año y con los que están a punto de graduarse. Su forma de enseñar y de preparar sus tareas se inspira en la transformación de las observaciones cotidianas (a veces obsesiones) en ejercicios educativos. Se anima a los estudiantes a pensar en ejecuciones formales que evoquen soluciones cercanas a la propia práctica de Bart, visualizando habilidades y voz editorial.
Aunque hoy en día aparece con menos frecuencia, la obra de Bart es conocida por incluir publicaciones de iniciativa propia, como Success and Uncertainty (junto con Sandra Kassenaar), Dark and Stormy (junto con Rustan Söderling) y Tabrat, un fanzine de 2022 en el que De Baets confiesa ser un acaparador de pestañas (solo en el teléfono, las pestañas del navegador de su ordenador portátil se abren brevemente y se cierran de nuevo con eficiencia) y las comparte aquí con nosotros en una encantadora publicación en formato A4. Sus habilidades editoriales no han caído en el olvido, y se demuestran con frecuencia en sus trabajos colaborativos para la tienda de libros de arte Page Not Found y el espacio expositivo Nest (ambos situados en la ciudad de La Haya). La charla en Elisava destacará todas estas obras, y muchas más, y ofrecerá una visión de la evolución de estos diseños mediante bocetos, referencias y numerosas fuentes de inspiración.
El diseñador gráfico Bart de Baets (1979, Knokke, Bélgica) reside en Ámsterdam. Su diseño para el programa de máster temporal del Instituto Sandberg, The Radical Cut Up, fue nominado para un Dutch Design Award. Como resultado, PostNL encargó a De Baets el diseño de una serie de sellos titulada «Talk to the Hand». Junto con Sandra Kassenaar, diseñó la exposición, la campaña y el catálogo de «Circulate», una exposición sobre adquisiciones de arte fotográfico en el Stedelijk Museum Amsterdam. Ambos también diseñan la identidad gráfica del Kunstmuseum Bochum. Diseñó «On the Necessity of Gardening: An ABC of Art, Botany and Cultivation» (2021), que se publicó paralelamente a «The Botanical Revolution», una exposición en el Centraal Museum de Utrecht. Ese año, la Stiftung Buchkunst otorgó al libro el máximo galardón en la categoría de Mejor Diseño de Libro de todo el mundo. En mayo de 2025 se publicó un segundo título de la serie, Mothering Myths, an ABC of Art, Birth and Care, para el que volvió a colaborar con las editoras Laurie Cluitmans y Heske ten Cate. Es profesor a tiempo parcial en el departamento de Diseño Gráfico de la Real Academia de Arte de La Haya y ha impartido clases en la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam durante quince años.
Formado por el famoso colaborador Will Holder, los pensadores tipográficos radicales de Experimental Jetset y creadores conceptuales como Linda van Deursen, Bart de Baets comenzó a pensar como un editor desde el principio de sus estudios de diseño gráfico, creando fanzines con y para sus compañeros, o redactando textos pegadizos para acompañar sus carteles y proyectos. Sus habilidades de diseño se nutrieron enormemente cuando trabajó con Maureen Mooren y Daniel van der Velden (ahora Metahaven), cuyo interés por el arte le inspiró. Para ellos, eso siempre parecía ser lo primero, y luego venía el diseño. Para las páginas de Archis (una revista de arquitectura, ahora Volume), se utilizaron los diseños de publicaciones periódicas existentes para dar forma al contenido de la revista, y a Bart le enseñaron a estudiar sus características, por lo que se convirtió en un excelente imitador.
A lo largo de los años, la obra de De Baets ha evolucionado enormemente, sobre todo gracias a algunas colaboraciones significativas. Algunas de las primeras colaboraciones memorables fueron las realizadas con Melanie Bonajo y Frank Koolen, dos artistas (entonces) afincados en Ámsterdam, no mucho mayores que él, cuya práctica le inspiró una idea sobre la que trabajar juntos y que, en cierto modo, dio inicio a la carrera de De Baets. Personas como Rustan Söderling y Sandra Kassenaar tienen una influencia similar y siguen siendo socios de diseño cruciales; ambos son buenos amigos hasta el día de hoy. Su influencia en algunas obras propias, como Dark and Stormy y Success and Uncertainty, es esencial para el enfoque de diseño y el lenguaje visual actuales de De Baets. Kassenaar y De Baets comparten hoy en día un estudio y trabajan juntos como diseñadores de forma habitual.
Sus diseños están muy arraigados en una especie de pensamiento conceptual, y su capacidad para pensar de forma editorial junto con los comisionados ha dotado a la obra de Bart de un carácter franco. Su trabajo es claramente lúdico y aparentemente intuitivo, dando la impresión de que los diseños podrían realizarse rápidamente o a mano. Sin embargo, cada uno de los diseños es una composición cuidadosamente elaborada según una serie de directrices y, a menudo, utiliza tipografía o elementos visuales que hacen referencia a cosas «encontradas» en la calle. Durante años, Bart ha sido profesor de diseño gráfico, trabajando a menudo con estudiantes de primer año y introduciéndolos en la profesión. Rodeado de otros diseñadores, programadores expertos, dibujantes de letras y magos del color, su enseñanza anima a explorar cómo es crear arte y diseño en el entorno actual, mostrando sus propias fascinaciones.
Mié, 27 may, 2026
Masters’ Talks
19:30 h — Evento en el DHub
Abierto al público
Jonas Janke, b+
Love me one time, two times … x times !
Love me one time, two times … x times !
La conferencia no es una muestra convencional de proyectos seleccionados de nuestra práctica diaria, sino que pretende ofrecer una visión más amplia de la red de actores en la que opera b+ (bplus.xyz), cómo entendemos la forma contemporánea de ejercer la arquitectura y el alcance del trabajo de un arquitecto, y cómo abordamos nuestros proyectos; en resumen: quién es b+ y cómo trabajamos, cuáles son nuestros valores y cuál es nuestra concepción de nuestros deberes y responsabilidades como arquitectos.
Jonas Janke (Alemania, 1991) es arquitecto y socio de bplus.xyz (Berlín). Cuenta con una amplia experiencia en arquitectura y se formó como delineante arquitectónico antes de cursar sus estudios en Hamburgo, Estocolmo y Berlín. Adquirió una valiosa experiencia como tutor y asistente en diversos departamentos, entre ellos diseño y tipologías, construcción de edificios y diseño estructural. Formó parte del equipo 2038, el pabellón alemán en la 17ª Bienal de Arquitectura de Venecia 2021.
Sus primeras experiencias docentes incluyen estudios invitados en la Universidad de Innsbruck (Austria) y el Politecnico di Milano (Italia). Es invitado regularmente a dar conferencias y críticas invitadas en universidades, instituciones culturales e instituciones públicas. Se centra en los nuevos materiales y métodos de construcción ecológicos para proyectos de reutilización adaptativa y renovación, buscando soluciones técnicas y mecánicas pragmáticas y eficientes que utilicen los materiales y la construcción de forma reflexiva.
bplus.xyz (b+) es un estudio de arquitectura colaborativo (dirigido por Arno Brandlhuber, Olaf Grawert, Jonas Janke y Roberta Jurčić) que opera en la intersección entre la teoría y la práctica, utilizando diferentes medios y formatos. El estudio busca abordar los retos contemporáneos de nuestro tiempo, en particular los relacionados con la transformación socioecológica de los edificios existentes, ofreciendo soluciones económicamente viables.
b+ entiende la arquitectura como un proceso abierto y considera los edificios como parte de sistemas más amplios que requieren un enfoque sistémico. El estudio ve el marco dado de los edificios existentes y la legislación como una herramienta de diseño activa con potencial de transformación. Así, b+ celebra el potencial del entorno construido existente y pretende revelar y activar los potenciales latentes que hay en él.
b+ hace hincapié en el trabajo con diferentes actores y partes interesadas en el desarrollo de proyectos. El estudio valora sus conocimientos y experiencia y tiene como objetivo crear espacios para el intercambio y la colaboración. b+ busca promover un nuevo sistema de valores en la arquitectura, que haga mayor hincapié en la responsabilidad colectiva, el pensamiento sistémico y las soluciones ecológicas y económicamente viables.
El proyecto actual en el ámbito del activismo político es la iniciativa ciudadana europea HouseEurope! – HouseEurope! quiere crear incentivos que hagan de la renovación la nueva norma. Esto impulsará el mercado de la renovación y dará un nuevo valor a lo que ya existe. El objetivo es preservar los hogares y las comunidades, garantizar una industria de la construcción más justa y local, ahorrar energía y recursos, y preservar nuestros recuerdos e historias.
eventos pasados
Martes,
16 de mayo, 2023
16 h
Guido de Boer & Ivo Brouwer, High on Type
graphic.elisava lectures
Collective Playground
High on Type es un colectivo de cinco calígrafos, artistas y/o diseñadores. La escritura es la base de todo lo que hacen. Organizan un festival, hacen una residencia, crean una exposición o dan una conferencia. En esta conferencia, que impartirán Ivo y Guido, mostrarán por qué es tan importante seguir jugando en un proceso de creación, utilizando principalmente dos grandes proyectos recientes.
Guido de Boer, nacido en 1988, es un artista visual independiente con formación como diseñador. Su obra consiste en imágenes que se pueden leer y textos que se pueden experimentar visualmente. Su obra es grande, monumental y hecha a mano, por lo que es expresiva, pero también gráfica. Además de su práctica artística, Guido es profesor en la Real Academia de Arte de La Haya.
Ivo Brouwer, nacido en 1992, es un artista tipográfico y gráfico afincado en La Haya. Su obra se compone de patrones tipográficos y gráficos experimentales realizados mediante la traslación de métodos táctiles a entornos digitales y viceversa. Tiene un máster en diseño tipográfico por la Real Academia de Artes de La Haya KABK. En 2022, recibió un fondo para el desarrollo de talentos del Creative Industries Fund NL.
Miércoles,
12 de abril, 2023
Libros de Irma Boom
Bookworm 4
Libros de Irma Boom
Solo para estudiantes del MDE
En la última sesión veremos una selección de libros diseñados por Irma Boom, una de las grafistas más reconocidas del momento. Podremos hacer un recorrido desde sus primeros diseños en la década de 1980 hasta ejemplos recientes tomando como hilo conductor la tercera edición del catálogo retrospectivo en miniatura que ella misma se ocupa de actualizar periódicamente.
La obra de Irma Boom es un homenaje a la historia y a la actualidad del libro, una celebración de su poderosa presencia como objeto y un testimonio de su pervivencia en tiempos de publicaciones electrónicas.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.
Miércoles,
12 de abril, 2023
19:30 h
Lev Manovich
Masters’ Talks
One billion Rembrandts?
Inside Visual AI Revolution
Evento en el COA, Plaça Nova 5
Reserva tu plaza aquí (pronto)
En un artículo sobre el uso de herramientas de síntesis de imágenes de IA, FT lo calificó como «un momento crucial en la historia del arte». (10/27/2022). WSJ comparó su llegada con otra gran revolución tecnológica en el arte: la adopción de la fotografía en el siglo XIX (19/8/2022). El NYT escribió que «los generadores de imágenes basados en IA, como DALL-E 2, Midjourney y Stable Diffusion, han hecho posible que cualquiera pueda crear imágenes únicas e hiperrealistas con sólo teclear unas palabras en un cuadro de texto.» (10/21/2022)
¿Estamos viviendo realmente una gran revolución en la cultura visual? ¿Es cierto que «cualquiera» puede crear imágenes «únicas» utilizando esta tecnología? En mi charla evaluaré críticamente algunas de las afirmaciones que se hacen sobre la síntesis de imágenes con IA, y sugeriré formas alternativas de entenderla. La charla se basa en el último capítulo del libro «Artificial Aesthetics: a Critical Guide to AI, Design and Media» (Manovich y Arielli, 2021-) que se publica en línea en manovich.net
Lev Manovich es el autor más citado del mundo en los campos de la cultura digital, el arte digital y los nuevos medios; uno de los tres más citados en teoría de los medios y humanidades digitales. Fue incluido en la lista de «25 personas que moldean el futuro del diseño» y en la de «50 personas más interesantes que construyen el futuro». Profesor Presidencial en The Graduate Center, CUNY, y Director del Cultural Analytics Lab. Autor de The Language of New Media, descrito como «la historia de los medios más sugerente y de mayor alcance desde Marshall McLuhan».
Miércoles,
22 de marzo, 2023
19:30 h
Jesper Kouthoofd, Teenage Engineering
Masters’ Talks
Work and life at Teenage Engineering
Evento en el COA, Plaça Nova 5
Reserva tu plaza aquí (pronto)
Teenage Engineering está desarrollando el futuro alternativo de la electrónica de consumo, cada invento diseñado para durar. Desde la reimaginación de la creación musical con el icónico sintetizador portátil OP-1 y el crecimiento de la población de sintetizadores con la asequible serie pocket operator, hasta el replanteamiento de la escucha con el altavoz ortodireccional OD-11 y la radio mágica OB-4, han aplicado su mentalidad característica a un nuevo legado de tecnologías perdurables.
Sus creaciones han atraído colaboraciones con conocidos artistas y marcas, que comparten su visión de integrar la creatividad en lo cotidiano. Teenage Engineering se fundó en 2007 y tiene su sede en Estocolmo (Suecia).
Jesper Kouthoofd es jefe de diseño, fundador y CEO de teenage engineering. Su trabajo personal ha sido reconocido en revistas como New York Times, Vanity Fair, GQ, Vogue, Wall Street Journal, Wallpaper, Wired, Popular Mechanics, G3 y muchas más en todo el mundo. Junto con sus 40 ingenieros de teenage engineering ha lanzado productos como el ya legendario sintetizador OP-1, operadores de bolsillo y ha rediseñado el clásico OD-11 (de Stig Carlsson). Cree en la creación de productos para todos, sin importar dónde vivas o qué idioma hables.
20 → 25 de marzo, 2023
Cyrus Highsmith, Occupant fonts
Workshop
Thinking with your hands
Las letras pueden dibujarse de muchas maneras diferentes. El enfoque de Cyrus Highsmith se basa en gran medida en la importancia del espacio en blanco y la sensibilidad a las formas. Es un método que aplica tanto al diseño tipográfico como a la creación de imágenes de todo tipo. Para Highsmith, es una forma de ver el mundo. Este taller será una exploración desordenada, práctica y sin ordenador del dibujo, la creación y la reflexión sobre las letras.
El objetivo de este taller es pasar una semana memorable dibujando letras y haciendo arte.
Cada día habrá una serie de demostraciones y conversaciones con mucho tiempo entre ellas para trabajar de forma independiente. Experimentaremos y jugaremos con diferentes formas de dibujar y pensar sobre las letras. Las técnicas pueden incluir plantillas, impresión de baja tecnología, collage y pintura. Los participantes deben estar dispuestos a vivir nuevas experiencias, experimentar, jugar y fracasar.
Cyrus Highsmith es un dibujante de letras, profesor, autor y artista gráfico. Enseña diseño tipográfico en la Rhode Island School of Design (RISD). Escribió e ilustró la aclamada guía Inside Paragraphs: Typographic Fundamentals. En 2015, recibió el Premio Gerrit Noordzij por sus extraordinarias contribuciones en los campos del diseño tipográfico, la tipografía y la educación tipográfica. En 2017, se convirtió en Director Creativo de Desarrollo de Tipos Latinos en Morisawa USA. Se acuesta muy temprano.
Miércoles,
8 de marzo, 2023
Libros de Joost Grootens
Bookworm 3
Libros de Joost Grootens
Solo para estudiantes del MDE
En esta sesión nos centraremos en la figura de Joost Grootens, un grafista holandés especializado en el diseño de libros sobre arquitectura, urbanismo y arte. Su trabajo se caracteriza por el manejo de gran cantidad de información en forma de datos estadísticos, mapas y diagramas. Su habilidad para la visualización de datos lo ha convertido en un referente en el ámbito de la comunicación visual.
Tomando como punto de partida un libro retrospectivo de su propia obra titulado «I swear I use no art at all» podremos conocer su filosofía de diseño y algunos ejemplos notables de su producción editorial.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.
Miércoles,
8 de marzo, 2023
19:30 h
Tim Rodenbröker, trcc
graphic.elisava lectures
Creative Coding as a School of Thought
Nuestro mundo está cambiando a un ritmo vertiginoso. El progreso tecnológico conduce continuamente a transformaciones significativas. Ya es hora de que nosotros, como diseñadores, nos comprometamos de forma valiente y crítica con las tecnologías que conforman nuestra vida cotidiana. Para ello es necesario que nos involucremos consecuentemente con las estructuras ocultas que se esconden tras las superficies visibles. Un método que lo hace posible se llama Programación Creativa.
Tim Rodenbröker es diseñador, emprendedor y creador de comunidades. Después de varios años dirigiendo su propio estudio y enseñando en varias universidades internacionales, fundó su propia plataforma de aprendizaje, alrededor de 2019, que ahora dirige a tiempo completo. Como tecnólogo creativo, ha trabajado para clientes como nytimes.com, IBM, CCCB, ZKM Karlsruhe, Slate+Ash, Holo Magazine, DEMO Festival y Springer Science and Business Media.
trcc (tim rodenbröker creative coding) es una plataforma internacional de aprendizaje en línea con una comunidad asociada para la codificación creativa en el ámbito del diseño gráfico. Con unos 800 estudiantes activos de todo el mundo y una amplia red de expertos de universidades y agencias, festivales y conferencias, la plataforma, financiada por Patreon, es una institución de renombre mundial en el panorama actual de la enseñanza de la codificación creativa.
Miércoles
22 de febrero, 2023
19:30 h
Amical Dall, Assemble
Masters’ Talks
The Work of Repair
Evento en el COA, Plaça Nova 5
Reserva tu plaza aquí (pronto)
Amica reflexionará sobre cómo las prácticas arquitectónicas y creativas pueden alejarse de la invención y la innovación para acercarse al paciente y lento trabajo de reparación, y considerar el trabajo que se basa en la adopción de compromisos personales o éticos a largo plazo con los lugares, las situaciones y los contextos sociales. La autora abordará algunos de los primeros trabajos de Assemble, antes de hablar de un conjunto de proyectos que reorientaron su actitud y la del estudio hacia la ciudad y el campo, la ética material y la justicia intergeneracional.
Amica Dall es una profesional interdisciplinar centrada en la arquitectura y la cultura de la ciudad y el derecho de los niños a la ciudad. Es miembro fundador de Assemble, donde ha realizado más de 15 grandes proyectos a lo largo de diez años. Su trabajo como escritora y cineasta ha sido emitido por la BBC, expuesto en la Bienal de Venecia y publicado en E-Flux, entre otros muchos. Recientemente ha coescrito un libro sobre el futuro post-carbono de la arquitectura en el Reino Unido con el estudio de arquitectura Material Cultures, publicado por Mack Books.
Assemble es un colectivo multidisciplinar que trabaja en arquitectura, diseño y arte. Fundado en 2010 para llevar a cabo un único proyecto de autoconstrucción, han realizado desde entonces un conjunto de obras diversas y premiadas, manteniendo un método de trabajo democrático y cooperativo que permite realizar trabajos de construcción, sociales y de investigación a distintas escalas. Galardonados con el Premio Turner en 2016, y nominados en 2022 a la Royal Academy en reconocimiento a su contribución colectiva a la cultura de la creación de ciudades.
Miércoles,
8 de febrero, 2023
19:30 h
Peter Biľak, Typotheque
graphic.elisava lectures
Giving voice to People
Giving voice to People
Peter hablará de las razones para diseñar tipos hoy en día, desde la búsqueda de nuevas posibilidades dentro de la escritura latina, pasando por el uso de la investigación cognitiva para alimentar el proyecto de diseño, hasta el diseño de tipos para lenguas minoritarias.
Peter Biľak trabaja en el campo del diseño editorial, gráfico y tipográfico. En 1999 puso en marcha la fundición tipográfica Typotheque, en 2000 cofundó junto a Stuart Bailey la revista de arte y diseño Dot Dot Dot, en 2012 puso en marcha Works That Work, una revista de creatividad inesperada, en 2015 cofundó junto a Andrej Krátky Fontstand.com, una plataforma de alquiler de fuentes. Colabora con el coreógrafo Lukas Timulak en la creación de espectáculos de danza moderna.
Typotheque es una empresa tipográfica que da forma al lenguaje, diseñando para la comunicación en un mundo cada vez más digital y multicultural.
Miércoles,
25 de enero, 2023
Libros contemporáneos
Bookworm 2
Libros premiados
Solo para estudiantes del MDE
En esta segunda sesión nos centraremos en libros contemporáneos, analizando algunos ejemplos que han sido premiados en los últimos años.
¿Qué se considera actualmente un libro bien diseñado?
A través del veredicto del jurado de los premios LAUS y del «Best Book Design From All Over The World» podremos hacer un recorrido por el diseño editorial reciente y detectar cuáles son las tendencias en ese ámbito. Podremos valorar la adecuación entre forma y contenido y explorar el rol del diseñador en el proceso de creación de un libro.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.
Miércoles,
25 de enero, 2023
19:30 h
Luna Maurer, Moniker
Masters’ Talks
Rewind and fastforward
Rewind and fastforward
Luna Maurer explicará la relación de Moniker con la tecnología en los últimos 20 años y su impacto en su práctica. Actualmente, Moniker está desarrollando una nueva visión y perspectiva de la tecnología, provocada por la rápida evolución reciente en este campo. La web pasó de ser una red democratizadora emancipadora a una infraestructura para el gran capital, la pantalla pasó de ser una interfaz de autoedición a una extensión fundamental de nuestra identidad. Luna compartirá sus últimos experimentos.
Luna Maurer es una artista de la interacción y el diseño de medios. Originaria de Stuttgart (Alemania), completó sus estudios en Rietveld Academie y Sandberg Instituut de Ámsterdam. Junto con Roel Wouters, dirige el estudio Moniker, con sede en Ámsterdam. Moniker es conocido por ser el autor del Manifiesto de Diseño Condicional (junto con Edo Paulus y Jonathan Puckey). Luna Maurer ha impartido cursos sobre medios de comunicación en Rietveld Academie, Sandberg Instituut, KABK, HfG de Karlsruhe y Yale University School of Art.
Moniker explora las características de la tecnología y su influencia en nuestra vida cotidiana. Han diseñado numerosos proyectos participativos (online y offline), así como otros proyectos web, películas y actuaciones. Sus clientes van desde instituciones culturales como el Stedelijk Museum de Ámsterdam y la Fondation Beyeler de Basilea hasta clientes más orientados a la tecnología como la Fundación Mozilla, Unity 3D y Google. Han ganado muchos premios, entre ellos un British Music Video Award, un Webby, varios Dutch Design Awards y el Amsterdam Prijs voor de Kunst.
Miércoles,
11 de enero, 2023
19:30 h
Dahyun Hwang, HHHA
graphic.elisava lectures
Between Digital and Analog
dahyunhwang.com
hhha.online
@da_hyonni
@hejhellohalloannyeong
Abierto al público
Dahyun hablará de cómo podemos convertir lo analógico en digital y explorar las posibilidades de la web. Además, ¿cómo podemos crear sitios web emocionantes de formas inesperadas? ¿Y cómo podemos utilizar las herramientas en línea para mejorar la comunicación hoy en día?
Dahyun Hwang es diseñadora gráfica. Estudió Comunicación Visual en la Universidad de Seúl (Corea) y terminó su máster en la Universidad Bauhaus de Weimar (Alemania). Piensa en cómo podemos conectar lo analógico y lo digital. También es co-iniciadora de HHHA, un colectivo de código creativo. Ha participado en la exposición «Post Modern Child», en el MoCA de Busan, y en la exposición «Post IT», en Tokio. Sus obras han aparecido en Monthly Design, It’s Nice That, CA Magazine, etc.
HHHA (Hej Hello Hallo Annyeong) es un colectivo de código creativo en el que creadoras se reúnen para compartir y explorar obras basadas en la web. Dahyun Hwang co-inició HHHA con Naree Shin, y reunieron a otras compañeras de equipo que viven en diversos lugares como Alemania, Dinamarca y Corea.
