En esta sesión especial, Thierry compartirá un contenido que no encontrará en Internet ni en las redes sociales: las presentaciones iniciales a los clientes. Explicará cómo las desarrollamos en Base, centrándose en los objetivos, el flujo y la narración. Utilizando ejemplos de los sectores cultural y comercial, Thierry hará hincapié en un principio clave en Base: la importancia de elaborar cada presentación de forma única para cada cliente y contexto, evitando cualquier estandarización del proceso creativo.

Thierry Brunfaut es director creativo y uno de los socios fundadores de Base Design, la red internacional de estudios de branding con sede en Bruselas, Nueva York, Ginebra y Melbourne. Es autor de la célebre serie de carteles 5-minute posters, profesor y ponente habitual en conferencias sobre diseño y branding en todo el mundo. Thierry tiene un parecido sorprendente y aparentemente contradictorio con Moby y la Rana Gustavo.

Base Design es una red internacional de estudios que crea marcas con impacto cultural. Ubicados en Bruselas, Nueva York, Ginebra y Melbourne, nuestro equipo de más de 80 creativos, estrategas y expertos digitales diseña y desarrolla marcas sencillas pero poderosas y construye personalidades únicas. Fundada a principios de los 90, la empresa ha evolucionado continuamente a lo largo de los años y ahora está dirigida por socios de los cuatro estudios. Entre sus clientes figuran Apple, The New York Times, The Institut Français de la Mode, la Fondation Cartier, Studio Brussel, MoMA, Bob Dylan Center, Dior Galerie, La Monnaie Opera, IFAW, The Prince Estate, Orior,
Bozar, NY Mets, Caran d’Ache, Caudalie, la Terminal 4 del aeropuerto JFK, y muchos más. Base Design cuenta con la certificación B-Corp desde 2023.

A nosotros, los humanos, nos cuesta crear empatía hacia grandes cantidades de información. ¿Cómo resolvemos estos retos cuando los problemas a los que nos enfrentamos hoy en día son tan intrínsecamente grandes, interconectados, perversos y globalizados? En esta charla, exploraremos algunos humildes experimentos realizados para superar esta falta de empatía a través del arte, la tecnología y las experiencias participativas.

Pau Aleikum Garcia es diseñador de medios y cofundador de Domestic Data Streamers, un estudio de 25 personas que desde 2013 se centra en la creación de infoexperiencias. También dirige el Master in Data Design en Elisava. Es profesor invitado en The New School (NYC), Hong Kong Design Institute, el Royal College of Arts (Londres), el Politécnico de Milán y la Escuela de Economía de Barcelona. Construyó y vive permanentemente en la residencia para artistas HeyHuman! y forma parte del Colectivo Posttraumatic. No suele hablar en tercera persona.

Domestic Data Streamers es un estudio premiado que explora cómo expresar los datos a través del cine, la robótica, el código, el teatro o la arquitectura en escuelas, prisiones, cines, las calles de muchas ciudades e incluso la sede de las Naciones Unidas. Trabajan para marcas comerciales y todo tipo de instituciones de la vieja y la nueva escuela. Creen de verdad que los datos pueden ser un verdadero desencadenante del cambio y tender puentes en una sociedad polarizada.

¡Bienvenido a nuestra trastienda! Esta Masterclass es como una inmersión profunda en las herramientas esenciales de Vandals que te llevarán de entender el «por qué» a averiguar el «qué». Mediante la integración de metodologías de diseño e innovación, te ayudaremos a descubrir necesidades y explorar nuevas posibilidades. Obtendrás información clave para ampliar tus conocimientos, incorporar diversas perspectivas, implicar a las partes interesadas, reflexionar sobre estrategias, comunicar eficazmente y experimentar con la iteración.

En esta sesión, desarrollarás habilidades de pensamiento estratégico para fomentar la creatividad y tomar decisiones informadas y objetivas. También adquirirás técnicas prácticas para la resolución estructurada de problemas, la toma de decisiones integradora y la adopción de la iteración para perfeccionar continuamente tu enfoque.

Danae Gómez Lois

Como Estratega de Diseño y Diseñadora de Negocios, Danae busca transformar los negocios de sus clientes articulando su propósito y territorios de crecimiento, creando servicios, experiencias y modelos de negocio que pivoten alrededor del valor diferencial que aportan al mundo. A lo largo de su vida, se ha sumergido en diversos paisajes culturales de América del Sur y del Norte, el Caribe y Europa. A partir de estas experiencias, aplica sus conocimientos para impulsar cambios transformadores en las empresas. Impulsada por su pasión por comprender el comportamiento, la cultura, la experiencia y el pensamiento de futuro, en la actualidad agita perspectivas junto con su socio en Vandals, un servicio de investigación y estrategia diseñado para desafiar el pensamiento convencional, al tiempo que colabora como profesora de máster en Shifta by Elisava.

Vandals

Nuestros servicios de investigación y estrategia están diseñados para desafiar el pensamiento convencional, haciendo hincapié en el valor único que cada empresa aporta al mundo.
Alérgicos a las ideas absolutas, rechazamos el pensamiento rígido y abrazamos las preguntas difíciles. Nuestro objetivo es inspirar y guiar a empresas, equipos y emprendedores a través del método, la razón y la audacia en las siguientes etapas: [01] ¿Dónde estás ahora? [02] ¿Dónde quieres estar? [03] ¿Cómo llegar? Podemos ayudarte diseñando o renovando tu concepto de negocio, conectándote con lo que la gente valora, guiándote hacia nuevas áreas de oportunidad, posicionando y articulando la identidad de tu empresa, dando forma a experiencias de servicio o producto y dinamizando al mismo tiempo a las personas, la cultura y los procesos que funcionan entre bastidores.

La reciente exposición individual de Anette Lenz en el Museum Angewandte Kunst de Frankfurt, Alemania (2021), es la base de esta conferencia en la que compartirá su perspectiva sobre la cultura, la sociedad y la vida a través de su obra de diseño.

La obra gráfica «I am part of the big picture and the big picture is part of me» de Anette Lenz sirve de adecuado preludio a su concepto de una resonancia del diseño que, en los tiempos que corren, difícilmente podría ser más actual».

Cita de la página web del Museum Angewandte Kunst: «En su primera exposición individual a gran escala en Alemania, Anette Lenz contextualiza, ironiza y comenta su propia actitud ante la vida. Transforma los espacios del Museo en mundos gráficos inmersivos que convierten la comunicación visual en una experiencia tangible: sensual, poética y sugerente. El título «à propos» -que significa «a propósito»- no sólo alude al hecho de que tiene algo que añadir, un comentario propio que hacer, sino que también reivindica la pertinencia, un comentario hecho exactamente en el punto y el momento adecuados. (…)»

Anette Lenz es una diseñadora gráfica alemana afincada en París, Francia.
Su trabajo se centra en las instituciones culturales.
Idear un proyecto, estructurar una identidad visual singular y evolutiva en el corazón del espacio público son cuestiones en las que siempre ha invertido. Considera el diseño gráfico como un poderoso medio de conexión poética y política. Sus carteles forman parte de importantes colecciones internacionales.
Anette Lenz imparte clases en HEAD, la Universidad de Arte y Diseño de Ginebra (Suiza). Es miembro de AGI.

Jose Rosales se graduó en diseño audiovisual en BAU Universidad de diseño. Amante y observador de la cotidianidad. Jugador profesional del FIFA. Mallorquín y Madridista. Urbanita. Perfeccionista. Fundador, director de arte y creativo en Codea Studio. No paro de balancearme de un lado a otro. Nervioso y tranquilo a la vez. Estuve enganchado a la comida china y ahora estoy enganchado al Crossfit. Muy fan de Denis Villeneuve, Jacques Tati, Camarón de la Isla, Kady Cain y Serge Gainsbourg.

Una aproximación al mundo del fotolibro a partir de sus fundamentos y desarrollo. Trabajando con un autor, los estudiantes descubrirán su proceso de creación específico y cómo desarrollar su narrativa, ritmo y secuencia en un libro.

Jon Uriarte estudió Fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya y en el International Center of Photography de Nueva York, además de realizar un máster en Proyectos y Teorías Artísticas por PhotoEspaña y la Universidad Europea de Madrid. Ha expuesto en diversos centros y galerías de arte, tanto en muestras colectivas como individuales, entre los que destacan La Casa Encendida de Madrid, el Koldo Mitxelena de Donostia, el Studio 304 de Nueva York, el centro HBC de Berlín y la Sala d’Art Jove de Barcelona.

Fue fundador de Widephoto, plataforma independiente dedicada al comisariado y actividades en torno a la fotografía contemporánea. Además, conceptualizó y coordinó durante 3 años DONE, el proyecto sobre reflexión y creación visual impulsado por Foto Colectania. Actualmente vive en San Sebastián, desde donde compagina el comisariado de los programas digitales de The Photographers’ Gallery con el comisariado del Festival Internacional de Imagen Getxophoto.

Eyal Weizman es fundador y director de Forensic Architecture y profesor de Culturas Espaciales y Visuales en Goldsmiths, Universidad de Londres, donde en 2005 fundó el Centre for Research Architecture. En 2007 creó, con Sandi Hilal y Alessandro Petti, el colectivo arquitectónico DAAR en Beit Sahour/Palestina.

Es autor de numerosos libros, entre ellos Hollow Land, The Least of all Possible Evils, Investigative Aesthetics, The Roundabout Revolutions, The Conflict Shoreline y Forensic Architecture.

Eyal ha ocupado cargos en numerosas universidades de todo el mundo, como Princeton, ETH Zurich y la Academia de Bellas Artes de Viena.

Es miembro del Consejo Asesor de Tecnología de la Corte Penal Internacional y del Centro de Periodismo de Investigación.

En 2019 fue elegido miembro vitalicio de la Academia Británica. En 2020 recibió un MBE por «servicios a la arquitectura» y en 2021 el London Design Award. Forensic Architecture ha recibido el Premio Peabody de medios interactivos y el Premio de Cultura de la Fundación Europea de la Cultura.

Eyal estudió arquitectura en la Architectural Association, donde se licenció en 1998. En 2006 se doctoró en el London Consortium de Birkbeck, Universidad de Londres.

Forensic Architecture es una agencia de investigación con sede en Goldsmiths, University of London. Nuestro mandato es desarrollar, emplear y difundir nuevas técnicas, métodos y conceptos para investigar la violencia estatal y corporativa. Nuestro equipo incluye arquitectos, desarrolladores, cineastas, periodistas de investigación, científicos y abogados. Somos una agencia interdisciplinaria que opera a través de los derechos humanos, el periodismo, la arquitectura, el arte y la estética, la academia y la ley; en 2022, el programa de los Premios Peabody escribió que habíamos co-creado «todo un nuevo campo académico y una práctica mediática emergente».

En este taller, convertiremos el bootlegging en un método y examinaremos el fenómeno que originalmente se desarrolló a partir del contrabando y la piratería hasta convertirse en una práctica habitual en el sector de la música y la moda, pero hoy también en el mundo del diseño gráfico y las marcas. Tu tarea consistirá en desarrollar tu propio bootleg y explorar los límites entre piratería, homenaje y la recreación. Se espera que la elección de los medios sea libre.

¿Cómo quieres posicionarte y posicionar tu forma de trabajar en un mundo en el que tu trabajo se ve influido por innumerables impresiones, sobre todo de Internet y las redes sociales? Hoy en día se tiene acceso a muchas fuentes de información e influencias. ¿Hasta qué punto dejas que tu trabajo se vea influido por otros estilos y métodos, y cómo puedes reivindicar la autoría de tu obra? ¿A quién pertenece una idea? Intentaremos abordar este tema en el taller y debatirlo. ¡Diviértete!

Después de graduarse en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam, Serge Rompza cofundó el estudio de diseño NODE en Berlín y Oslo en 2003, junto con Anders Hofgaard. Las dos oficinas trabajan de manera colaborativa en identidad, editorial, exposiciones y proyectos interactivos. La lista de clientes incluye Haus der Kulturen der Welt Berlin, Vitra, MIT Program in Art, Culture and Technology (ACT), Pabellón de Lituania / La Bienal de Venecia, Office for Metropolitan Architecture (OMA).

Desde 2004, ha enseñado regularmente en academias de arte y diseño en toda Europa.

Irma Boom es una bookmaker afincada en Ámsterdam. Ha creado más de quinientos libros. Su enfoque experimental desafía a menudo las convenciones de los libros tradicionales, tanto en el diseño físico como en el contenido impreso. Desde 1992, Boom ejerce como crítica en la Universidad de Yale, en New Haven (Connecticut), e imparte conferencias y talleres en todo el mundo. Ha recibido numerosos premios por el diseño de sus libros y, en 2001, fue la persona más joven en recibir el Premio Gutenberg.

Los libros de Boom forman parte de las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Instituto de Arte de Chicago, la Biblioteca Vaticana y el Centro Pompidou de París, entre otras instituciones. Las Colecciones Especiales de la Universidad de Ámsterdam recogen su obra completa. En 2014, Boom recibió el Premio Johannes Vermeer, el premio estatal holandés para las artes. En 2019, recibió el doctorado honoris causa del Royal College of Art de Londres.

La supervivencia del libro o ¡el renacimiento del libro! La distribución de la información siempre ha dependido de su forma cambiante. El libro clásico no puede escapar a ello y ahora lo está sintiendo de forma aguda. El libro digital está decididamente en alza. Pero su aparición en forma de imágenes planas y digitales no tiene por qué amenazar al libro tridimensional. La nueva competencia nos anima incluso a explorar más intensamente las características intrínsecas del libro impreso.

Creo que estamos a las puertas de un nuevo florecimiento del libro clásico. Tal vez incluso haya comenzado ya: el Renacimiento del libro. Para el libro impreso, los diseños preconcebidos son cosa del pasado. El diseñador de libros debe familiarizarse con el contenido antes de iniciar la tarea de concebir una estructura y una forma. Se puede comparar el diseño de un libro con la interpretación de una pieza musical: un director explora la música y la interpreta. El diseñador de libros es un editor y director de textos e imágenes.

El resultado de este esfuerzo es la congelación del tiempo y la información, que es un medio de reflexión; compárese con una fotografía o un cuadro. Una imagen en un momento dado que sirve de referencia de tiempo y lugar. El flujo inherente a Internet no permite ese tipo de tiempo. El libro impreso es definitivo y, por tanto, inmutable. Además, el uso adicional de materiales de base y de horas de trabajo (con la impresión y la encuadernación) te obliga, hasta cierto punto, a tomar decisiones conscientes.

Hago libros en los que el contenido y la forma están estrechamente relacionados. El contenido del material determina en gran medida el diseño. Esto hace que cada libro sea único: nunca el resultado de un tratamiento rutinario. Mis libros tienen presencia física por sus dimensiones, escala y peso. Su forma puede ser rotunda, pero siempre está determinada por el contenido. La necesidad de la intimidad del libro -el papel, el olor a tinta- no es nostalgia ni falso sentimiento.

El libro impreso es una parte fundamental e integral de nuestra tradición y cultura, del conocimiento y la sabiduría publicados y públicos. El libro ha muerto. ¡Viva el libro!

En mi trabajo como diseñadora gráfica independiente siempre me he centrado mucho en las imágenes y en cómo la imagen impresa puede comunicar ideas y ser leída. En mi conferencia me gustaría centrarme más en este tema y explicar cómo lo he explorado a lo largo de diferentes proyectos. Desde algunos encargos hasta mi propio trabajo con la revista BILL y publicaciones relacionadas, así como con MMDC, una serie de publicaciones que retratan bibliotecas.

Hablaré de mi papel como diseñadora gráfica en proyectos por encargo, de cómo estos proyectos contribuyen a la edición de BILL, de la importancia del papel y la exploración del proceso de impresión offset y de cómo distribuyo mis propias publicaciones a través de eventos y encuentros.

Julie Peeters (Hasselt, BE) es diseñadora y editora afincada en Bruselas. Estudió diseño gráfico en Sint Lukas, Gante, fue investigadora en Jan Van Eyck Academy y se graduó en Werkplaats Typografie en 2009. Trabajar en estrecha colaboración con artistas, fotógrafos y comisarios en torno a la impresión es el núcleo de su práctica. En 2021, presentó su primera exposición individual, Daybed, en el MACRO de Roma. Julie ha trabajado en libros de artista con Linder Sterling, Silke Otto Knapp, Rosalind Nashashibi, Yuji Agematsu, Thomas Demand entre muchos otros.

Julie es fundadora y directora creativa de BILL, una revista anual de relatos fotográficos y editora de material visual pausado. Peeters ha impartido clases en la Academia Gerrit Rietveld de Ámsterdam y actualmente enseña en la Escuela de Arte KASK de Gante.

Superponiendo el diseño y las artes visuales con una práctica de edición, publicación y educación, mi trabajo explora las posibilidades del material impreso como medio y lo que significa editar a través del diseño. En 2017 fundé BILL, una publicación periódica anual que adopta la forma de una revista brillante sin palabras, presentando una colección de ensayos visuales de colaboradores invitados que exploran el potencial de las imágenes impresas en una era digital.

Mi trabajo cuestiona y celebra el poder de la impresión. Combinando las funciones de redactora jefe y directora artística, utilizo BILL como herramienta para investigar formas de crear y presentar contenidos, así como vehículo para investigar las posibilidades de la impresión.

Una vez impreso, BILL se convierte en un estímulo para debatir sobre la distribución y el consumo de imágenes, cómo se leen las imágenes en una página y qué significa publicar un objeto impreso en una época de colapso climático y comunicación digital.

La revista The Face
Las revistas constituyen un documento único del espíritu de su época. The Face, diseñada por Neville Brody entre 1981 y 1986, es un buen ejemplo de obra gráfica total. Centrada en la música y la moda, su estilo tuvo una gran influencia y definió en gran manera la estética de los años 80 del siglo XX.

En las sesiones de Bookworm exploraremos varias revistas icónicas que capturan el espíritu de la época en la que fueron creados. Situaremos las revistas en su contexto e intentaremos definir qué es aquello que los hace relevantes en la historia del diseño editorial del siglo XX. Las sesiones son guiadas por Andreu Jansà, bibliotecario y conservador del Fondo de Reserva Enric Bricall.

Un sistema de escritura logográfico es un tipo de sistema de escritura en el que cada símbolo o logograma representa una palabra completa o un concepto significativo. En este taller crearemos un nuevo sistema de escritura que esté directamente vinculado a la experiencia humana a partir de una serie de conceptos. Para ello, nos apropiaremos de las referencias culturales, visuales, históricas… de diferentes tribus étnicas existentes que nos darán un punto de partida a partir del cual los alumnos podrán desarrollar el ejercicio.

El estudiante perfeccionará tanto la habilidad conceptual como su capacidad de síntesis para la ideación de una sistema gráfico y desarrollará una sensibilidad hacia la forma/contraforma desde una óptica visual. Buscamos concienciar el valor cultural de la escritura como tal, explorando los límites conceptuales y formales, dando
pie a la experimentación y la investigación. 

LEÓN ROMERO es un estudio de comunicación visual con sede en Barcelona fundado por Jorge León y Mikel Romero. El estudio adopta un enfoque colaborativo de la dirección creativa y el diseño gráfico para producir soluciones audaces y funcionales para la cultura y el comercio.

Impulsado por el diseño tipográfico, LEÓN ROMERO ofrece una amplia gama de servicios que incluyen identidad visual, campañas gráficas, diseño editorial y web, packaging y dirección de arte. El estudio mantiene una sólida relación con una vibrante red de fotógrafos, ilustradores, editores y redactores para realizar proyectos grandes y pequeños.