Los eventos son parte integrante de los programas de máster: desde workshops con profesores invitados hasta ciclos de conferencias con profesionales relevantes.
Mié, 8 abr, 2026
Graphic — Elisava lectures
19.30 h — Sala Aleix Carrió
Abierto al público
Bart de Baets
Paperclips
Paperclips
En su conferencia, el diseñador gráfico Bart de Baets mostrará una gran variedad de trabajos y explicará con más detalle cómo encuentran su forma y cómo se materializan finalmente. Aunque Bart dedica la mayor parte de su tiempo a trabajar en su estudio de Ámsterdam, también compagina esta actividad con un puesto de profesor a tiempo parcial en la Real Academia de La Haya, donde trabaja con los alumnos de primer año y con los que están a punto de graduarse. Su forma de enseñar y de preparar sus tareas se inspira en la transformación de las observaciones cotidianas (a veces obsesiones) en ejercicios educativos. Se anima a los estudiantes a pensar en ejecuciones formales que evoquen soluciones cercanas a la propia práctica de Bart, visualizando habilidades y voz editorial.
Aunque hoy en día aparece con menos frecuencia, la obra de Bart es conocida por incluir publicaciones de iniciativa propia, como Success and Uncertainty (junto con Sandra Kassenaar), Dark and Stormy (junto con Rustan Söderling) y Tabrat, un fanzine de 2022 en el que De Baets confiesa ser un acaparador de pestañas (solo en el teléfono, las pestañas del navegador de su ordenador portátil se abren brevemente y se cierran de nuevo con eficiencia) y las comparte aquí con nosotros en una encantadora publicación en formato A4. Sus habilidades editoriales no han caído en el olvido, y se demuestran con frecuencia en sus trabajos colaborativos para la tienda de libros de arte Page Not Found y el espacio expositivo Nest (ambos situados en la ciudad de La Haya). La charla en Elisava destacará todas estas obras, y muchas más, y ofrecerá una visión de la evolución de estos diseños mediante bocetos, referencias y numerosas fuentes de inspiración.
El diseñador gráfico Bart de Baets (1979, Knokke, Bélgica) reside en Ámsterdam. Su diseño para el programa de máster temporal del Instituto Sandberg, The Radical Cut Up, fue nominado para un Dutch Design Award. Como resultado, PostNL encargó a De Baets el diseño de una serie de sellos titulada «Talk to the Hand». Junto con Sandra Kassenaar, diseñó la exposición, la campaña y el catálogo de «Circulate», una exposición sobre adquisiciones de arte fotográfico en el Stedelijk Museum Amsterdam. Ambos también diseñan la identidad gráfica del Kunstmuseum Bochum. Diseñó «On the Necessity of Gardening: An ABC of Art, Botany and Cultivation» (2021), que se publicó paralelamente a «The Botanical Revolution», una exposición en el Centraal Museum de Utrecht. Ese año, la Stiftung Buchkunst otorgó al libro el máximo galardón en la categoría de Mejor Diseño de Libro de todo el mundo. En mayo de 2025 se publicó un segundo título de la serie, Mothering Myths, an ABC of Art, Birth and Care, para el que volvió a colaborar con las editoras Laurie Cluitmans y Heske ten Cate. Es profesor a tiempo parcial en el departamento de Diseño Gráfico de la Real Academia de Arte de La Haya y ha impartido clases en la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam durante quince años.
Formado por el famoso colaborador Will Holder, los pensadores tipográficos radicales de Experimental Jetset y creadores conceptuales como Linda van Deursen, Bart de Baets comenzó a pensar como un editor desde el principio de sus estudios de diseño gráfico, creando fanzines con y para sus compañeros, o redactando textos pegadizos para acompañar sus carteles y proyectos. Sus habilidades de diseño se nutrieron enormemente cuando trabajó con Maureen Mooren y Daniel van der Velden (ahora Metahaven), cuyo interés por el arte le inspiró. Para ellos, eso siempre parecía ser lo primero, y luego venía el diseño. Para las páginas de Archis (una revista de arquitectura, ahora Volume), se utilizaron los diseños de publicaciones periódicas existentes para dar forma al contenido de la revista, y a Bart le enseñaron a estudiar sus características, por lo que se convirtió en un excelente imitador.
A lo largo de los años, la obra de De Baets ha evolucionado enormemente, sobre todo gracias a algunas colaboraciones significativas. Algunas de las primeras colaboraciones memorables fueron las realizadas con Melanie Bonajo y Frank Koolen, dos artistas (entonces) afincados en Ámsterdam, no mucho mayores que él, cuya práctica le inspiró una idea sobre la que trabajar juntos y que, en cierto modo, dio inicio a la carrera de De Baets. Personas como Rustan Söderling y Sandra Kassenaar tienen una influencia similar y siguen siendo socios de diseño cruciales; ambos son buenos amigos hasta el día de hoy. Su influencia en algunas obras propias, como Dark and Stormy y Success and Uncertainty, es esencial para el enfoque de diseño y el lenguaje visual actuales de De Baets. Kassenaar y De Baets comparten hoy en día un estudio y trabajan juntos como diseñadores de forma habitual.
Sus diseños están muy arraigados en una especie de pensamiento conceptual, y su capacidad para pensar de forma editorial junto con los comisionados ha dotado a la obra de Bart de un carácter franco. Su trabajo es claramente lúdico y aparentemente intuitivo, dando la impresión de que los diseños podrían realizarse rápidamente o a mano. Sin embargo, cada uno de los diseños es una composición cuidadosamente elaborada según una serie de directrices y, a menudo, utiliza tipografía o elementos visuales que hacen referencia a cosas «encontradas» en la calle. Durante años, Bart ha sido profesor de diseño gráfico, trabajando a menudo con estudiantes de primer año y introduciéndolos en la profesión. Rodeado de otros diseñadores, programadores expertos, dibujantes de letras y magos del color, su enseñanza anima a explorar cómo es crear arte y diseño en el entorno actual, mostrando sus propias fascinaciones.
Mié, 27 may, 2026
Masters’ Talks
19:30 h — Evento en el DHub
Abierto al público
Jonas Janke, b+
Love me one time, two times … x times !
Love me one time, two times … x times !
La conferencia no es una muestra convencional de proyectos seleccionados de nuestra práctica diaria, sino que pretende ofrecer una visión más amplia de la red de actores en la que opera b+ (bplus.xyz), cómo entendemos la forma contemporánea de ejercer la arquitectura y el alcance del trabajo de un arquitecto, y cómo abordamos nuestros proyectos; en resumen: quién es b+ y cómo trabajamos, cuáles son nuestros valores y cuál es nuestra concepción de nuestros deberes y responsabilidades como arquitectos.
Jonas Janke (Alemania, 1991) es arquitecto y socio de bplus.xyz (Berlín). Cuenta con una amplia experiencia en arquitectura y se formó como delineante arquitectónico antes de cursar sus estudios en Hamburgo, Estocolmo y Berlín. Adquirió una valiosa experiencia como tutor y asistente en diversos departamentos, entre ellos diseño y tipologías, construcción de edificios y diseño estructural. Formó parte del equipo 2038, el pabellón alemán en la 17ª Bienal de Arquitectura de Venecia 2021.
Sus primeras experiencias docentes incluyen estudios invitados en la Universidad de Innsbruck (Austria) y el Politecnico di Milano (Italia). Es invitado regularmente a dar conferencias y críticas invitadas en universidades, instituciones culturales e instituciones públicas. Se centra en los nuevos materiales y métodos de construcción ecológicos para proyectos de reutilización adaptativa y renovación, buscando soluciones técnicas y mecánicas pragmáticas y eficientes que utilicen los materiales y la construcción de forma reflexiva.
bplus.xyz (b+) es un estudio de arquitectura colaborativo (dirigido por Arno Brandlhuber, Olaf Grawert, Jonas Janke y Roberta Jurčić) que opera en la intersección entre la teoría y la práctica, utilizando diferentes medios y formatos. El estudio busca abordar los retos contemporáneos de nuestro tiempo, en particular los relacionados con la transformación socioecológica de los edificios existentes, ofreciendo soluciones económicamente viables.
b+ entiende la arquitectura como un proceso abierto y considera los edificios como parte de sistemas más amplios que requieren un enfoque sistémico. El estudio ve el marco dado de los edificios existentes y la legislación como una herramienta de diseño activa con potencial de transformación. Así, b+ celebra el potencial del entorno construido existente y pretende revelar y activar los potenciales latentes que hay en él.
b+ hace hincapié en el trabajo con diferentes actores y partes interesadas en el desarrollo de proyectos. El estudio valora sus conocimientos y experiencia y tiene como objetivo crear espacios para el intercambio y la colaboración. b+ busca promover un nuevo sistema de valores en la arquitectura, que haga mayor hincapié en la responsabilidad colectiva, el pensamiento sistémico y las soluciones ecológicas y económicamente viables.
El proyecto actual en el ámbito del activismo político es la iniciativa ciudadana europea HouseEurope! – HouseEurope! quiere crear incentivos que hagan de la renovación la nueva norma. Esto impulsará el mercado de la renovación y dará un nuevo valor a lo que ya existe. El objetivo es preservar los hogares y las comunidades, garantizar una industria de la construcción más justa y local, ahorrar energía y recursos, y preservar nuestros recuerdos e historias.
eventos pasados
Miércoles,
2 de marzo, 2022
Massin + Sister Corita
Bookworm 3
La cantatrice chauve, 1964
+
Footnotes and headlines: a play-pray book, 1967
Solo para estudiantes del MDE
En los años sesenta se empezó a cuestionar el canon moderno. El malestar social y los movimientos contraculturales se trasladaron al diseño gráfico. Una nueva estética alejada de la retícula suiza dio paso a composiciones tipográficas lúdicas que conectaban con las «palabras en libertad» de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, especialmente el Futurismo y el Dadaísmo. Robert Massin, en Francia, y Corita Kent, en Estados Unidos, dominaron con maestría el uso de la palabra impresa en sus creaciones.
Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.
Miércoles,
2 de marzo, 2022
19:30 h
Sarah Boris, Multi-practice
Open Lecture
Multi-practice
En esta charla, la artista y diseñadora, Sarah Boris, hablará sobre su cambio de práctica, desde ser diseñadora interna y directora de arte para algunas de las principales instituciones de arte en el Reino Unido, hasta crear su propio estudio en 2015. Presentará algunos de sus proyectos personales y no comerciales que han dado forma a su práctica y están informando de nuevas direcciones, incluyendo proyectos autopublicados como ‘Global Warming Anyone?’, o su libro de artista ‘Le Théâtre Graphique’ y su último diseño escultórico de banco en forma de corazón.
Sarah Boris es una artista y diseñadora gráfica afincada en Londres. Después de trabajar durante más de diez años para organizaciones como Phaidon, el Barbican Centre y el Institute of Contemporary Arts, se estableció por su cuenta en 2015, centrándose en las identidades visuales, el diseño editorial y el desarrollo de su práctica artística personal. Entre sus clientes se encuentran The Photographers’ Gallery, Tate, The National Gallery y Christie’s, entre otros.
Paralelamente a los proyectos por encargo, Sarah crea obras de arte serigrafiadas durante las residencias de artistas. Su obra fue adquirida por el Museo Stedelijk de Ámsterdam y se expuso en el Museo del Diseño de Londres y en Une Saison Graphique, en Le Havre (Francia). Fue presidenta del jurado de diseño de libros del D&AD en 2016 y forma parte del jurado de diseño gráfico de los Premios Latinoamericanos de Diseño 2022.
Miércoles,
2 de febrero, 2022
Max Bill + Karl Gerstner
Bookworm 2
Form, 1952
+
Geigy heute, 1958
Solo para estudiantes del MDE
La gráfica suiza lideró la escena internacional después de la Segunda Guerra Mundial. En los años 50 y 60, el estilo suizo, una versión refinada de la Nueva Tipografía, se convirtió en la solución universal para cualquier necesidad de comunicación visual, desde el diseño de libros hasta el de carteles, pasando por la publicidad y la imagen corporativa. Max Bill y Karl Gerstner, entre otros muchos, crearon un sofisticado lenguaje enraizado en la vanguardia para comunicar con la sociedad de consumo.
Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.
Miércoles,
2 de febrero, 2022
19:30 h
Lucienne Roberts, Is it still ok to be a graphic designer?
Open Lecture
Is it still ok to be a graphic designer?
Influenciada tanto por el feminismo como por la tipografía suiza, Lucienne compartirá su viaje por el diseño gráfico desde el afán utópico hasta el dilema distópico. Siempre ha considerado el diseño gráfico como un acto político. Al principio este mensaje fue recibido con incredulidad, pero cuando su libro Good: An Introduction to Ethics in Graphic Design salió a la calle, el tema fue entrando en la agenda. Desde entonces, ella y sus colegas han comisariado y diseñado exposiciones sobre el diseño gráfico en la salud y la política (Can Graphic Design Save Your Life?
y Hope to Nope: Graphic Design and Politics 2008-18) y han trabajado en múltiples campañas de ONGs, han ayudado a difundir el cambio climático y, más recientemente, han desarrollado la instalación Perhaps it’s not you, it’s me. en la que Lucienne contempla la posibilidad de «dejar» a su pareja de toda la vida, el diseño gráfico. Aquí explica por qué el divorcio era una opción, defiende el valor del diseño gráfico y reflexiona sobre lo que todos debemos hacer a continuación.
Lucienne Roberts es fundadora del estudio de diseño LR+ y cofundadora de la iniciativa de reivindicación GD&. Graduada por la Central Saint Martins, la práctica de Lucienne se caracteriza por su permanente interés en el diseño ético. El trabajo de LR+ abarca el diseño de exposiciones, libros e identidad corporativa. GD& crea libros y exposiciones vívidas que exploran cómo el diseño gráfico se conecta con todas las demás cosas. Sus proyectos incluyen la creación y la co-curación de dos exposiciones aclamadas por la crítica en Londres.
24 → 28 de enero, 2022
Serge Rompza, NODE Berlin Oslo
Workshop
Lost in Translation
Solo para estudiantes del MED
Lost in Translation
En el camino para convertirse en diseñador editorial, te enfrentas a la exploración y producción de formatos comunes como libros, revistas o sitios web. Desde hace algún tiempo, el abanico de trabajos de esta disciplina no deja de ampliarse; las exigencias están cambiando. La colaboración con otras disciplinas y el trabajo con nuevos formatos son hoy más necesarios y emocionantes que nunca.
¿Cómo pueden surgir novedades en el intercambio con otros especialistas? ¿Cómo nos acercamos a formatos desconocidos y cuáles son sus características? Esta semana de workshop nos dará tiempo para desafiarnos a nosotros mismos y explorar nuestras habilidades como autores y productores de formatos no convencionales o incluso de formatos desconocidos.
Serge Rompza
Después de graduarse en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam, Serge Rompza cofundó el estudio de diseño NODE en Berlín y Oslo en 2003, junto con Anders Hofgaard. Las dos oficinas trabajan de manera colaborativa en identidad, editorial, exposiciones y proyectos interactivos. La lista de clientes incluye Haus der Kulturen der Welt Berlin, Vitra, MIT Program in Art, Culture and Technology (ACT), Pabellón de Lituania / La Bienal de Venecia, Office for Metropolitan Architecture (OMA). Desde 2004, ha enseñado regularmente en academias de arte y diseño en toda Europa.
29 de noviembre
↳ 3 de diciembre, 2021
Martin Lorenz, TwoPoints.Net
Workshop
Systemic Type Design
Solo para estudiantes del MDV
Systemic Type Design
Vivimos en una (nueva) edad de oro del diseño de sistemas tipográficos. Las nuevas tecnologías y los programas fáciles de usar han nivelado el campo de juego para los diseñadores emergentes y les han dado la oportunidad de experimentar con nuevas ideas. El mundo de las fuentes para pantalla ha sido testigo de muchos impulsos nuevos en los últimos años. Las tipografías se han vuelto más flexibles, variables y cinéticas que nunca, ajustándose eficiente y efectivamente a los nuevos canales de comunicación.
Systemic Type Design es más que diseñar fuentes. Un sistema de tipos es una herramienta de diseño eficiente que ayuda a los diseñadores a diseñar. Si se hace bien, el acto de escribir equivale al acto de diseñar. En este curso desarrollaremos un sistema de tipografía experimental que generará por sí mismo aplicaciones interesantes.
Martin Lorenz
bien podría haberse convertido en cocinero, dibujante de cómics o arquitecto, de no haber sido por unas prácticas en el estudio de diseño Müller + Volkmann. Lorenz estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Darmstadt y en la Real Academia de las Artes (KABK) de La Haya. Tras trabajar cuatro años en el estudio Hort, se trasladó a Barcelona para fundar TwoPoints.Net con Lupi Asensio y realizó su Máster y Doctorado en Investigación en Diseño en la UB. Lorenz da clases en Elisava desde 2006 y todavía le gusta cocinar.
Miércoles,
24 de noviembre, 2021
László Moholy-Nagy + Jan Tschichold
Bookworm 1
Malerei, Fotografie, Film, 1925
+
Foto-Auge, 1929
Solo para estudiantes del MDE
Dos obras cruciales de la Nueva Tipografía, el movimiento de vanguardia que revolucionó el diseño gráfico del periodo de entreguerras. La disponibilidad cada vez mayor de la imagen fotográfica jugó un papel fundamental en este nuevo enfoque al diseño editorial. Moholy-Nagy, un miembro de la mítica Bauhaus, y Jan Tschichold, autor del libro de referencia Die neue Typographie, cambiaron radicalmente el aspecto de la página impresa produciendo un impacto duradero cuyos efectos continúan hasta el día de hoy.
Modernismo y Posmodernismo son las fuerzas motrices que han dado forma a la arquitectura, el arte y el diseño del siglo XX. El Movimiento Moderno arranca a finales del XIX, recorre vigorosamente el siglo y comienza a ser cuestionado a principos de los años 60 para diluirse, finalmente, en la década de 1990 con el advenimiento de Internet y el cambio de paradigma que este hecho supone.
El libro ha sido el medio y el mensaje de las diversas corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo del siglo. El libro, con su rotunda cualidad de objecto, toma un valor especial ahora que asistimos a su desmaterialización, reducido a datos digitales en formato electrónico.
En las sesiones de Bookworm exploraremos varios libros icónicos que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos los libros en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño de libros del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall. Los libros que conforman la colección están documentados en los principales relatos de la historia del diseño gráfico del siglo XX.
Miércoles,
24 de noviembre, 2021
19:30 h
Yehwan Song, Experimental Websites
Open Lecture
Experimental Websites
La conferencia habla de las diversas pruebas a las que nos enfrentamos cuando intentamos ampliar el alcance de nuestra capacidad dentro de los entornos web cuestionando las plantillas de diseño estándar. La charla presenta Anti-User-Friendly, un proyecto en curso que desafía el concepto de facilidad de uso mediante la creación de un sitio centrado en el contenido. Las herramientas web funcionan como un puente que conecta al usuario y al dispositivo-sitio web para reducir la world wide web a una «village wide web» y transformar la web en un espacio ampliado.
Yehwan Song es diseñadora gráfica de páginas web.
Dirige su propio estudio de diseño independiente centrado en el uso estratégico de las tecnologías. Su trabajo incluye proyectos con múltiples organizaciones culturales, como ifa, LIMA Media Art, Rhizome, Typojanchi y el Museo de Arte de Seúl.
Ha participado en varias exposiciones: la Bienal de Venecia (pabellón coreano), la Bienal de Seúl (SBAU) y otras, y sus trabajos han aparecido en revistas como Étapes, Monthly DESIGN y It’s Nice That, entre otras.
Yehwan Song Studio es un estudio de diseño y desarrollo web que cuestiona las convenciones de diseño e interfaz estandarizadas que enmarcan el comportamiento de los usuarios y las plantillas que les hacen perder la conciencia del contenido y acostumbrarse a la simplificación. Construimos dispositivos e interfaces fuera del marco para desafiar la noción de facilidad de uso. Perseguimos la diversidad y la variedad en el entorno web por encima de la eficiencia.
Miércoles,
17 de noviembre, 2021
Esteve Padilla, 131
Showcase
Tipografía y memoria colectiva
Reflexionaremos a partir de algunos proyectos elaborados en 131 durante los últimos años, en los que partiendo de la tipografía se trabaja para recuperar la memoria local y colectiva.
Esteve Padilla.
Barcelona, 1983
Diseñador gráfico, mitad del estudio 131 y docente ocasional en diversas universidades. Licenciado en diseño gráfico en Eina (UAB).
131
(Pau Llop, Esteve Padilla) es una oficina de diseño gráfico con sede en Barcelona y Lleida. La tipografía entendida como imagen, forma o letra resulta un elemento sustancial en todos los proyectos que realizamos. Nuestro trabajo incluye dirección de arte, identidades, proyectos editoriales, sitios web y tipografía.
Miércoles,
10 de noviembre, 2021
Anna Berbiela, Pràctica
Case studies
Pràctica: Proceso
Pràctica: Proceso
Pràctica no tiene un estilo, pero sigue un proceso; En esta sesión, analizaremos, a través de los casos de estudio de los últimos proyectos del estudio, el proceso que sigue Pràctica para desarrollar su trabajo.
Anna Berbiela
Diseñadora gráfica afincada en Barcelona. Anna fundó el estudio Pràctica junto a Javier Arizu, Carlos Bermúdez y Albert Porta en 2018. Con oficinas en Barcelona y Nueva York, Pràctica es un estudio que trabaja para clientes institucionales, culturales y comerciales, desarrollando proyectos de comunicación en materia impresa, digital y medioambiental.
Pràctica es un estudio de diseño integral con sede en Barcelona y Nueva York. Trabajando para clientes institucionales, culturales y comerciales, siempre busca conceptos potentes, códigos visuales audaces y soluciones personalizadas para cada proyecto. Esto se traduce en un trabajo muy ecléctico; su estilo es la falta de uno, es encontrar la mejor solución para cada proyecto.
Miércoles,
3 de noviembre, 2021
Miquel Hervás, Book Bindery Rietveld Academy
Showcase
The act of making something public
The act of making something public
Esta sesión aborda los métodos, herramientas e implicaciones de las actividades de publicación.
– ¿Qué hace/significa la publicación? ¿Y cómo va a existir/circular?
– ¿Cómo logra sus aspiraciones a través de la forma?
– ¿Cómo se unen el contenido, el concepto editorial y el diseño?
– ¿Cómo pensar la publicación como complemento y suplemento de las prácticas de trabajo?
– ¿En qué términos puede «hacer público» actuar como herramienta para poner en común intereses y preocupaciones?
Book Bindery
La BB permite la producción de libros y publicaciones en pequeñas ediciones y manipulaciones específicas de papel y cartón. Todos los procesos se realizan siempre de forma totalmente manual y ampliando los límites de lo posible.
Además de ser un taller técnico, la BB funciona como un punto interdepartamental en nuestra institución. Creemos que la práctica editorial es un proceso emancipador. Apoyamos proyectos como PUB.sandberg.nl, Radio Rietveld y Rietveld Journal.
Miquel Hervás Gómez
(Terrassa, 19 de abril de 1985). Diseñador gráfico autónomo afincado en la www. Funcionando como jefe de taller en la BB. Tutor de Disarming Design en el Sandberg Instituut y del Curso Preparatorio en la Gerrit Rietveld Academie, a la vez que miembro de fanfare y Carne Kids.
Miércoles,
3 de noviembre, 2021
Miquel Hervás, fanfare
Case studies
Spatial publishing
Solo para estudiantes del MDV
fanfare se creó al observar un contexto, una red, en la que las interacciones entre el diseño y el arte dieron lugar a proyectos que no encajaban en las plataformas de presentación existentes. fanfare crea un marco para conectar las estructuras ya existentes. Lo que ocurrió orgánicamente en este contexto fue la creación de nuevas estructuras, nuevas redes, nuevas iniciativas. En el contexto actual nos permitimos hablar de fanfare como marco para la publicación (no) física.
fanfare es una plataforma y un estudio de diseño para la colaboración interdisciplinar y la comunicación visual. A través de un programa activo, fanfare genera, explora y comisaría entornos para interacciones visuales.
Desde sus inicios en 2014, fanfare ha creado un espacio único para experimentos, exploraciones y colaboraciones en el ámbito del diseño gráfico y disciplinas afines. A través de su investigación y práctica de diseño, fanfare agudiza y desafía la noción de comunicación visual.
Miquel Hervás Gómez
(Terrassa, 19 de abril de 1985). Diseñador gráfico autónomo afincado en la www. Funcionando como jefe de taller en la BB. Tutor de Disarming Design en el Sandberg Instituut y del Curso Preparatorio en la Gerrit Rietveld Academie, a la vez que miembro de fanfare y Carne Kids.
